Fischreiher

Stillleben I

Der als Sohn eines Malers in Karlsruhe geborene Kanoldt war von 1909 bis 1912 Mitglied der Neuen Künstlervereinigung München, danach der Münchner Neuen Secession. In dieser Zeit malte er in engem Kontakt mit Alexej von Jawlensky, Gabriele Münter und anderen expressionistisch. Doch bald nahm er Anregungen aus dem Kubismus auf und firmierte 1925 in der Mannheimer Ausstellung „Neue Sachlichkeit“ schließlich als einer der Protagonisten dieser neuen Kunstrichtung. Das Stillleben mit Gummibaum, Agave und Einblatt entstand in Breslau, wo Kanoldt von 1925 bis 1931 an der Kunstakademie lehrte. Vor den horizontalen Flächen von Wand, Fußleiste und Boden streben die immergrünen Topfpflanzen ebenso empor wie ein Pinsel, der aus einem Gefäß ragt, vor dem ein Büchlein liegt. Das in dunklen Farbtönen gehaltene häusliche Inventar wird durch Nahsicht, Perspektivwirkung und Schattenspiel dramatisiert. Der Kunsthistoriker Franz Roh bewunderte Kanoldts „Strenge“ und sah in seinen Bildern „eine Angehaltenheit des Atems, die den Alltagsdingen wundersame Fremdheit leiht. Diese Reglosigkeit und Windstille des Lebens kann etwas Feierliches, beinahe Abgründiges haben“ ([Franz] R[oh], Alexander Kanoldt, in: Der Kunstwart, 39. Jg. [1926], H. 7, S. 56 f.). | Dieter Scholz

Publio Orazio uccide la sorella

Das Gemälde zeigt einen Moment höchster Dramatik: Als nur der jüngste der Horatier-Brüder lebend aus dem Kampf zurückkehrt, findet er seine Schwester trauernd um einen seiner ermordeten Gegner und tötet sie aus Zorn darüber. Nachdem ihn das Gericht dafür verurteilt hat, wird er letztlich dennoch freigesprochen. Mit seiner neoklassizistisch anmutenden Darstellung der Erzählung des römisch-antiken Schriftstellers Livius über den Machtkampf zwischen den horatischen Drillingsbrüdern aus Rom und den curatischen aus Alba Longa unter König Tullus Hostilius bediente sich Funi einer langen ikonografischen Tradition. Zahlreiche Bildzitate aus der Antike und der frühen Neuzeit, beispielsweise der Statue der „Venus von Kyrene“ (Nationalmuseum Rom), untermauern sein Bildideal. Das Gemälde gelangte 1932 durch einen Bildertausch zwischen Deutschland und Italien in die Sammlung der Nationalgalerie. Der damalige Direktor, Ludwig Justi, wählte dabei Gemälde aus, die sich auf eine klassische, nationalistisch geprägte Darstellungstradition beriefen, wie jene der Künstler um die Zeitschrift „Valori Plastici“ oder der Gruppe Novecento. Auch Funi gehörte dieser Strömung an. Die Präsentation der italienischen Bilder wurde die erste Ausstellung der Nationalgalerie nach der nationalsozialistischen Machtübernahme. | Anja Pawel

Bauarbeiter

Rosen in roter Vase

Nachdem der preußische Oberpräsident Rudolf Schwander das Gemälde „Rosen in roter Vase“ 1929 in Kassel angekauft hatte, blieb es mehr als dreißig Jahre lang als Leihgabe in der Stadt. Die Blumen unbestimmter Farbe wirken impressionistisch. Von Nahem sehen die Betrachter:innen Rosa, Weiß, Grau und Blau, die bei größerem Abstand ineinander überzugehen beginnen. Der starke Kontrast zwischen dem intensiven Rot der Vase und der übrigen, eher pastellfarbenen Palette sticht heraus. Zum Zeitpunkt der Erwerbung des Bildes hatte Anhalt sein Studium an der Kasseler Akademie gerade abgeschlossen. Noch während des Studiums waren seine Werke auf regionalen Ausstellungen wie der „Jubiläumskunstausstellung Kassel 1927“ oder der „Herbstausstellung hessischer Kunst“ im selben Jahr vertreten, doch ab 1929 lässt sich die Spur des Künstlers kaum mehr verfolgen. Weitere Arbeiten Anhalts und der Fortgang seiner künstlerischen Tätigkeit bleiben schwer nachweisbar. Bis 1935 lebte er in Kassel, anschließend zog er nach Eisenach um. 1952 zeigte er in der Ausstellung zum 175. Jubiläum der Kasseler Akademie drei Werke. | Emily Joyce Evans

