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Fünf Wandgemälde aus der Casa Bartholdy in Rom

Ident. Nr.: F.V. 47

ObjID: obj:959720

Alte Nationalgalerie
Leihgabe der Bundesrepublik Deutschland
Bild & Polyptichon

Details (expert)

Creator/Entity
Peter von Cornelius (1783 - 1867),
Maler*in
Friedrich Overbeck (1789 - 1869),
Maler*in
Wilhelm Schadow (1788 - 1862),
Maler*in
Philipp Veit (1793 - 1877),
Maler*in
Date(s)
1818
Provenance
Sammlung des Prinzen Johann Georg von Sachsen,
376437
Sammlung Dr. Hans Posse, Dresden,
1943
Reichsbesitz, erworben im Sonderauftrag Linz (später Bundesrepublik Deutschland),
376439
Material / Technique
Wasserfarbe & Aquarell auf Papier auf Leinwand
Dimensions
Höhe x Breite: 52 x 108 cm
Acquisition
Seit 1967 Leihgabe der Bundesrepublik Deutschland
Permalink
https://id.smb.museum/object/959720

Object Description

Jakob Salomon Bartholdy, der sich in Rom von den Lukasbrüdern den Festsaal seiner Wohnung im Palazzo Zuccari mit acht Fresken zur Josephsgeschichte ausmalen ließ, berichtete nach der erfolgreichen Beendigung der Arbeiten am 9. März 1817 an den preußischen Staatskanzler Karl August von Hardenberg: »So viele Aufopferung es mich gekostet, mehr als die Hälfte meines Gehaltes darauf zu verwenden, diesen braven jungen Männern Gelegenheit zu verschaffen, sich einen Namen zu machen, so sehr sehe ich mich dadurch belohnt, daß ihr Werk gelungen und selbst der Nation zur Ehre gereicht« (zit. nach: L. von Donop, Die Wandgemälde in der Casa Bartholdy in der National-Galerie, Berlin 1889, S. 6 f.). Um auch in Preußen die Leistungen der jungen Maler bekanntzumachen und um für weitere Aufträge zu werben, ließ Bartholdy die Künstler verkleinerte Wiederholungen der Fresken anfertigen, die er König Friedrich Wilhelm III. sandte. Bei den in der Nationalgalerie bewahrten, zu einem Bild vereinten fünf Aquarellkopien könnte es sich um eben jene von Bartholdy bestellten Wiederholungen handeln. Dargestellt sind links »Jakobs Klage« von Wilhelm Schadow, darüber »Die sieben fetten Jahre« von Philipp Veit, rechts »Joseph legt Pharaos Träume aus« von Peter Cornelius, darüber »Die sieben mageren Jahre« von Friedrich Overbeck, in der Mitte »Joseph und Potiphars Weib« von Veit. Nach ihrer Ankunft aus Rom wurden die Aquarellkopien im Herbst 1818 auf der Berliner Akademieausstellung gezeigt. | Birgit Verwiebe

Last updated: 24.08.2026

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Institution:

Alte Nationalgalerie

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Christian Friedrich Tieck. Büste

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Totenmaske Adolph Menzel

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Agnes Rauch

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Hyazinth

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Löwe

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Aufnahmen aus der Hand Heinrich Zilles (E. Kaufhold (Hg.), Heinrich Zille. Photograph der Moderne. Verzeichnis des photographischen Nachlasses, München 1995, WV 44/45, Taf. 123) dokumentieren das Tonmodell zu Gauls stehendem Löwe. Neueren Forschungen zufolge legt Zilles Fotografie, auf der im Hintergrund die Steinplastik eines liegenden Löwens – dem Löwen für das Palais-Mosse – zu sehen ist, die Entstehung des Tonmodells auf das Jahr 1903 nahe. Gaul hatte seinen Löwen erstmals 1904 auf der Ausstellung des Deutschen Künstlerbunds in München präsentiert, 1905 konnte die Nationalgalerie den von langer Hand geplanten Ankauf realisieren. Dem Vorbild Berlins folgend erwarb gleich im darauffolgenden Jahr die Hamburger Kunsthalle den zweiten Guss dieser Plastik (mit aus Onyx eingesetzten Augen), darüber hinaus ist ein heute nicht mehr nachweisbarer dritter Guss durch Quellen belegt. Gaul konzentrierte sich bei der Darstellung des erhabenen Tiers ganz auf die silhouettenhafte Fernwirkung, reduzierte alle Details auf das Wesentliche und vermied jegliche erzählerische Bewegtheit sowie ikonografisch-symbolische Aufladung der Komposition. Mit dem gerichteten Interesse auf formale Aspekte der Plastik, der in strengen Achsen angelegten Ausrichtung, der Formulierung klarer Oberflächenstrukturen und abgegrenzter Volumina, gilt Gaul mit seinen Tierdarstellungen als Erneuerer der Bildhauerei am Beginn des 20. Jahrhunderts. | Yvette Deseyve

