Magdalena und Jan Baptist de Vos, die Kinder des Malers

Bildnis eines Mannes

Der in einem für das 17. Jahrhundert typischen Kostüm Dargestellte hält in der Linken demonstrativ ein Fernrohr. Über seiner Brust erkennt man einen Ledergurt, der zu einer Patronentasche gehören könnte. Es wird sich hier wohl um die Schilderung eines Soldaten handeln. Dieses Frühwerk von Christian Wilhelm Ernst Dietrich wird noch in der Werkstatt seines Lehrers Johann Alexander Thiele (1685–1752) entstanden sein.SIGNATUR / INSCHRIFT: links unten im Grund: C W E Dietricy fec / 17[3?]0 auf der Rückseite: Johannes Dietrich / [Nat]us a(nn)o [162…] Denat: / a(nn)o 1672 / C. D. Nro 2 […]

Christus am Kreuz mit Heiligen

SIGNATUR / INSCHRIFT: s. marcellinus ptm, sta kath(e)rina, sta maria, sanctus iohannes, s petrus exorcista, sancta barbara.eDie Tafel diente ursprünglich als Altarbild und zeigt das für Kölner Werke der Zeit typische Schema mit Kreuzigungsgruppe und seitlich aufgereihten Heiligen. Ungewöhnlich sind darunter die Heiligen Marcellinus und Petrus Exorcista, letzterer mit der kleinen Figur eines Besessenen als Attribut. Sie waren die Patrone der 1836 abgebrochene Kirche in Vallendar bei Koblenz, aus der das Werk verkauft wurde und schließlich über eine Auktion nach Usedom gelangte und schließlich über eine Auktion nach Usedom gelangte.

Blumenstrauß

Vermutlich im Mai 1945 im Leitturm des Flakbunkers im Berliner Friedrichshain vernichtet.________________________________________________________________Most likely destroyed in May 1945 in the control tower of the flak tower in Berlin Friedrichshain.