Gartenblumen

Das 1932 durch die Nationalgalerie beim Künstler erworbene Blumenstück (A II 778) zeigt den engen Ausschnitt eines Sommergartens mit botanisch genau erfassten Pflanzen. „Zu meinen Blumenbildern“, so Bartning, „bin ich von der Landschaft her gekommen. Schon vor 30 Jahren habe ich versucht, den Vordergrund des Landschaftsbildes zu selbständiger Bedeutung zu entwickeln. Daraus ist das entstanden, was ich die Nahlandschaft nenne und für eine neue, fast unbekannte Aufgabe halte“ (Ludwig Bartning, in: Maler und Bildhauer der Juryfreien II, Berlin 1929, o.S.). Der Künstler schenkte zu dem Ankauf ein zweites Gemälde (A II 779). Dieser Gartenblumenstrauß in leuchtenden Farben auf dunklem Grund erinnert in der Feinheit und Präzision der Darstellung an Malerei des frühen 19. Jahrhunderts, etwa an die Blumenbilder des Porzellanmalers Gottfried Wilhelm Voelcker. Bartning, der seine erste Ausbildung und Prägung bei Paul Schultze-Naumburg erhielt, gehörte zum konservativen Flügel der deutschen Neuromantik. Ab 1913 war Bartning an der Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums tätig, mit Beginn der 1920er Jahre wurde er Professor an den Vereinigten Staatsschulen für freie und angewandte Kunst in Berlin-Charlottenburg. Als Lehrkraft hielt er dort im März 1931, zur Entstehungszeit der beiden Blumenbilder, den stringent aufgebauten Vortrag „Was ist lehrbar in der Kunst?“. Mit dem Siegeszug der Skizze seit dem Impressionismus wie der Absolutsetzung des seelischen Gestus mit dem Expressionismus hielt er alles Lehrbare für stark zurückgedrängt. Einen Ausweg sah er in der Rückkehr zum soliden Handwerk, wofür die beiden kunstreich auf Holz gemalten, nahsichtigen Blumenbilder stehen, sowie in einer respektvollen Sicht auf die Natur: „Vielleicht ist doch noch ein neues Wunder zu entdecken, das kein Auge je gesehen hat, obwohl es vor aller Augen lag“, ermunterte er zum Schluss seine Zuhörer. (Ludwig Bartning, Was ist lehrbar in der Kunst?, Berlin-Charlottenburg 1932, o.S.). Mit seiner Frau Gertrud und den gemeinsamen Kindern hat Bartning, ein Bruder des Architekten Otto Bartning, zahlreiche botanische Werke illustriert und 1950 ein Lehrbuch der Blumenmalerei publiziert. | Angelika Wesenberg

Den Kindern Algeriens

Auf Reisen

Das Gemälde „Auf Reisen“ gehört zu den ersten Werken, die 1947 für die kurz zuvor in Berlin gegründete „Galerie des 20. Jahrhunderts“ erworben wurden. Die Ankaufskommission unter Adolf Jannasch und Nationalgalerie-Direktor Ludwig Justi hatte Schmielewskis Arbeit in der vom Amt für bildende Kunst ausgerichteten Ausstellung „Junge Generation“ entdeckt und sich auf ihrer ersten Sitzung im April des Jahres für eine Erwerbung entschieden. Ebenfalls aus der Ausstellung angekauft wurden ein Gemälde von Heinz Trökes („Tierlandschaft“, 1946, A III 259) und eine Skulptur von Bernhard Heiliger („Liegende Frau“, um 1946, B I 661). Auch wenn heute über den Künstler und sein Werk nahezu nichts bekannt ist, muss Schmielewski also einst als ein vielversprechendes Talent der Nachkriegszeit gegolten haben. Das in der Nationalgalerie befindliche Bild spiegelt die Faszination der europäischen Avantgarden für fremde Kulturen wider. Dargestellt ist eine Jagdszene in Afrika. Ein durch überbetont rote Lippen rassistisch überzeichneter Einheimischer schießt mit einem Gewehr auf fliehende Löwen, deren paarweise Anordnung von zwei Jungtieren wiederholt wird. Das lodernde Feuer am unteren Bildrand weist auf die von einem vermeintlich zivilisierten Standpunkt aus als barbarisch begriffene Fortführung der Szene hin, die Zubereitung und Verspeisung der Beute. Die expressive, mit leuchtenden Farben ausgeführte Malerei wurde stellenweise eingeritzt, um einzelne Partien plastischer zu gestalten. | Irina Hiebert Grun

