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Madonna in der Nische / Virgin and Child

Ident. Nr.: 2949

ObjID: obj:869365

Details (Expert)

Beteiligte
Giovanni da Pisa,
Bildhauer*in
Datierung
1450–1455
Material / Technik
gebrannter Ton, Holz (Rahmen)
Abmessungen
Höhe x Breite x Tiefe: 92,5 x 72,5 x 9,8 cm (mit Rahmen)
Gewicht: 21,4 kg (mit Rahmen)

Objektbeschreibung

Attributed to Giovanni da Pisa – after Donatello?
Giovanni di Francesco da Pisa, active in Padua in 1447-1448; died in Venice, shortly before 1460.

Virgin and Child
ca. 1450-55

Terracotta
75 x 54.5 cm

Berlin, Staatliche Museen, Skulpturensammlung, Inv. SKS 2949.
Bode-Museum, on view.

Provenance
Berlin, Adolph von Beckerath (until 1902); Berlin, Skulpturensammlung/Altes Museum (1902-1904); Berlin, Skulpturensammlung/Kaiser-Friedrich-Museum (1904-1939); Berlin, storage (1939-1945); Merkers, storage (1945); Wiesbaden, Central Collecting Point (1945-1956); West Berlin, Skulpturensammlung/Museum Dahlem (1956-1990); Berlin, Skulpturensammlung/Museum Dahlem (1990-1997); Berlin, storage (1997-2006); Berlin, Skulpturensammlung/Bode-Museum (since 2006).

Acquisition
Bought from Adolph von Beckerath in 1902 (acquisition file n°S479/02, untraced).

Curatorial Files in the Bode-Museum
Undated thermoluminescence, indicating the period 1450-78.

Other versions
• Vienna, Liechtenstein Museum, Inv. SK 133. Terracotta, 70 x 52 cm (without frame); 95 x 79.5 cm (with frame). Provenance: Stefano Bardini Florence (1900). No cushion on the edge. Modern frame.
• Detroit, Institute of Arts, Inv. 31.37. Terracotta, 76.8 x 54.3 cm. Acquired in 1937.
• Whereabouts unknown. Fragmentary, painted stucco. Negative 1538 BR of the Bardini archive in the Florence municipality (see Caglioti 2008, p. 90).