Johannes der Täufer

Johannes der Täufer predigt in der Wüste und verkündet die Ankunft des Messias. In diesem Gemälde ist er als Prophet dargestellt, mit einem vor Entbehrung ausgezehrtem Körper, eingefallenem Gesicht und beinahe ekstatisch auf das kleine Kruzifix starrend, das den Stab in seinen Händen krönt. Dieses Detail ist sehr ungewöhnlich, da sich das Kreuzsymbol erst lange nach dem Tod Jesu verbreitete. Dem Maler ging es jedoch nicht um historischen Realismus; vielmehr verstärkt er allein durch die Landschaft den zeitlosen Charakter einer fantastischen Vision, die auch aus einem modernen Science-Fiction-Film stammen könnte: Die Sonne ist gerade hinter dem Horizont einer unwirklich anmutenden Landschaft aus merkwürdig geformten und dunstverhangenen Felsen untergegangen. Links erkennt man eine bemerkenswert detailliert ausgeführte Hafenstadt, die Landzunge rechts im Vordergrund scheint einst über die zerstörte Brücke mit ihr verbunden gewesen zu sein. Alles in dieser Szenerie regt zum Nachdenken über zwei untrennbare Aspekte an: das tragische Schicksal Christi und die Vergänglichkeit der irdischen Welt.Trotz ihres zeitlosen Charakters handelt es sich um ein typisches Werk Ercole de’ Robertis, der bei Cosmè Tura in die Lehre gegangen und in Ferrara in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts tätig war. Die expressionistischen Züge von Turas Figuren und deren an Bronzeskulpturen erinnernden Drapierungen sind hier deutlich zu erkennen, während der Maler seine Originalität in der Landschaft bekundet. Bereits in seiner Altartafel für die Basilika S. Maria in Porto in Ravenna (heute in der Pinacoteca di Brera, Mailand) hatte Ercole dem traditionellen Schema der Sacra conversazione mit Maria, Christuskind und Heiligen unter dem Thron der Gottesmutter eine Landschaft hinzugefügt, die sich mit der Landschaft in diesem Gemälde vergleichen lässt.Die Landschaftsdarstellung ist hier als Mittel zu verstehen, die Kontemplation eines Gemäldes zu verstärken und die religiöse Meditation zu fördern – ein Bildverständnis, das sich nördlich der Alpen unter der Bezeichnung »Devotio Moderna« oder »neue Frömmigkeit« entwickelte. Der Venezianer Giovanni Bellini gilt als erster großer Interpret dieses Landschaftstypus in Norditalien. Seine heute in Berlin aufbewahrte Auferstehung Christi ist hier als exemplarisch anzusehen. Ercole übernahm von Bellini auch die Verwendung von Öl als Bindemittel, die damals in Norditalien, und vor allem in Ferrara, noch relativ ungebräuchlich war. Bis Ende des 19. Jahrhunderts wurde das Werk indes Bellinis Schwager Andrea Mantegna zugeschrieben, dessen enormer Ruf ihn zum Autor sehr unterschiedlicher Werke werden ließ (beispielsweise im Falle der Grabbereitung Christi von Vittore Carpaccio). Neville Rowley | 200 Meisterwerke der europäischen Malerei - Gemäldegalerie Berlin, 2019__________________________Saint John the Baptist spent his life in the desert announcing the advent of the Messiah: he is here shown as a prophet, his body stunted, his face emaciated and his possessed gaze turned towards the tiny Crucifix crowning the stock that he holds in his hands. Such a detail is most implausible, as the use of the Crucifix only spread long after the death of Jesus Christ, who was John’s contemporary. But the painter did not pay attention to historic realism; rather, the landscape itself reinforces this timeless impression of a fantastic vision, worthy of the best modern science fiction movies: the sun has just set on a phantasmagorical landscape, made of strangely shaped rocks invaded by mist. On the left is a remarkably detailed harbour city, while on the right a promontory seems to have been once connected to the city by a now destroyed bridge. Everything in this landscape encourages us to meditate on two inseparable aspects: the tragic destiny of Christ and the perishable nature of the human world.Even if this painting seems timeless, it is a characteristic work by Ercole de’ Roberti, a Ferrarese painter trained by Cosmè Tura in the second half of the 15th century. The expressionist character of Tura’s figures, and his draperies which look alike bronze sculptures are clearly visible here, even if the painter shows his originality into the landscape. In his altarpiece for the church of Santa Maria in Porto, near Ravenna (today in the Pinacoteca di Brera in Milan), Ercole had already decided to represent, in addition to the Virgin, the Christ Child and the Saints according to the traditional scheme known as the “holy conversation”, a far landscape view under the throne of the Virgin. Such a view is to be strictly compared to the present painting.Landscape is understood here as a way to extend the contemplation of a painting and to deepen religious meditation. This way of appreciating paintings came from the North of the Alps, where it was named devotio moderna or “modern devotion”. The first great interpret of this type of conception of landscape in Northern Italy was the Venetian painter Giovanni Bellini; his Resurrection, today in Berlin, is particularly characteristic in that sense. Ercole took also directly from Bellini the use of oil for binding pigments, which was a relative novelty in Northern Italy at the time, and especially in Ferrara. Until the end of the 19th century, however, the present work was attributed to Bellini’s brother-in-law, Andrea Mantegna, whose enormous fame justified he was considered as the author of many works that had only in common the virtuosity of drawing (this was also the case of the Preparation of Christ’s Tomb by Vittore Carpaccio). Neville Rowley | 200 Masterpieces of European Painting - Gemäldegalerie Berlin, 2019