Belgische Landschaft mit Häusern

Im Sommer 1923 ging Nussbaum zum Malereistudium nach Berlin. Auf den Spuren seines Vorbilds Vincent van Gogh hielt er sich 1928/1929 in Belgien und Frankreich auf, wobei auch das Gemälde „Belgische Landschaft mit Häusern“ entstand. Solche in einem moderaten sachlich-realistischen Modernismus gehaltene Landschaften, Stadtansichten und Alltagsszenen sind typisch für Nussbaums Frühwerk. Sie sind geprägt von einer narrativen, allegorischen Formensprache, die beeinflusst ist von der Pittura metafisica eines Giorgio de Chirico sowie der Archaik von James Ensor und Karl Hofer. In Berlin feierte Nussbaum bald erste Erfolge, 1930 war sein Werk in der Modernen Galerie des Kaufhauses Wertheim erstmals in einer Einzelausstellung zu sehen. Im selben Jahr wurde „Belgische Landschaft mit Häusern“ aus Mitteln des Ministeriums für Wissenschaft, Kunst und Volksbildung für die Nationalgalerie erworben. Es war der erste Ankauf eines Bildes von Nussbaum für ein Museum – und blieb bis 1971 der einzige. Die Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 durchkreuzte Nussbaums aufstrebende Künstlerkarriere. Als Jude war er den politischen Repressionen im nationalsozialistischen Deutschland bereits früh ausgesetzt, was 1935 zu seiner endgültigen Emigration nach Belgien führte. Trotz der jüdischen Herkunft des Künstlers war sein Gemälde in der Nationalgalerie nicht von der Aktion „Entartete Kunst“ 1937 betroffen. Nussbaums persönliche Situation als exilierter Jude änderte seine Sujets: Zunehmend setzte er sich nun künstlerisch mit sich und der politisch-gesellschaftlichen Lage, in der er sich befand, auseinander. 1944 wurde Nussbaum in Auschwitz ermordet. | Maike Steinkamp

Weg nach Bellinzona

1918 reiste Hofer mit seinem Studienfreund Hermann Haller erstmals ins Tessin, das später seine zweite Heimat wurde. Von 1925 bis 1939 verbrachte er hier regelmäßig die Sommermonate, ab 1931 im eigenen Haus am Luganer See. In der Nähe hatte auch Hermann Hesse seinen Wohnsitz, mit dem sich Hofer anfreundete. Auf ausgedehnten Wanderungen fand der Maler seine Motive der Tessin-Landschaften, die er häufig erst in seinem Berliner Atelier aus der Erinnerung malte. Der „Weg nach Bellinzona“ ist, ebenso wie Hofers andere Tessin-Bilder der Vorkriegszeit, von Paul Cézannes Kompositionsprinzipien inspiriert. Die ruhige Strenge der kubisch gebauten Architektur in südlichem Licht, die klassische Auffassung in Vorder-, Mittel- und Hintergrund mit dem Tessiner Bergpanorama sowie die Abwesenheit von Menschen verleihen der Landschaft einen stilllebenhaften Charakter. In den späten 1920er-Jahren war Hofer sehr erfolgreich: 1928 würdigten die Berliner Secession und die Kunsthalle Mannheim den Künstler anlässlich seines 50. Geburtstags mit großen Retrospektiven, die ihm auch international zu Anerkennung verhalfen. In jenem Jahr befanden sich in den Sammlungen von 26 Museen des In- und Auslandes Werke von Hofer. | Irina Hiebert Grun

