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Mars

Ident. Nr.: G 287

ObjID: obj:967730

Alte Nationalgalerie
Sitzfigur & Modell

Details (expert)

Creator/Entity
Date(s)
1792/1793
Geographical references
Material / Technique
Gips
Dimensions
Höhe x Breite x Tiefe: 92 x 38 x 41 cm
Permalink
https://id.smb.museum/object/967730

Object Description

1788 war Schadow zum »Direktor aller Skulpturen« des Oberhofbauamts ernannt worden und damit verantwortlich für die skulpturale Ausgestaltung sämtlicher königlicher Bauten, darunter auch des Brandenburger Tores. Die Figur des jugendlichen Kriegsgottes »Mars« flankiert dort zusammen mit seinem Pendant »Minerva« die Durchgänge des Tors. Die herausragende Stellung der Mars-Figur im OEuvre Schadows, wird darin ersichtlich, dass der Bildhauer das Werkstattmodell mehrmals abgießen ließ und als Beleg seiner Kunstfertigkeit an verschiedene europäische Kunstakademien schickte. | Yvette Deseyve

Last updated: 19.12.2025

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Institution:

Alte Nationalgalerie

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SS. Giovanni e Paolo in Venedig

SS. Giovanni e Paolo in Venedig

Der 1807 in Erfurt geborene Friedrich Nerly wuchs nach dem frühen Tod seines Vaters ab 1815 beim Bruder seiner Mutter in Hamburg auf. Der Onkel erkannte Nerlys künstlerische Begabung und förderte ihn. Er wurde Lehrling in der lithographischen Werkstatt von Heinrich Joachim Herterich und Johann Michael Speckter. Dort lernte der junge Nerly den Mäzen Freiherr Carl Friedrich von Rumohr (1785-1843) kennen. Die Begegnung mit dem weitgereisten und bestvernetzten Kunsthistoriker, Kunstpädagogen und Amateurkünstler wurde für Nerly prägend. Rumohr nahm ab 1823 den 16-Jährigen zur weiteren Ausbildung bei sich auf Gut Rothenhausen bei Lübeck auf.1827 begleitete Nerly seinen Mentor auf einer Reise durch Deutschland, u.a. nach Dresden und München. In Weimar besuchten sie Goethe. Im Frühjahr ging es nach Italien. Da Rumohr nach Deutschland zurückkehren musste, traf Nerly im Dezember 1828 ohne seinen Mäzen in Rom ein. Von dort aus bereiste der Maler in den nachfolgenden Jahren verschiedene Regionen Italiens. Der mit dem Namen „Nehrlich“ geborene Künstler nannte sich fortan „Nerly“. 1837 besuchte Nerly Venedig. Die Stadt am Meer mit ihren großartigen Bauwerken, den alten Palästen, Kirchen und Plätzen, mit ihren zahlreichen Brücken und Kanälen, muss ihn fasziniert haben. Im Januar 1838 bezog Nerly eine Wohnung im Palazzo Pisani am Campo San Stefano, wo er über vierzig Jahre wohnen, arbeiten und Gäste empfangen sollte. Er spezialisierte sich erfolgreich auf venezianische Stadtansichten. Die Ansicht der „Piazzetta in Venedig bei Mondschein“ wurde sein berühmtestes und am meisten nachgefragtes Werk. Nerly porträtierte nicht nur bekannte Gebäude und Plätze, als einer der ersten malte er die Lagune, den noch unerschlossenen Lido und viele unscheinbare Winkel Venedigs. Er wurde der prominenteste in Venedig ansässige ausländische Maler. In den Reisehandbüchern wurde Nerlys Atelierwohnung als Anlaufstelle für Kunstinteressierte empfohlen. Nerly erfand nicht nur ein neues Bild der Lagunenstadt, sondern begründete auch die venezianische Freilichtmalerei. In dem großformatigen, repräsentativen Gemälde hat der Maler eine Ansicht der Kirche SS. Giovanni e Paolo ins Zentrum gerückt (auch San Zanipolo genannt). Der knapp 100 Meter lange Bau zählt zu den größten und bedeutendsten Gebäuden der Venezianischen Gotik. Er wurde die Grablege der Dogen. Links neben der Kirche ist die prächtige Fassade der um 1500 errichteten Scuola di San Marco dargestellt. Rechts auf dem Platz vor den Gebäuden steht auf einem hohen vom Sonnenlicht beschienenen Sockel das bronzene Reiterdenkmal des Condottiere Bartolomeo Colleoni von Andrea del Verrocchio. Nerly hat die Ansicht vom Wasser aus aufgenommen. Auf dem Kanal sind Händler mit Schiffen und Booten unterwegs, an der Ufermauer liegen Gondeln. Auf dem Platz herrscht geschäftiges Treiben, mehrere Besucher strömen zum Eingang der Kirche. Nerly hat die reich verzierten Fassaden der historischen Bauten im Wechsel von Licht und Schatten subtil erfasst. Unter einem fast wolkenlosen blauen Himmel entfalten sich Pracht und Würde der geschichtsträchtigen Gebäude Venedigs.1850 war das Gemälde auf der Berliner Akademieausstellung zu sehen, mit dem Hinweis im Katalog: „Im Besitz Sr. Maj. des Königs“ (Kat. 1249). Ein Jahr zuvor, im Jahr der Vollendung 1849, hatte Friedrich Wilhelm IV. das Werk erworben. Wohl in Erinnerung an seine Venedigaufenthalte war von ihm das Bild beim Maler bestellt worden. 1876 wurde das Gemälde anlässlich der Eröffnung der Nationalgalerie auf der Museumsinsel aus der kaiserlich-königlichen Sammlung an das Museum überwiesen (Vgl. NG-Kat. 1876, S. 148).Eine Vorzeichnung befindet sich im Metropolitan Museum New York (SS. Giovanni e Paolo in Venedig mit dem Reiterstandbild des Bartolommeo Colleoni von Verrocchio, Bleistift, 37,7 x 46,3 cm, Inv.-Nr. 2008.198, Metropolitan Museum New York). Eine Teilansicht in Aquarell wird im Angermuseum Erfurt bewahrt (1849, Aquarell, 74,7 x 55,1, cm, Angermuseum Erfurt, Inv.-Nr. 3028).| Birgit Verwiebe