Comment
This relief in terracotta, especially refined, represents the Virgin and Child in an intimate embrace, the mother gently carrying her son while he holds her neck to kiss her cheek. The figures emerge from a sophisticated architectural setting, a niche seen in perspective decorated with two beautiful vases filled with ears of wheat, and two garlands attached at the top. On the buttresses flanking the niche stand pairs of musician putti.
Many aspects of the work have been connected with the art of Donatello: the tenderness between the Virgin and Child (even the reaching gesture of the latter), the dynamic draperies of the Virgin, the classic yet inventive architecture, and the use of putti (see for instance the Cavalcanti Annunciation in Santa Croce, Florence or the Brancaccio Tomb in Sant’Angelo a Nilo, Naples, but also, in the Berlin Sculpture Collection: Inv. SKS 3044; Inv. SKS M 7). However, the name of Donatello was never directly pronounced in conjunction with this composition, as the style seems somewhat gentler (and slightly weaker) than that of the master. Soon after its acquisition by the Berlin Museums, Bode 1902 drew attention to similarities with the High Altarpiece of the Ovetari chapel in the church of the Eremitani in Padua (destroyed during WWII), a work attributed since the 16th century by Marcantonio Michiel to a pupil of Donatello, Giovanni da Pisa. Such an attribution was endorsed by Schottmüller 1913 in her first edition of the catalogue of the Berlin Sculpture Collection; but the work disappeared from the second edition (Schottmüller 1933), most probably because the author suspected it to be a forgery (Middeldorf 1938 regretted this omission). The relief was little studied during the Cold War, as it stayed in East Berlin starting in 1958 (it was even declared lost by Sandner 1967; and in European Works of Art… 1990). Recently, Caglioti 2008 reaffirmed its authenticity, reassessing the attribution to Giovanni da Pisa, which he extended to a Virgin and Child bought as a work by Donatello by the Kimbell Museum of Art, Fort Worth in 2006 (see The Borromeo Madonna… 2006, which exaggerates the differences between the two reliefs).
The attribution to Giovanni da Pisa of the altarpiece of the Ovetari Chapel has been challenged in a 1994 Ph.D. thesis by Keith Vernon Shaw, who gave to the artist only the left half of the relief, ascribing the other half to the painter Nicolò Pizolo, who is indeed documented as working on the altarpiece. On the basis of this theory, Gentilini 1999 challenged the attribution of the Berlin relief to Giovanni da Pisa: since the closest parallel between the sculpture and the altarpiece is the right half of the latter, he argued, the Berlin relief (ans its related versions) should be given to Pizolo. This attribution was followed by Mozzati 2004; Ortenzi 2006 and in The Borromeo Madonna… 2006. According to Caglioti 2008, the Ovetari altarpiece is coherent in itself and has to be attributed to Giovanni da Pisa, as Pizolo is mainly documented as a painter and could not have achieved a work so closely aware of Tuscan culture after only five years of collaboration with Donatello (Pizolo is documented in the studio of Donatello from 1443, and the Ovetari altarpiece was begun in 1448; he may have only painted the altarpiece after it was modeled). For Caglioti, the numerous references to the art of Donatello in our Madonna may be explained by the participation of the artist to the conception of the work (see also Caglioti 1993).
Three other versions of the Berlin relief are known – none of them with the cushion in the foreground (Caglioti 2008, p. 90 suggests that the cushion in the Liechtenstein version may have been removed during an ancient restoration). The composition was also echoed in various paintings produced in Padua in the middle of the 15th century: notably many Virgin and Child by Giorgio Schiavone in the National Gallery, London, in the Galleria Sabauda, Turin, and in the Gemäldegalerie, Berlin; the Lichtenstein version of the relief was even tentatively ascribed to Giorgio Schiavone by Magnani 2006. See also Kokole 1990; De Nicolò Salmazo 2006; and Caglioti 2008 for further comparisons, especially with Marco Zoppo. Such a work is in perfect tune with Paduan culture of the mid 15th-century, when the workshops of Donatello and of Francesco Squarcione gave birth to one of the richest productions of the Italian Renaissance, and also saw the emergence of one exceptional artist: Andrea Mantegna (see De Marchi 1996).