Bildnis Maurice Garçon

1928 schuf Rhein – von der damaligen Presse als Porträtist und „Maler der Prominenz“ gefeiert (Kasseler Neueste Nachrichten, 11.9.1926, o. S.) – das Bildnis des Pariser Rechtsanwalts Maurice Garçon (1889–1967). Der Sohn eines erfolgreichen Juristen, der eigentlich hatte Dichter werden wollen, war 1927 bei einem Rechtsstreit mit den spiritistisch-okkultistischen Pariser Kreisen in Kontakt gekommen. 1928 hielt er einen ersten Vortrag im 1919 gegründeten Institut métapsychique international, der im Juli/August desselben Jahres in der Zeitschrift „Revue métapsychique“ veröffentlicht wurde. Fasziniert von Hexerei und Okkultismus veröffentlichte Garçon zahlreiche Schriften zu diesen Themen. Daneben war er in den Jahren zwischen 1930 und 1960 in eine Reihe spektakulärer Prozesse involviert, darunter in den Streit um den künstlerischen Nachlass des Malers Pierre Bonnard. 1947 wurde Garçon in die Académie française aufgenommen. | Regina Freyberger

Versammlung kurdischer Hirten vom Kolchos Lenin

Während seines Aufenthalts auf dem Baumwollkolchos „Lenin“, den Vogeler auf seiner Reise in den Südkaukasus im Sommer 1939 besuchte, fuhr er auch in das angrenzende Hochgebirge. Dort hielt er die baumlose grüne Berglandschaft und das Leben der kurdischen und armenischen Hirten in schriftlichen Aufzeichnungen und etlichen Bildern fest. Ein Ergebnis dieser Eindrücke ist das Gemälde „Versammlung kurdischer Hirten vom Kolchos Lenin“ (A III 288), das eine Gruppe von Hirtinnen und Hirten auf einem Bergplateau zeigt. Dem vorausgegangen waren die Studie „Versammlung kurdischer Hirten“ (A III 287) sowie eine Vielzahl an Zeichnungen und Aquarellen, die sich ebenso wie die Studien zu seinen anderen Reisen zum Teil im Kupferstichkabinett, Berlin, befinden. Auch das Gemälde „Armenische Hirten“ (A III 289) ist diesem Entstehungskontext zuzurechnen. Mit den genannten Werken gab Vogeler einen Einblick in das einfache, traditionsverbundene Leben der Hirten sowie der verschiedenen Bevölkerungsgruppen, die in dieser politisch so umkämpften Region aufeinandertrafen. Sie zeigen auch die Veränderungen auf, die mit der „Eingliederung“ in die Sowjetunion verbunden waren, die Dichotomie zwischen Alt und Neu, Tradition und Fortschritt, wie sie in dem 1940 entstandenen Gemälde „Sowjetgut Lissogorsk, Armenien“ (A III 290) zu erkennen ist. Während sich im Hintergrund jenes Bildes vor den beeindruckenden grünen Bergrücken des Nordkaukasus die modernen weißen Stallgebäude des Sowjetgutes erstrecken, sieht man im Vordergrund die traditonellen braunen Jurten der einheimischen Bevölkerung. | Maike Steinkamp

Straße in Paris

Die 1954 entstandene Pariser Straßenansicht ist mit Blick auf das Schaffen Liebknechts in dieser Zeit erstaunlich impressionistisch gehalten. Sie wird bestimmt von einem Farbklang aus Rosé und Blau. Die Markisen der Läden und die nur skizzierten Passanten setzen Farbakzente. Das Fehlen von Autos verstärkt den friedvollen Eindruck, eine hoffnungsvolle Nachkriegsvision. Ein Jahr später gelangte das Bild in die Sammlung der Nationalgalerie. Ludwig Justi, 1933 als Direktor der Nationalgalerie entlassen, hatte erlebt, wie die Nationalsozialisten deren Sammlung der Moderne beschlagnahmten und zerstörten. 1946 wurde er zum Generaldirektor der Museen in Berlin (Ost) berufen, ab 1950 war er zugleich erneut Direktor der Nationalgalerie. Schon ab 1947 bemühte sich Justi um den Aufbau einer Galerie der Lebenden mit ausdrücklichem Hinweis auf die erlittenen Verluste. Er erwarb die „Eva“ von Gustav Seitz (B I 682) und Werke von Fritz Cremer. Mit dem freundlich-harmonischen Bild von Liebknecht konnte er durch Vermittlung des Grafikers Herbert Tucholski dem nun auch ein französisches Gemälde hinzufügen. Die seit 1951 in Ost-Berlin herrschende Formalismusdebatte erschwerte Justis Arbeit. Liebknecht gehörte weder zur Avantgarde der Nachkriegsmoderne in Frankreich oder Westdeutschland, noch reagierte er auf den der Moderne feindlich gegenüberstehenden Formalismus in der DDR. Vor etwaigen ästhetischen Einwänden der DDR-Behörden gegen diesen Ankauf schützte die Wahl eines eher konventionellen Bildes, zudem war der Maler als Sohn von Karl Liebknecht kaum angreifbar, wie Justi wohl wusste. | Angelika Wesenberg