Persephone

Persephone

»Elektra« und »Persephone« gehören zu einem Zyklus von ursprünglich 15 Statuetten für den von Karl Friedrich Schinkel entworfenen Teesalon des Kronprinzenpaares Elisabeth und Friedrich Wilhelm (IV.) im Berliner Schloss. Ihre Abgüsse erfreuten sich großer Beliebtheit, so stellten auch Johann Wolfgang von Goethe und Wilhelm von Humboldt einzelne Figuren in ihren Wohnhäusern auf. Bei den getönten Gipsen der Nationalgalerie handelt es sich um Repliken aus Tiecks Nachlass. | Yvette Deseyve

Christian Friedrich Tieck. Büste

Christian Friedrich Tieck. Büste

Rauch und Christian Friedrich Tieck lernten sich 1805 in Rom kennen und arbeiteten ab 1812 unter anderem in Cararra zusammen. Nach ihrer Rückkehr bezogen sie eine gemeinsame Werkstatt im Lagerhaus der Klosterstraße in Berlin. Tieck – Bruder des Dichters Ludwig Tieck – war Akademieprofessor und ab 1830 zudem Direktor der Skulpturensammlung im neu eröffneten Museum am Lustgarten. Künstlerisch weniger erfolgreich als Rauch starb Tieck zurückgezogen und verarmt in Berlin. | Yvette Deseyve

Hermine Habel. Büste

Hermine Habel. Büste

Das Bildnis Hermine Habels, der Frau des Schriftstellers Hans Marbach, ist ein absolutes Frühwerk Hildebrands. Gleichermaßen offenbaren sich hierin die künstlerischen Wurzeln wie auch der zukunftsweisende Ansatz des Künstlers. Weniger die porträthaften Gesichtszüge als die kompakte Form von Frisur, Kopf und Nackenlinie bestimmen den Charakter der Büste. Sie stehen in Kontrast zum Gewand, dessen leicht gefältelter Stoff wie auch der seitlich gesenkte Blick an das Porträt Prinzessin Friederikes von Schadow erinnern. Hildebrand studierte und schätzte die Werke Schadows überaus. | Yvette Deseyve

Karl Friedrich Schinkel. Büste

Karl Friedrich Schinkel. Büste

Tiecks Porträtbüste Schinkels gehört zu den am weitesten verbreiteten Bildnisbüsten des deutschen Klassizismus. Unzählige Gipsabgüsse sorgten für die Verbreitung des ikonischen Porträts. Der heute im »Schinkelsaal« der Alten Nationalgalerie ausgestellte originale Marmor war vor allen Standbildern in der Vorhalle des Alten Museums als Pendant zur Büste Wilhelm von Humboldts aufgestellt worden. | Yvette Deseyve