Herkules mit dem Eber

Herkules mit dem Eber

Nach der Mythologie handelt es sich um die vierte der "Zwölf Arbeiten" des Herkules: den wilden Eber vom Berge Erymanthos in Arkadien zu bändigen, der bei Psophis die Lande verwüstete. Nachdem er den Eber aufgestört, gehetzt und besiegt hatte, lud er ihn auf seine Schultern und trug ihn nach Mykene. - Diese Statuette gehört zu einer kleinen Werkgruppe, in der Tuaillon von seinem Bekenntnis zu klarer Statuarik, ruhiger Form und unliterarischen Sujets abrückt. Malerische Tendenzen gewinnen hier Oberhand, die Modellierung ist aufgelockert: Tuaillon entfernt sich von den strengen Normen der Marées- und Hildebrand-Schule. - Der Plan für eine großformatige Ausführung dieser Gruppe entstand, als Tuaillon im Jahre 1900 im Rahmen eines beschränkten Wettbewerbes zu einem Entwurf für eine lebensgroße Marmorstatue, die im Foyer der Nationalgalerie auf einem Treppenpodest aufgestellt werden sollte, aufgefordert war. Dieser Auftrag wurde noch viele Jahre hindurch diskutiert, blieb allerdings schließlich unausgeführt. Für die Marmorausführung ließ Tuaillon sich 1904/05 das eingereichte kleinformatige Gipsmodell zurückschicken. Im Jahre 1907 und nahezu gleichlautend noch 1913 plante er, ein ganz neues Modell zu beginnen, doch alles verzögerte sich - nicht zuletzt, weil Staatsaufträge (wie etwa für Köln) seine Kapazität vollauf banden. - Das Sujet mit imperialistischen Gesinnungen im Deutschland vor dem ersten Weltkrieg in Verbindung zu bringen, scheint gewagt (Ulferts 1993, S. 77). In erster Linie sollte man Tuaillons Entwurf als Antwort auf das bereits vorhandene, erheblich ältere Pendant verstehen, Albert Wolffs "Dionysos mit Panther" von 1884 (Marmor, kriegszerstört); sein Konzept hätte in freier Anlehnung an Nietzsches Auffassungen das Feierlich-Dionysische gesteigert zur vitalen Metapher des siegreichen Lebenskampfes schlechthin. - Das Modell wird in die Jahre 1899/1900 datiert. Der 1901 in Rom entstandene Erstguß von 1901 befindet sich als Leihgabe in der Kunsthalle Bremen. Der vorliegende Guß könnte ebenfalls 1901 erfolgt sein (in diesem Jahr lag der Nationalgalerie ein kleinformatiges Gipsmodell vor), vielleicht aber auch später. Weitere Bronzegüsse folgten in unbekannter Auflagenhöhe (Wallraf-Richartz-Museum, Köln; Propyläen-Kunsthandlung, Berlin). Eine Großfassung entstand um 1910 für den Garten Guthmann in Neu-Kladow, wurde später (wohl in den dreißiger Jahren auf Betreiben der Tochter des Künstlers) in Bronze gegossen und 1962 auf dem Lützowplatz in Berlin-Tiergarten aufgestellt; sie weicht in Details von der Statuette ab. Ferner produzierte die Meißner Porzellan-Manufaktur Ausformungen in Porzellan (ab 1923 nachweisbar; ein Exemplar im Kulturgeschichtlichen Museum Osnabrück, Höhe 40,5 cm). | Bernhard Maaz

Moses Mendelssohn. Büste

Moses Mendelssohn. Büste

Der französische Hofbildhauer Tassaert, seit 1775 Leiter des Königlichen Bildhauerateliers in Berlin, schuf ein psychologisierendes Porträt des jüdischen Philosophen Moses Mendelssohn. Dieser propagierte die Idee der Toleranz zwischen den Religionen und gilt als einer der bedeutendsten Philosophen und Gelehrten der Aufklärung, dem Lessing mit seinem »Nathan« ein literarisches Denkmal setzte. Bei der ursprünglich in Marmor ausgeführten Büste assistierte Tassaert sein später berühmter Schüler Johann Gottfried Schadow. | Yvette Deseyve

Hermes (römische Kopie)

Hermes (römische Kopie)

In Rom schuf Emil Wolff nicht nur eigene bildhauerische Arbeiten, sondern betätigte sich auch als Agent für den Erwerb von Abgüssen und antiken Statuen für die Berliner Sammlungen. Die Vermittlungstätigkeit sowie die Restaurierung von antiken Originalen waren eine willkommene und notwendige Einnahmequelle für den jungen Künstler. Bei der Figur des Hermes hatte Wolff ältere Ergänzungen abgenommen und durch neue, die originalen Fragmente stärker berücksichtigende ersetzt. Seine Rekonstruktion dieser römischen Kopie eines griechischen Originals aus dem 5. Jahrhunderts ist sehr gelungen, nur der Flügelhut ist eine Hinzufügung, die dem Original fehlt. | Yvette Deseyve