Mondnacht in Mockritz

Selbstbildnis

Die der Wissenschaft zugewandte Genauigkeit, die Rogges Werk prägt, zeigt sich auch bei dem realistischen Selbstporträt. Beobachtend, nahezu skeptisch hat sich der Künstler der Analyse seiner selbst unterzogen. Außer seiner Signatur vermerkte er das Jahr 1920 sowie „Actatis suae LXVI“, also im Alter von 66 Jahren. Der Überlieferung nach trat Rogge das letzte Mal in seinem Leben ein Jahr später, 1921, öffentlich in Erscheinung, als er in „Westermanns Monatsheften“ unter dem Titel „Bilder aus Portugal“ einen Reisebericht über seine Zeit als Lehrer und Professor in Lissabon veröffentlichte (65. Jg., Band 130, S. 19–32.). Rogge hatte am Polytechnikum in München und an der dortigen Akademie der bildenden Künste studiert, schließlich wurde er Lehrer an der Königlichen Industrieschule Augsburg. In Berlin widmete er sich in den 1890er-Jahren der Malerei und veröffentlichte Aufsätze zu architektonischen Themen, die er mit Zeichnungen versah. Zudem zeichnete er für illustrierte Unterhaltungsblätter, darunter „Über Land und Meer“ sowie die Leipziger „Illustrirte Zeitung“. | Johanna Yeats

Eisenschleiferei

Vom 30. September bis zum 20. Oktober 1918 durfte Robert Sterl, mit einer Genehmigung des Kriegsministeriums ausgestattet, in den Werken der Firma Krupp in Essen, Betriebsteil Gussstahlwerk, künstlerisch arbeiten und war dafür vom Kriegsdienst freigestellt. Er war fasziniert von den ungewohnten Szenen, wie man den Briefen an seine Frau entnehmen kann: „Aber großartig über alle Begriffe, ganz großartig und malerisch.“ (30.9.1918, zit. nach: Horst Zimmermann, Der Maler Robert Sterl. Leben und Werk in Briefen und Selbstzeugnissen, Dresden 2011, S. 207) „Im Werk ist es nach wie vor wunderbar und so nach und nach sieht man alle Schönheiten.“ (15.10.1918, S. 209) So entstanden in den drei Wochen über sechzig Zeichnungen und um die zehn Ölskizzen, zurück in Dresden malte er mehrere Gemälde. Das Bild „Eisenschleiferei“ verbindet Eindrücke von den Arbeitsvorgängen im Schmelzbau wie in der Eisenschleiferei zu einer besonders eindrücklichen Ansicht. Sterl hat, wie seinerzeit Adolph Menzel für das Bild „Eisenwalzwerk“ der Nationalgalerie (A I 201), zahllose Figurenstudien angefertigt, komplementär zum Studium der großartigen Technik und Skizzen von der imposanten Halle. Unter seinen Notizen befindet sich auch eine Aufstellung von Motiven, darunter: „5. Martinwerk I, viele Öfen – Figuren, ganz prachtvoll.“ (30.9.1918, S. 207) Sterl zeigte die vier 1918 in Dresden nach den Skizzen entstandenen Gemälde (Popova Nr. 1062, 1064, 1066, 1067) in seiner großen Personalausstellung von 1928 in der Kunsthütte zu Chemnitz. Alle vier Gemälde wurden schon vor Ausstellungsbeginn von Chemnitzer Fabrikanten erworben. | Angelika Wesenberg