Totenmaske Adolph Menzel

Totenmaske Adolph Menzel

Adolph Menzel (1815–1905) gilt als bedeutendster und vielseitigster Vertreter des Realismus in der deutschen Malerei des 19. Jahrhunderts. Die markante Physiognomie des schon zu Lebzeiten hochgeehrten, in Berlin lebenden Künstlers war stadtbekannt, unter anderem durch die vielgelobte Bildnisbüste, die der mit Menzel befreundete Begas anlässlich von dessen 60. Geburtstag 1875 geschaffen hatte und die im folgenden Jahr von der Nationalgalerie erworben worden war (B I 19). Dass gerade der kleinwüchsige Menzel zu den meistfotografierten und -porträtierten Künstlerpersönlichkeiten seiner Zeit gehörte, lag nicht zuletzt an ihm selbst, denn der für seine Eitelkeit bekannte Maler kultivierte und ironisierte sein Image bereitwillig. Als er im Alter von fast neunzig Jahren am Morgen des 9. Februar 1905 starb, war es wiederum der langjährige Freund und Künstlerkollege, der noch am selben Tag die Totenmaske abnahm. Aus der Versteigerung von Begas’ Nachlass im Berliner Auktionshaus Heilbron gelangten Abgüsse von Totenmaske und Händen (B II 383 a) 1912 in die Nationalgalerie. Die Erwerbung entsprach der immensen Wertschätzung Menzels, der schon damals mit zahlreichen Zeichnungen und Gemälden in der Sammlung vertreten war. Laut Versteigerungskatalog existierten von der Maske mehrere Reproduktionen in Gips. Weitere Exemplare haben sich in der Gipsformerei der Staatlichen Museen zu Berlin erhalten, die noch heute Abgüsse herstellt. | Wolfgang Cortjaens

Agnes Rauch

Agnes Rauch

Im November 1821 begann Rauch die Büste seiner älteren Tochter in Ton zu modellieren, drei Monate später war sie vollendet. Als Anlass für das Porträt ist der 18. Geburtstag von Agnes und ihre Einführung in die Berliner Gesellschaft anzunehmen. Rauch konzentrierte die Darstellung auf die jugendlich vollen Lippen und den ruhigen ernsten Blick der Tochter, lediglich die hinter dem linken Ohr herabfallende Locke gibt dem anmutigen Porträt eine persönliche Note. | Yvette Deseyve

Hyazinth

Hyazinth

In Tradition antiker Hermaphroditen lagert der androgyne »Hyazinth« ausgestreckt am Boden. Die Figur ist ganz auf die Präsentation körperlicher Schönheit ausgerichtet. Lediglich sein melancholisch in die Ferne gerichteter Blick sowie seine beiläufig auf einem Diskus abgelegte Hand deuten seinen schicksalhaften Tod an. In Berlin wurde Bosios »Hyazinth« vor allem für seinen dünnwandig ausgeführten Guss euphorisch gefeiert, denn im Laufe des 18. Jahrhunderts war die Tradition des Bronzegusses in Deutschland nahezu vergessen. Insbesondere Johann Gottfried Schadow und sein Schüler Christian Daniel Rauch bemühten sich um dessen Wiederbelebung mit Hilfe französischer Gießer und Ziseleure. | Yvette Deseyve

Löwe

Löwe

Aufnahmen aus der Hand Heinrich Zilles (E. Kaufhold (Hg.), Heinrich Zille. Photograph der Moderne. Verzeichnis des photographischen Nachlasses, München 1995, WV 44/45, Taf. 123) dokumentieren das Tonmodell zu Gauls stehendem Löwe. Neueren Forschungen zufolge legt Zilles Fotografie, auf der im Hintergrund die Steinplastik eines liegenden Löwens – dem Löwen für das Palais-Mosse – zu sehen ist, die Entstehung des Tonmodells auf das Jahr 1903 nahe. Gaul hatte seinen Löwen erstmals 1904 auf der Ausstellung des Deutschen Künstlerbunds in München präsentiert, 1905 konnte die Nationalgalerie den von langer Hand geplanten Ankauf realisieren. Dem Vorbild Berlins folgend erwarb gleich im darauffolgenden Jahr die Hamburger Kunsthalle den zweiten Guss dieser Plastik (mit aus Onyx eingesetzten Augen), darüber hinaus ist ein heute nicht mehr nachweisbarer dritter Guss durch Quellen belegt. Gaul konzentrierte sich bei der Darstellung des erhabenen Tiers ganz auf die silhouettenhafte Fernwirkung, reduzierte alle Details auf das Wesentliche und vermied jegliche erzählerische Bewegtheit sowie ikonografisch-symbolische Aufladung der Komposition. Mit dem gerichteten Interesse auf formale Aspekte der Plastik, der in strengen Achsen angelegten Ausrichtung, der Formulierung klarer Oberflächenstrukturen und abgegrenzter Volumina, gilt Gaul mit seinen Tierdarstellungen als Erneuerer der Bildhauerei am Beginn des 20. Jahrhunderts. | Yvette Deseyve