Literature
Bode 1902
Wilhelm Bode, Die italienische Plastik, 3rd edition, Berlin, Georg Reimer, 1902, p. 123: Giovanni da Pisa, the author of the altarpiece of the Ovetari chapel in the church of the Eremitani, Padua.
Schottmüller 1913
Frida Schottmüller, Die italienischen und spanischen Bildwerke der Renaissance und des Barocks in Marmor, Ton, Holz und Stuck, Berlin, Georg Reimer, 1913, p. 110 cat. 268: Giovanni da Pisa (in comparison with the altarpiece of the Ovetari chapel in the church of the Eremitani, Padua).
Bode 1922
Wilhelm von Bode, Italienische Plastik, 6 ed., 1922, p. 131. (reference to be checked)
Planiscig 1927
Leo Planiscig, Andrea Riccio, Vienna, Anton Schroll, 1927, p. 15: Giovanni da Pisa; related to the bronze tondo in the Kunsthistorisches Museum, Vienna, Inv. Pl. 7462 (related to the tondo formerly in Berlin: Inv. SKS M 7).
Bettini 1931
Sergio Bettini, “Bartolomeo Bellano ‘ineptus artifex’?”, Rivista d’arte, XIII, 1931, p. 57 fig. 4: Domenico di Paris; reproduces the Liechtenstein version, presented as the Berlin one.
Middeldorf 1938
Ulrich Middeldorf, review of Schottmüller 1933, Rivista d’arte, XX, 1938 now in: idem, Raccolta di scritti that is Collected Writings. I. 1924-1938, Florence, SPES, 1979-80, p. 377: does not understand why the sculpture is not in the catalogue of Schottmüller 1933, as it is genuine.
Sandner 1967
Oscar Sandner in idem (ed.), Meisterwerke der Plastik aus Privatssammlungen im Bodenseegebiet, exh. cat. (Bregenz, Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, 1 July-30 September 1967), Bregenz, Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis, 1967, p. 42: Giovanni da Pisa; John Pope-Hennessy attributed the work to a Paduan follower of Donatello; says that the Berlin version was lost during WWII.
European Works of Art… 1990
European Works of Art and Sculpture, London, Sotheby’s, 13 December 1990, p. 24, lot. 34: the Virgin and Child for sale now in the Kimbell Museum, Fort Worth is compared with the present work and with another plaquette in Berlin, see Inv. SKS 3088; lost during WWII (sic).
Kokole 1990
Stanko Kokole, “Notes on the Sculptural Sources for Giorgio Schiavone’s ‘Madonna’ in London”, Venezia Arti, 1990/4, p. 52: attributed to Giovanni da Pisa; the angels are reused by Giorgio Schiavone in a Virgin and Child in the National Gallery, London; but also in another work in the Galleria Sabauda, Turin, and in a fresco now in the Musei Civici, Padua.
Caglioti 1993
Francesco Caglioti, “Una conferma per Andrea dell’Aquila scultore: la ‘Madonna’ di casa Caffarelli”, Prospettiva, 69, January 1993, p. 24 note 70: the altarpiece of the Eremitani chapel is mostly due to Giovanni da Pisa.
De Marchi 1996
Andrea De Marchi, “Centralità di Padova: alcuni esempi di interferenza fra scultura e pittura nell’area adriatica alla metà del Quattrocento”, in Charles Dempsey (ed.), Quattrocento adriatico. Fifteenth-Century Art of the Adriatic Rim, symposium papers (Florence, Villa Spelman, 1994), Bologna, Nuova Alfa Editoriale, 1996, p. 69 note 58: workshop of Pizolo and Giovanni da Pisa.
Gentilini 1999
Giancarlo Gentilini, “Intorno alla pala Ovetari: appunti sull’eredità donatelliana a Padova, fra Pizolo e Mantegna”, in Alberta De Nicolò Salmazo (ed.), Francesco Squarcione ‘pictorum gymnasiarcha singularis’, symposium papers (Padua, 10-11 February 1998), Padua, Il Poligrafo, 1999, pp. 199-201 and fig. 164: Nicolò Pizolo, as he is author of the right half of the Ovetari altarpiece (the left half being by Giovanni da Pisa), this theory originates in Keith Vernon Shaw, The Ovetari Chapel: Patronage, Attribution, and Chronology, Ph.D. (University of Pennsylvania, 1994).