Die Ausfahrt des Duc de Choiseul auf dem Petersplatz in Rom

Von einem leicht erhöhten Betrachterstandpunkt richtet sich der Blick über den Kirchenvorplatz auf die überkuppelte Fassade von St. Peter. Von dort kommend, fährt der aus elf prunkvollen Kutschen bestehende Korso des französischen Botschafters beim Heiligen Stuhl, Etienne-François de Choiseul (1719–1785), über den Platz. Ihn hat Panini in der zweiten Kutsche am offenen Fenster sitzend dargestellt. Choiseul trägt über der Brust das blaue Band des Ordens vom Heiligen Geist (Ordre du Saint-Esprit), den König Ludwig XV. ihm erst im Januar 1756 verliehen hatte. Anlass für die pompöse Ausfahrt war der offizielle Antrittsbesuch des Botschafters bei Papst Benedikt XIV. im Frühjahr 1756. Mit dieser Komposition ließ Choiseul von dem wichtigsten römischen Architektur- und Vedutenmaler seiner Zeit den bis dahin wichtigsten Moment seiner diplomatischen Karriere ins Bild setzen.Lange Zeit hielt man das Berliner Gemälde für die von Choiseul in Auftrag gegebene Version. Diese befindet sich jedoch in Privatbesitz (zuvor als Leihgabe in Edinburgh, National Gallery of Scotland). Bei dem Berliner Bild handelt es sich um eine zweite Version der Komposition aus der Sammlung von Claude François Rogier de Beaufort-Montboissier, abbé de Canilliac (1699–1761). Canilliac war der ranghöchste Gesandte der französischen Kirche in Rom und nach dem Botschafter der zweitwichtigste Vertreter Frankreichs in der Ewigen Stadt. Er gehörte zu jenen kirchlichen Würdenträgern, die Choiseul bei der Papstaudienz begleiteten und mit ihm in der Botschafterkutsche reisten. Während in der von Choiseul beauftragten Version lediglich er selbst als Fahrgast identifizierbar ist, ist auf dem Berliner Gemälde neben ihm auf der Sitzbank ergänzend der abbé de Canilliac dargestellt. Auch er trägt das blaue Band des Ordre du Saint-Esprit, allerdings in der Variante des Klerus nicht diagonal über der Brust sondern um den Nacken gelegt. Ein interessantes Detail des Berliner Gemäldes ist seine gut lesbare Datierung durch den Künstler auf das Jahr 1754 und damit zwei Jahre vor dem dargestellten Ereignis. Canilliac muss also eine bereits 1754 von Panini geschaffene Ansicht des Petersplatzes aus seinem Besitz nachträglich - wohl kurze Zeit nach der Fertigstellung von Choiseuls Gemälde - um die namengebende Figurenstaffage erweitert und um seine Person ergänzt haben lassen. Damit wertete er sein Gemälde nachträglich auf und sicherte sich zugleich symbolisch einen sichtbaren Platz in diesem so wichtigen diplomatischen und kirchenpolitischen Ereignis.Das Berliner Gemälde wurde nach Canilliacs Tod in Rom von Pierre-Jacques-Onésime Bergeret de Grancourt erworben. Wohl aus dieser Zeit stammt sein heutiger Louis XVI-Rahmen mit der unten eingelassenen, ausführlichen Beschreibung der Fassade und des Platzes von St. Peter in französischer Sprache, in dem das dargestellte Ereignis und seine Protagonisten jedoch schon keine Erwähnung mehr finden. | Sarah SalomonSIGNATUR / INSCHRIFT: Bez. links unten auf einem Stein über dem springenden Hund: I.P. PANINI / 1754

Die Fürbitte des heiligen Gregor für die Seelen im Fegefeuer

Papst Gregor I. (540–604) betet im Beisein des heiligen Hieronymus für die erlösten Seelen. Engel tragen sie in den Himmel, wo Maria mit dem Jesuskind wartet. Es handelt sich um den Entwurf eines größeren Altarbilds für die Kirche San Alessandro della Croce in Bergamo (Lombardei). Riccis präzise Pinselführung und Lichtdramaturgie sind für Entwürfe untypisch und verleihen dem Werk künstlerische Eigenständigkeit.

Männliches Bildnis

Vermutlich im Mai 1945 im Leitturm des Flakbunkers im Berliner Friedrichshain vernichtet.________________________________________________________________Most likely destroyed in May 1945 in the control tower of the flak tower in Berlin Friedrichshain.