Herkules mit dem Eber

Herkules mit dem Eber

Nach der Mythologie handelt es sich um die vierte der "Zwölf Arbeiten" des Herkules: den wilden Eber vom Berge Erymanthos in Arkadien zu bändigen, der bei Psophis die Lande verwüstete. Nachdem er den Eber aufgestört, gehetzt und besiegt hatte, lud er ihn auf seine Schultern und trug ihn nach Mykene. - Diese Statuette gehört zu einer kleinen Werkgruppe, in der Tuaillon von seinem Bekenntnis zu klarer Statuarik, ruhiger Form und unliterarischen Sujets abrückt. Malerische Tendenzen gewinnen hier Oberhand, die Modellierung ist aufgelockert: Tuaillon entfernt sich von den strengen Normen der Marées- und Hildebrand-Schule. - Der Plan für eine großformatige Ausführung dieser Gruppe entstand, als Tuaillon im Jahre 1900 im Rahmen eines beschränkten Wettbewerbes zu einem Entwurf für eine lebensgroße Marmorstatue, die im Foyer der Nationalgalerie auf einem Treppenpodest aufgestellt werden sollte, aufgefordert war. Dieser Auftrag wurde noch viele Jahre hindurch diskutiert, blieb allerdings schließlich unausgeführt. Für die Marmorausführung ließ Tuaillon sich 1904/05 das eingereichte kleinformatige Gipsmodell zurückschicken. Im Jahre 1907 und nahezu gleichlautend noch 1913 plante er, ein ganz neues Modell zu beginnen, doch alles verzögerte sich - nicht zuletzt, weil Staatsaufträge (wie etwa für Köln) seine Kapazität vollauf banden. - Das Sujet mit imperialistischen Gesinnungen im Deutschland vor dem ersten Weltkrieg in Verbindung zu bringen, scheint gewagt (Ulferts 1993, S. 77). In erster Linie sollte man Tuaillons Entwurf als Antwort auf das bereits vorhandene, erheblich ältere Pendant verstehen, Albert Wolffs "Dionysos mit Panther" von 1884 (Marmor, kriegszerstört); sein Konzept hätte in freier Anlehnung an Nietzsches Auffassungen das Feierlich-Dionysische gesteigert zur vitalen Metapher des siegreichen Lebenskampfes schlechthin. - Das Modell wird in die Jahre 1899/1900 datiert. Der 1901 in Rom entstandene Erstguß von 1901 befindet sich als Leihgabe in der Kunsthalle Bremen. Der vorliegende Guß könnte ebenfalls 1901 erfolgt sein (in diesem Jahr lag der Nationalgalerie ein kleinformatiges Gipsmodell vor), vielleicht aber auch später. Weitere Bronzegüsse folgten in unbekannter Auflagenhöhe (Wallraf-Richartz-Museum, Köln; Propyläen-Kunsthandlung, Berlin). Eine Großfassung entstand um 1910 für den Garten Guthmann in Neu-Kladow, wurde später (wohl in den dreißiger Jahren auf Betreiben der Tochter des Künstlers) in Bronze gegossen und 1962 auf dem Lützowplatz in Berlin-Tiergarten aufgestellt; sie weicht in Details von der Statuette ab. Ferner produzierte die Meißner Porzellan-Manufaktur Ausformungen in Porzellan (ab 1923 nachweisbar; ein Exemplar im Kulturgeschichtlichen Museum Osnabrück, Höhe 40,5 cm). | Bernhard Maaz

Moses Mendelssohn. Büste

Moses Mendelssohn. Büste

Der französische Hofbildhauer Tassaert, seit 1775 Leiter des Königlichen Bildhauerateliers in Berlin, schuf ein psychologisierendes Porträt des jüdischen Philosophen Moses Mendelssohn. Dieser propagierte die Idee der Toleranz zwischen den Religionen und gilt als einer der bedeutendsten Philosophen und Gelehrten der Aufklärung, dem Lessing mit seinem »Nathan« ein literarisches Denkmal setzte. Bei der ursprünglich in Marmor ausgeführten Büste assistierte Tassaert sein später berühmter Schüler Johann Gottfried Schadow. | Yvette Deseyve

Hermes (römische Kopie)

Hermes (römische Kopie)