Banzato 2000
Davide Banzato in idem, Franca Pellegrini and Monica De Vincenti (eds.), Dal Medioevo a Canova. Sculture dei Musei Civici di Padova dal Trecento all’Ottocento, Venice, Marsilio, 2000, p. 110: compared with a lunette with the Virgin and Child in the Musei Civici, Padua (Inv. 198), coming from the church of Santa Lucia and attributed to the workshop of Pietro Lombardo.
Darr 2002
Alan P. Darr in idem, Peter Barnet and Antonia Boström, Catalogue of Italian Sculpture in the Detroit Institute of Arts, Volume One. Eighth to Sixteenth Century, London und Turnhout, Harvey Miller Publishers and Detroit Institute of Arts, 2002, I, p. 167: discusses the Detroit version, proven to be ancient through thermoluminescence; the veil and the candelabra are slightly different from the Berlin work.
Mozzati 2003
Tomaso Mozzati in Mina Gregori (ed.), In the Light of Apollo. Italian Renaissance and Greece, exh. cat. (Athens, National Gallery, 22 December 2003-31 March 2004), Cinisello Balsamo, Silvana Editoriale, 2003, p. 241: Niccolò Pizzolo; the presence of the cushion signals this is the version closest to the original.
Clifford 2004
Timothy Clifford in Peter Humphrey et al. (eds.), The Age of Titian, exh. cat. (Edinburgh, Royal Scottish Academy Building, 5 August-5 December 2004), Edinburgh, National Galleries of Scotland, 2004, p. 350: the attribution to Giovanni da Pisa is “not entirely convincing”.
De Nicolò Salmazo 2006
Alberta De Nicolò Salmazo, “Andrea Mantegna e Padova. 1445-1460”, in Davide Banzato, Alberta De Nicolò Salmazo and Anna Maria Spiazzi (eds.), Mantegna e Padova. 1445-1460, exh. cat. (Padua, Musei Civici agli Eremitani, 16 September 2006-14 January 2007), Milan, Skira, 2006, p. 21: attributed to Giovanni da Pisa; dialogue between sculpture and painting.
Di Natale 2006
Pietro Di Natale, in Vittorio Sgarbi (ed.), Domenico di Paris e la scultura a Ferrara nel Quattrocento, Milan, Skira, 2006, p. 70: Niccolò Pizolo or Giovanni da Pisa; once attributed to Domenico di Paris by Bettini 1931, which is not impossible.
Magnani 2006
Fabrizio Magnani in Davide Banzato, Alberta De Nicolò Salmazo and Anna Maria Spiazzi (eds.), Mantegna e Padova. 1445-1460, exh. cat. (Padua, Musei Civici agli Eremitani, 16 September 2006-14 January 2007), Milan, Skira, 2006, pp. 246-249: the Liechtenstein version is tentatively attributed to Giorgio Schiavone.
Ortenzi 2006
Francesco Ortenzi in Vittorio Sgarbi (ed.), La scultura al tempo di Andrea Mantegna tra classicismo e naturalismo, exh. cat. (Mantua, Castello di San Giorgio, 16 September 2006-14 January 2007), Milan, Electa, 2006, p. 68: Niccolò Pizolo.
The Borromeo Madonna… 2006
The Borromeo Madonna by Donatello, sale Sotheby’s (New York, 26 January 2006), p. 18: Niccolò Pizolo; insists on the differences with the so-called “Borromeo Madonna” attributed to Donatello now in the Kimbell Museum of Art, Fort Worth.
Caglioti 2008
Francesco Caglioti in Giovanni Agosti and Dominique Thiébaut (eds.), Andrea Mantegna, exh. cat. (Paris, Musée du Louvre, 26 September 2008-5 January 2009), Paris, Hazan and Musée du Louvre, 2008, pp. 88-91: Giovanni da Pisa but probably conceived by Donatello, ca. 1450-1455; the Virgin and Child in the Kimbell Museum of Art is also attributed to Giovanni da Pisa.
Sbaraglio 2012
Lorenzo Sbaraglio, “Una terracotta di Donatello: la ‘Madonna’ della tomba di Giuliano Davanzati in Santa Trinita”, Nuovi Studi, XVII, n°18, 2012, p. 74: Giovanni da Pisa.