Uhu

Uhu

„Dieser Mann war nicht nur geborener Plastiker, sondern geborener Holzplastiker“, schrieb der Berliner Kunstkritiker Fritz Stahl 1918 nach Pucheggers frühem Tod im Jahr zuvor. „Er liebte die Tiere, […] aber Motive wurden sie ihm erst, wenn sie sich als Gebilde aus Holz gestalten ließen. Nein, noch genauer: als Gebilde aus Holz, mit einem bestimmten Instrument geschnitten. Jede Art von Fell oder Gefieder übersetzte sich in seiner Phantasie in einen gewissen Zustand eines gewissen Holzes“ (Fritz Stahl, Inhalt und Form. Tierbilder im Künstlerhaus, in: Berliner Tageblatt, 13.2.1918, S. 2). Pucheggers „Uhu“ fügt sich ganz in die Rezension seines Œuvre ein. Insbesondere die Behandlung der Oberfläche, doch auch das außergewöhnliche Materialgespür weisen den Bildhauer als gelernten Holzschnitzer aus, dem es auch gelang, die Maserung des Holzes in die künstlerische Gestaltung einzubeziehen. Skulptural ist das flaumig-plustrige Gefieder mit dem Schnitzeisen als feines Netz aus kurzen Furchen umgesetzt. Streng symmetrisch, totemartig sitzt der „Uhu“ vor den Betrachter:innen. Doch offenbaren die beiden farbig intarsierten Augen die Ruhe als trügerisch. Wie in anderen Figuren auch zeigt Puchegger hier Wesen wie Verweigerung des Zootieres, dessen Ausdruck weniger ein Anstarren als ein Zurückstarren ist. Sein Werk steht zwischen der Eleganz des Jugendstils und der Entschiedenheit des Expressionismus, welcher der Holzplastik eine neue Bedeutung gegeben hatte. Von den zehn dokumentierten Holzskulpturen hat sich außer den Werken der Nationalgalerie (vgl. „Budeng-Affe“, B I 414) nur eine weitere Arbeit in Holz in schottischem Privatbesitz erhalten. | Philipp Demandt

Prinzessin Friederike von Preußen. Büste

Prinzessin Friederike von Preußen. Büste

Ausgangspunkt für das berühmte Doppelstandbild der »Prinzessinnengruppe« waren zwei Büsten. Nur eine davon ist heute noch erhalten. Schadow modellierte das Porträt von Prinzessin Friederike 1795 im Kronprinzenpalais. Zunächst hatte er ein Idealbildnis aufgebaut. Wie der Bildhauer berichtete, passte er dann im leicht formbaren Ton die Gesichtszüge nach und nach dem »Leben« an: »Nach dem ersten Visieren nahm ich mit einem Zuge, durch Wegnahme eines Stücks Ton, die Profilierung der Natur. Auch die Prinzessin erwähnte, wie sie daraus die Abweichung ihres Profils vom Ideale wahrgenommen habe.« | Yvette Deseyve

Bertel Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen

Der Däne Bertel Thorvaldsen arbeitete fast sein ganzes Leben in Italien und avancierte neben Antonio Canova zu einem der einflussreichsten Bildhauer des Klassizismus. Seit ihrer ersten Begegnung 1805 verband Thorvaldsen und Rauch eine lebenslange Freundschaft. Rauch hatte seinen Kollegen bereits mehrfach porträtiert, doch unterscheidet sich das hier gezeigte Bildnis grundlegend von seinen Vorgängern. Der Bildhauer verstärkte durch die Wendung des Kopfes und die Darstellung des bewegten Haars wie auch des markanten Kinns die Lebendigkeit der Darstellung, ohne die würdevolle Anmut in einen nüchternen Realismus zu verlieren. | Yvette Deseyve

Doppelstandbild der Prinzessinnen Luise und Friederike von Preußen

Doppelstandbild der Prinzessinnen Luise und Friederike von Preußen

Das Doppelstandbild ist heute Ikone des Klassizismus und Sinnbild der Berliner Bildhauerschule. Vor allem der Gipsversion kommt hier ein besonderer Stellenwert zu. Das Originalmodell war nicht nur Ausstellungsobjekt, sondern diente auch als Arbeitsmodell zur Übertragung der später angefertigten Marmorversion. Die Hand Schadows, seine Arbeitsweise und sein Werkprozess lassen sich an kaum einem anderen Werk so präzise nachvollziehen. | Yvette Deseyve