Giovanni Mocenigo (1508-1580)

Der Porträtierte wurde 1954 von Rodolfo Pallucchini überzeugend als Giovanni Mocenigo identifiziert, dem jüngeren Bruder des Dogen Alvise I. Mocenigo. Giovanni bekleidete hohe Staatsämter in Venedig, unter anderem als Consigliere und Savio del Consiglio. Ein enges persönliches Verhältnis verband ihn mit seinem Bruder; nach dem Tod des kinderlosen Dogen fielen dessen Erbansprüche an Giovannis Kinder. Beide Brüder erscheinen gemeinsam in einem Votivbild Tintorettos, das um 1575 entstand und sich heute in der National Gallery of Art in Washington befindet (Samuel H. Kress Collection; Inv.-Nr. 1961.9.44). Es zeigt den Dogen Alvise Mocenigo und seine Frau gemeinsam mit seinem Bruder Giovanni sowie dessen Söhnen vor der Jungfrau mit dem Kind. In diesem Gemälde wurden vier der dargestellten Köpfe – darunter der Giovanni Mocenigos – offenbar nach dem lebenden Modell auf kleineren Leinwänden gemalt und anschließend in die größere Komposition eingefügt. Dieses Werk ermöglichte Pallucchini die Identifizierung des Berliner Porträts. In dem Einzelporträt Giovannis in der Gemäldegalerie wählte Tintoretto das in seinem Porträtschaffen ungewöhnliche Brustbildformat. Im Vergleich zum Gemälde in Washington erscheint Giovanni Mocenigo hier gealtert; das Berliner Porträt dürfte daher kurz vor seinem Tod im Jahr 1580 entstanden sein. Unter Verzicht auf die repräsentative Würde, die Tintorettos Halb- und Dreiviertelfigurenporträts sonst auszeichnet, ging es dem Künstler hier um eine geistige Erfassung und psychologische Durchdringung des Dargestellten. In der Ausstrahlung dieses durch den musternden Blick Distanz schaffenden, zugleich aber in seiner Schlichtheit und Direktheit intim wirkenden Porträts gehört das Werk zu den bedeutenden Leistungen Tintorettos im Bereich der Porträtmalerei. | Aus: Gemäldegalerie. Katalog der ausgestellten Gemälde des 13.-18. Jahrhunderts 1975 (2025 aktualisiert von Sven Jakstat)

Generalfeldmarschall Jacob von Keith

Der in Schottland geborene Keith (1669-1758) stand seit 1747 im Rang eines Generalfeldmarschalls in preußischem Sold. Im Jahre 1749 wurde der Gouverneur von Berlin Jacob von Keith "Ritter des Hohen Ordens zum Schwarzen Adler", dessen orangefarbene Schärpe auf dem Bildnis erkennbar ist. Als Mitglied der Akademie der Wissenschaften übersetzte er englischsprachige Werke ins Deutsche. Keith fand den Tod in der Schlacht bei dem sächsischen Dorf Hochkirch am 14. Oktober 1758. Er gehörte zu den bedeutendsten Generalen Friedrichs des Großen, mit dem ihn eine Freundschaft verband. Im Jahre 1789 ließ der preußische König seinem treuen Feldherrn vom Hofbildhauer Tassaert in carrarischem Marmor ein lebensgroßes Standbild auf dem Berliner Wilhelmsplatz errichten, welches heute im Bode-Museum aufgestellt ist. Das Bildnis wurde von Keith für die aus Finnland stammende Freundin Eva Merthens im Jahre 1755 beim preußischen Hofmaler Antoine Pesne bestellt. Format und das Fehlen einer Pathosformel verleihen dem "Freundschaftsbild" einen intimen Charakter. Angeblich soll es bis zum Tod der Eva Merthens 1811 in deren Schlafzimmer gehangen haben. Das Gemälde gehört zu Pesnes Werken des reifen Stils.