Neville Rowley (24 May 2016)

Letzte Aktualisierung: 22.05.2026

Kontakt

Einrichtung:

Skulpturensammlung und Museum für Byzantinische Kunst

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Wandkonsole mit reichem Blattbesatz (Laubwerkkonsole)

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Die Konsole hat eine kelchförmige Gestalt mit Blattornamenten und rechteckiger Deckplatte. Die Deckplatte zeigt ein halbiertes Sechseck und ist wohl dadurch zu erklären, dass sie im schrägen Gewände des Portals gestanden haben wird. Der vegetabile Schmuck besteht aus einer Reihe von Blättern, die dem Kelch aufgelegt sind und zur eckigen Form der Deckplatte vermitteln. Dadurch wird die tektonische Strenge überspielt, ohne gegen die Konventionen des Aufbaus einer gotischen Konsole zu verstoßen.Die Kirche des in den 1030er-Jahren am linken Aaufer gegründeten Damenstifts Liebfrauen war von Beginn an zugleich Pfarrkirche der Bürger der Münsteraner Vorstadt Überwasser. Diese Doppelfunktion, die sich auch in der Finanzierung und Nutzung des 1340 begonnenen Neubaus spiegelt, dürfte für die Konzeption des Westportals von Bedeutung gewesen sein. Mit der Errichtung des Turms wurde, wie man aus einem Bauvertrag weiß, 1363/64 begonnen. 1374 ließ Fürstbischof Florenz von Wevelinghoven (amt. 1364–78) mehrere Reliquien in der rechten Schulter des Marienbildes am Portal einschließen und man hat zu Recht angenommen, dass zu diesem Zeitpunkt das Portal mit seinem Figurenschmuck vollendet war, vielleicht auch schon bereits seit mehreren Jahren. Die Funktion der Konsolen ist die Vermittlung zwischen der streng geometrischen Architektursprache des kunstvollen Portalgebildes und der menschlichen Figur. Daher wurden auch die einzelnen Glieder (Halsring und Kelch) in fantasievolle pflanzliche Gebilde aufgelöst, deren wohl kalkulierter Verismus nicht auf effektvolle Überraschung abzielt, sondern der Wirkungs- und Bedeutungseinheit von Architektur und Skulptur dient.Die Konsolen des Westportals der Liebfrauenkirche passen gut in die Genese gotischer Laubwerkgestaltung, bei der um 1350 eine Tendenz zur stärkeren Bewegung und einem Verwischen der Grenzen zwischen Wand und Ornament festzustellen ist. Die Werkstatt hat, wie die geringere Qualität der späteren Konsolen in Münster zeigt, die Stadt wieder verlassen, möglicherweise, um in Utrecht zu arbeiten, wo sich am Dom um 1380 vergleichbare figürliche Darstellungen finden. Der Steinmetz hat sich eindeutig an der Bauornamentik des Kölner Doms orientiert, wie eine Durchsicht der dortigen Kapitelle im Chor und Langhaus zeigt. (Auszug aus: Tobias Kunz, Bildwerke nördlich der Alpen. 1050 bis 1380. Kritischer Bestandskatalog der Berliner Skulpturensammlung, Petersberg, Michael Imhof Verlag 2014)