In Rom schuf Emil Wolff nicht nur eigene bildhauerische Arbeiten, sondern betätigte sich auch als Agent für den Erwerb von Abgüssen und antiken Statuen für die Berliner Sammlungen. Die Vermittlungstätigkeit sowie die Restaurierung von antiken Originalen waren eine willkommene und notwendige Einnahmequelle für den jungen Künstler. Bei der Figur des Hermes hatte Wolff ältere Ergänzungen abgenommen und durch neue, die originalen Fragmente stärker berücksichtigende ersetzt. Seine Rekonstruktion dieser römischen Kopie eines griechischen Originals aus dem 5. Jahrhunderts ist sehr gelungen, nur der Flügelhut ist eine Hinzufügung, die dem Original fehlt. | Yvette Deseyve

Uhu

Uhu

„Dieser Mann war nicht nur geborener Plastiker, sondern geborener Holzplastiker“, schrieb der Berliner Kunstkritiker Fritz Stahl 1918 nach Pucheggers frühem Tod im Jahr zuvor. „Er liebte die Tiere, […] aber Motive wurden sie ihm erst, wenn sie sich als Gebilde aus Holz gestalten ließen. Nein, noch genauer: als Gebilde aus Holz, mit einem bestimmten Instrument geschnitten. Jede Art von Fell oder Gefieder übersetzte sich in seiner Phantasie in einen gewissen Zustand eines gewissen Holzes“ (Fritz Stahl, Inhalt und Form. Tierbilder im Künstlerhaus, in: Berliner Tageblatt, 13.2.1918, S. 2). Pucheggers „Uhu“ fügt sich ganz in die Rezension seines Œuvre ein. Insbesondere die Behandlung der Oberfläche, doch auch das außergewöhnliche Materialgespür weisen den Bildhauer als gelernten Holzschnitzer aus, dem es auch gelang, die Maserung des Holzes in die künstlerische Gestaltung einzubeziehen. Skulptural ist das flaumig-plustrige Gefieder mit dem Schnitzeisen als feines Netz aus kurzen Furchen umgesetzt. Streng symmetrisch, totemartig sitzt der „Uhu“ vor den Betrachter:innen. Doch offenbaren die beiden farbig intarsierten Augen die Ruhe als trügerisch. Wie in anderen Figuren auch zeigt Puchegger hier Wesen wie Verweigerung des Zootieres, dessen Ausdruck weniger ein Anstarren als ein Zurückstarren ist. Sein Werk steht zwischen der Eleganz des Jugendstils und der Entschiedenheit des Expressionismus, welcher der Holzplastik eine neue Bedeutung gegeben hatte. Von den zehn dokumentierten Holzskulpturen hat sich außer den Werken der Nationalgalerie (vgl. „Budeng-Affe“, B I 414) nur eine weitere Arbeit in Holz in schottischem Privatbesitz erhalten. | Philipp Demandt

Prinzessin Friederike von Preußen. Büste

Prinzessin Friederike von Preußen. Büste

Ausgangspunkt für das berühmte Doppelstandbild der »Prinzessinnengruppe« waren zwei Büsten. Nur eine davon ist heute noch erhalten. Schadow modellierte das Porträt von Prinzessin Friederike 1795 im Kronprinzenpalais. Zunächst hatte er ein Idealbildnis aufgebaut. Wie der Bildhauer berichtete, passte er dann im leicht formbaren Ton die Gesichtszüge nach und nach dem »Leben« an: »Nach dem ersten Visieren nahm ich mit einem Zuge, durch Wegnahme eines Stücks Ton, die Profilierung der Natur. Auch die Prinzessin erwähnte, wie sie daraus die Abweichung ihres Profils vom Ideale wahrgenommen habe.« | Yvette Deseyve

Bertel Thorvaldsen

Bertel Thorvaldsen

Der Däne Bertel Thorvaldsen arbeitete fast sein ganzes Leben in Italien und avancierte neben Antonio Canova zu einem der einflussreichsten Bildhauer des Klassizismus. Seit ihrer ersten Begegnung 1805 verband Thorvaldsen und Rauch eine lebenslange Freundschaft. Rauch hatte seinen Kollegen bereits mehrfach porträtiert, doch unterscheidet sich das hier gezeigte Bildnis grundlegend von seinen Vorgängern. Der Bildhauer verstärkte durch die Wendung des Kopfes und die Darstellung des bewegten Haars wie auch des markanten Kinns die Lebendigkeit der Darstellung, ohne die würdevolle Anmut in einen nüchternen Realismus zu verlieren. | Yvette Deseyve