Die Apotheose der ungarischen Heiligen

Ein von Engelscharen durchfluteter Himmel zeigt links im Vordergrund König Ladislaus (1040 – 1095). Er weist auf eine weiß gekleidete weibliche Figur, die wohl als Gisela gedeutet werden darf. Sie war die Gemahlin Stephans (975 – 1038), des berühmten ersten ungarischen Königs. Dieser empfiehlt – auf dem Bild mit der Krönungskasel angetan – seinen Sohn Emmerich, der zum Zeichen der stattgehabten Marienvision eine Lilie in der Linken hält. Auf der Höhe des Wolkengebildes befindet sich der aus Ungarn stammende Martin, Bischof von Tours (316/ 317 – 397). Die Komposition des Bildes wird von der Trinität der Farben Rot, Blau und Gelb getragen. Es handelt sich hier um eine Ideenskizze zum 1773 von Franz Anton Maulbertsch ausgeführten Deckenbild des Presbyteriums der Kathedrale im ungarischen Györ (Raab). Am 27. Mai 1772 schlossen Maler und Auftraggeber – Domherr János Szily – dafür einen Kontrakt. Der aus Langenargen am Bodensee stammende Maulbertsch war einer der besten Freskenmaler des süddeutschen Rokokos.

Der Zug des Bacchus

"Der Zug des Bacchus" dürfte als Teil einer Raumausstattung entstanden sein. Bacchus, Gott des Weines und der Fruchtbarkeit, erscheint auf einem von Panthern gezogenen Triumphwagen, begleitet von Nymphen und Satyrn und gefolgt von dem betrunkenen Silen auf einem Esel. Während die Vielzahl elegant bewegter Figuren die große Tradition der neapolitanischen Barockmalerei erkennen lässt, weist die helle, bisweilen kühle Farbigkeit de Muras bereits auf den Klassizismus voraus.| Prestel-Museumsführer - Gemäldegalerie Berlin, 2017________________________________________"The Procession of Bacchus" must have been painted as part of an interior decor. Bacchus, god of wine and fertility, appears in a triumphal chariot drawn by panthers, accompanied by nymphs and satyrs and followed by the drunken Silenus on a donkey. The large number of elegantly agile figures evokes the great tradition of Neapolitan Baroque painting, but de Mura’s light, sometimes 17th to 18th-Century Italian Painting 153 cool colouring already anticipates Neo-Classicism.| Prestel Museum Guides - Gemäldegalerie Berlin, 2017

Rastende Soldaten in einem Stall

SIGNATUR / INSCHRIFT: links (an der Bank) SK[verbunden]ick / 1648Vermutlich im Mai 1945 im Leitturm des Flakbunkers im Berliner Friedrichshain vernichtet.________________________________________________________________Most likely destroyed in May 1945 in the control tower of the flak tower in Berlin Friedrichshain.

Maria mit dem Kind, den Heiligen Hieronymus, Antonius von Padua und zwei Engeln

Quittenblütenzweig und Schneckenhäuser

Van der Ast schilderte vorzugswiese Blumen, Früchte und exotische Muscheln. Von der Formenstrenge der Arbeiten seines Lehrers Ambrosius Bosschaert (1573-1621) gelangte er zu einer lockeren Fügung der Dinge bei zurückgenommener Farbigkeit. Zwischen den Anfängen der holländischen Stillebenmalerei und ihrer Blütezeit kommt Van der Ast eine entscheidende Mittlerrolle zu.Auf einer steinernen Tischplattte liegt der Blütenzweig eines Quittenbaumes; ein kleiner Vergißmeinnichtzweig, Muscheln, Insekten und eine Eidechse bilden bereichernde Nebenmotive. Mit liebevoller Aufmerksamkeit sind die Dinge aufgenommen und in lockerer, wie zufälliger Zusammenstellung wirkungsvoll arrangiert. Derart auf ein Hauptmotiv mit wenig Beiwerk reduzierte Bilder tauchen in van der Asts Oeuvre gegen Ende der 1620iger Jahre auf.SIGNATUR / INSCHRIFT: Bez. rechts unten: B. van der Ast

Maria mit dem Kind vor einer Rosenhecke

Vermutlich im Mai 1945 im Leitturm des Flakbunkers im Berliner Friedrichshain vernichtet.________________________________________________________________Most likely destroyed in May 1945 in the control tower of the flak tower in Berlin Friedrichshain.