Triumphkruzifix

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Der schlanke, nur leicht geschwungene Corpus war ursprünglich mit vier Nägeln an dem verlorenen originalen Kreuz befestigt. Die Knie sind nur leicht parallel nach rechts verschoben, die Gegenbewegung der Oberschenkel und das folgerichtige Ausladen der Hüfte nach links werden durch das massive Lendentuch verschleiert. Einen starken Akzent setzt das längliche, deutlich gesenkte Haupt. Betont werden das voluminöse Haar aus dicken Strähnen, das einem geläufigen Topos gemäß in jeweils drei Bahnen vorn über die Schultern fällt, die stark nach vorn geklappten Ohren, die weit vortretenden Augäpfel, die scharf ausgebildete Nase und der auffallend lange, geteilte Bart. Ähnlich kräftig sind die Glieder des Oberkörpers markiert: ein schildartiger, völlig flacher Brustkorb, darunter die fast linear verlaufenden Rippen und der Brustbeinknochen sowie ein sich kugelig vorwölbender Bauch. Auch das Lendentuch zeigt den für das gesamte Werk charakteristischen Widerspruch von Ruhe und Bewegtheit. Allein aufgrund der Größe wird es sich um ein Triumphkruzifix gehandelt haben. Da das originale Kreuz verloren ist, können wir nicht mehr sagen, auf welche Weise dieses einst am Lettner oder Triumphbalken befestigt war. Die zahlreichen Farbschichten und sekundäre Veränderungen (Befestigungsspuren für eine Dornenkrone) belegen eine lange Nutzungsgeschichte, vielleicht auch in einem Barockaltar, wie dies bei dem verwandten Kruzifix in Saulgau der Fall ist. Das Berliner Werk zählt zu den qualitätvollsten einer größeren, in sich heterogenen Gruppe monumentaler Kruzifixe, die aufgrund ihrer Verbreitung nach Schwaben bzw. in den Bodenseeraum zu lokalisieren ist. Ihr gemeinsames Kennzeichen sind die hagere, etwas unorganische Gestalt des Gekreuzigten, ein stark überlängtes Haupt mit freiliegenden Ohren, eine schematische Gestaltung des Oberkörpers und vor allem die spezielle Gestaltung des Lendentuchs mit je einem seitlichen Stoffüberschlag und dem zentralen, mächtigen Knoten mit abstehenden Enden. Vergleichbar sind zwischen Alb und Bodensee die Kruzifixe im ehemaligen Zisterzienserinnenkloster Wald bei Sigmaringen, in der Schwedenkapelle in Saulgau und im Landesmuseum Württemberg in Stuttgart (Inv. 1993-24, bis 1993 im Prämonstratenserkloster Obermarchtal, davor angeblich Stiftskirche Scheer bei Sigmaringen). Zum erweiterten Kreis gehören zwei Kruzifixe im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg (aus Urach am nördlichen Albrand, Inv. Pl.-O.34; vom Bodensee, Inv. Pl.-O.36) und eines im Bayerischen Nationalmuseum München (aus Untergermaringen bei Kaufbeuren, Inv. MA 1086).In der Expressivität der Einzelformen nimmt das Berliner eine Sonderrolle innerhalb des Kreises oberschwäbischer Kruzifixe ein.(Auszug aus: Tobias Kunz, Bildwerke nördlich der Alpen. 1050 bis 1380. Kritischer Bestandskatalog der Berliner Skulpturensammlung, Petersberg, Michael Imhof Verlag 2014)

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Thronende Maria mit dem Kinde

Thronende Maria mit dem Kinde

Hoch aufgerichtet sitzt Maria auf einer schlichten, seitlich einfach profilierten Thronbank, deren Sitzfläche stark nach vorn abfällt. Sie tritt auf einen detailliert ausgearbeiteten Drachen, der auf der polygonalen Fußplatte kauert und das Maul weit aufgerissen hat. Ähnlich frontal sitzt das Kind auf dem linken Knie der Mutter, leicht zur Mitte gewendet und von ihrer linken Hand unterhalb der Hüfte gehalten. In ihren Grundzügen entspricht die Figur dem älteren Typ der thronenden Muttergottes (Sedes Sapientiae), wie er etwa seit der Mitte des 12. Jahrhunderts und besonders in den Jahrzehnten um 1200 für Marienfiguren des Abendlandes verbindlich war. Maria thront und ist selbst ein Thron für ihren Sohn, der unmittelbar auf ihrem Schoß oder linken Oberschenkel sitzt. Theologische Grundlage ist die bereits frühmittelalterliche Vorstellung von Maria als der im Alten Testament beschriebene Thron Salomons, den man als „Sitz der Weisheit“ bezeichnete. Christus ist die göttliche Inkarnation der Weisheit Salomons und Maria das Gefäß („vas electionis“), in dem die göttliche Weisheit verborgen liegt. Bei der Berliner Madonna ist dieser Typus um das Motiv des niedergetretenen Drachens erweitert, eine Anspielung auf das sogenannte Apokalyptische Weib und Marias Rolle im Heilsplan. In diesem Sinne sind auch die Weltkugel in der Linken und die erhobene Rechte des Christuskindes sowie seine aufrechte, dem Weltenrichter entsprechende Haltung zu verstehen.Die Madonna gehört zu einer Gruppe maasländischer Madonnen, die um die berühmte Figur in der Lütticher Kollegiatskirche Saint-Jean gruppiert bzw. in ihre Nachfolge gesetzt wurde. Bei der kurz nach 1230 datierten, 128 cm hohen Figur in Lüttich sind die wichtigen Motive bereits vorhanden, die auch bei der Berliner Statuette vorkommen: der Drache unter den Füßen Marias, die Platzierung des Kindes auf ihrem linken Oberschenkel, die straffe Spannung des Gewandes über dem rechten Knie, der Verlauf des Mantels vom Haupt der Muttergottes über ihren Schoß, unter dem Kind bis zu ihrem rechten Fuß, der Gürtel, die senkrechten Falten am Oberkörper, der Thron usw. Ihre ursprüngliche Herkunft ist nicht gewiss, doch dürfte sie an einem prominenten Ort in Lüttich gestanden haben, was die Verbreitung des Typs im Rhein-Maas-Gebiet erklärt.Die Berliner Skulptur wurde großflächig überarbeitet. Diese technisch qualitätvollen, künstlerisch aber nicht der mittelalterlichen Formensprache entsprechenden Überarbeitungen lassen an eine Datierung kurz vor oder um 1900 denken – möglicherweise also erst kurz vor der Erwerbung für die Königlichen Museen. Die Maßnahmen umfassen passgenau eingesetzte Holzpartien, Anstückungen, Überschnitzungen, Ausspänungen und Kittungen im Holzträger. Besonders markant und umfangreich sind die Überarbeitungen in den Gesichtern.(Auszug aus: Tobias Kunz, Bildwerke nördlich der Alpen. 1050 bis 1380. Kritischer Bestandskatalog der Berliner Skulpturensammlung, Petersberg, Michael Imhof Verlag 2014)

Christus als Schmerzensmann (Doppelfigur)

Christus als Schmerzensmann (Doppelfigur)

Erasmus Grassers doppelseitige Skulptur Christi markiert eine Schwelle zwischen Leiden und Triumph. Christus ist als Schmerzensmann dargestellt und zeigt würdevoll die Wunden seiner Passion, seine von der Dornenkrone geschundene Stirn und die Seitenwunde. Während er diese Verletzungen überwunden hat – er steht auf einer Weltkugel und sein Kopf wird von einem Heiligenschein hinterfangen – lenkt er die Aufmerksamkeit auf sein Leiden. Auf beiden Seiten der Skulptur weist Christus mit seiner Rechten auf die Seitenwunde. Hier ist seine linke Hand zum Segen erhoben; üblicherweise wird dieser Gestus mit der rechten Hand vollzogen. Der Schmerz, den er erlitten hat, ist in den Akt des Segnens eingeschrieben und wird so ein Mittel, durch das er Erlösung verspricht. Grasser hat die Macht dieses körperlichen Aktes betont, indem er den nackten Oberkörper Christi mit großen, tiefen Faltenbahnen rahmt. Diese Skulptur hat auch physische Schwellen markiert. Ihre genaue Funktion ist unbekannt, aber sie war ganz offensichtlich dafür gedacht, von zwei Seiten gesehen zu werden. Sie könnte auf einer Stange bei Prozessionen mitgeführt worden sein oder auf einer Säule in einem Kirchenschiff gestanden haben. Sie mag auch in der Vierung einer Kirche gehangen haben, wo das Mittelschiff als Versammlungsort der Gemeinde und der Chor, an dem der Priester die Messe zelebrierte, aufeinandertrafen. Das Aufhängen von doppelfigurigen Marienstatuen in einer Mandorla war in Süddeutschland durchaus verbreitet. Ein besonders prominentes Beispiel einer hängenden Skulptur ist der sogenannte Englische Gruß (eine Darstellung der Verkündigung) von Veit Stoß in der Lorenzkirche in Nürnberg. (Andrew Sears 2017)

Prophet Daniel

Prophet Daniel

Paarweise angeordnet standen die Propheten hoch aufgerichtet mit zurückweichendem Ober- und vorgeschobenem Unterkörper (außer dem ganz rechts platzierten), mit vorgeneigtem Kopf und ehemals weit auf den Vorplatz der Kirche hinaus gerichteten Blick, in den Händen ursprünglich Schriftrollen. Sie tragen jeweils unterschiedlich drapierte bodenlange Gewänder und Mäntel sowie verschiedene Kopfbedeckungen. Physiognomie und Gestik sind stark differenziert und vermitteln das Bild ausgeprägter Individuen, die erfüllt sind von der Bedeutungsschwere ihrer eschatologischen Vision. In der Forschung hat sich die durch kein Attribut oder zwingendes ikonografisches Argument gestützte Bezeichnung als Jesaia, Jeremias, Hezekiel und Daniel (von links nach rechts) eingebürgert, an der hier zum besseren Verständnis festgehalten werden soll. Inhaltlich sind die Propheten den beiden ineinander verschränkten Hauptthemen des Trierer Westportals, der Heilsgeschichte und der Verehrung Marias als Braut Christi, zugeordnet. Sie sind Vertreter des Alten Bundes, durch ihre visionäre Vorausschau auf die Geburt Christi zudem Verkünder der Heils und Zeugen des Jüngsten Gerichts. Angeregt durch scholastische Lehren treten die einzelnen Propheten seit dem frühen 13. Jahrhundert auch in der Kunst zunehmend als Individuen auf, die durch Inschriften, die Wiedergabe spezieller Szenen der jeweiligen Weissagungen oder auch einen bestimmten Figurentyp (spätestens am Straßburger Münster, um 1270/80) erkennbar werden.Die Figuren befanden sich unter Baldachinen an den Ecken der Westfassade der Trierer Liebfrauenkirche. Das Portal besaß ehemals sechs Gewändefiguren, von denen sich lediglich Johannes der Evangelist (Identifizierung unsicher), Ecclesia und Synagoge erhalten haben. In den fünf Archivolten darüber sind von innen nach außen Engel als Repräsentanten des Himmels, Päpste und Bischöfe als Zeugen des irdischen Wirkens der Kirche, apokalyptische Greise mit Musikinstrumenten und die Klugen und Törichten Jungfrauen dargestellt. Im Tympanon sind zentral die thronende Maria mit Kind, links die Heiligen Drei Könige und außen die kleinere Hirtenverkündigung, rechts die Darbringung im Tempel und außen klein der Kindermord zu sehen. Im zweiten Geschoss befindet sich zwischen den Propheten eine hohe Blendnische, in die ein dreibahniges Fenster mit Sechspassrosette eingeschrieben ist; seitlich des Fensters stehen Gabriel und Maria. Ein weiteres, höheres Fenstergeschoss wird mit einem Gesims abgeschlossen, auf dem sich ein Giebel mit den übergroßen Figuren des Gekreuzigten zwischen Maria und Johannes erhebt.Neu im deutschsprachigen Gebiet ist nicht nur die Ausdehnung des Skulpturenschmucks weit über die Portalzone hinaus, sondern auch die unmissverständliche Bezugnahme von Gestik und Blicken auf den Betrachter. Dieses Prinzip wurde an den großen Fassaden französischer Kathedralen mit ihren umfangreichen Figurenprogrammen erstmals realisiert, insbesondere in Reims, einem Bau, der in vielerlei Hinsicht vorbildlich für die Liebfrauenkirche war. Um 1235, zum Zeitpunkt des Baubeginns in Trier, standen von der Kathedrale des benachbarten Erzbistums bereits die Chorpartien und Fassaden, an den Querhäusern bis zum Rosengeschoss. Die leicht variierte Wiederholung des „Reimser Fensters“ an der Trierer Liebfrauenkirche zeigt, dass die neuesten Lösungen aus der Champagne unmittelbar rezipiert wurden. Die Westfassadenskulpturen könnten um 1240 entstanden sein, was gut zu der Überlegung einer Übersiedlung von Bildhauern aus Reims passen würde, wo die vergleichbaren Arbeiten um 1230 entstanden sind.(Auszug aus: Tobias Kunz, Bildwerke nördlich der Alpen. 1050 bis 1380. Kritischer Bestandskatalog der Berliner Skulpturensammlung, Petersberg, Michael Imhof Verlag 2014)