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Fröhliche Gesellschaft

Ident. Nr.: 1983

ObjID: obj:869413

Eigentum des Kaiser Friedrich Museumsvereins

Details (Expert)

Beteiligte
Ausführung: Willem Pietersz. Buytewech (1591/92 - 1624),
Maler*in
Datierung
Ausführung: 1622/24
Weitere Titel
Sammlungstitel: Fröhliche Gesellschaft
Übersetzung: Cheerful Society
Geografische Bezüge
Rotterdam,
Stadt
Material / Technik
Leinwand
Abmessungen
Bildmaß: 65 x 81,5 cm
Erwerbung
1926 Ankauf von der Galerie Dr. Schäffer, Berlin

Objektbeschreibung

In diese heitere, von sinnlichen Genüssen angeregte Gesellschaft wird der Betrachter durch Bewegungen, durch Blicke und durch den Verzicht auf eine Vordergrunddistanz unmittelbar einbezogen. Ein beleibter Alter mit Violine erzeugt eine fast hörbare Ausgelassenheit. Reste einer Mahlzeit, auf dem Boden verstreute Muschelschalen, Weinkannen an der Wand, besonders aber die überaus geckenhafte Kleidung der jungen Herren und ihre provozierende Haltung weisen auf das in der moralisierenden Literatur der Zeit viel gescholtene Luderleben der holländischen Wohlstandsschicht. Das Thema der »fröhlichen Gesellschaft«, wie es im
frühen 17. Jahrhundert in der holländischen Malerei verbreitet wurde, hatte stets auch eine belehrende Komponente. Die Komposition Buytewechs besticht durch eine geradezu mathematische Symmetrie. Genau in der Mitte der rückwärtigen Zimmerwand ist ein breitformatiges Landschaftsgemälde – ein Bild im Bilde – aufgehängt. Wie darin drei Baumgruppen am Ufer eines Gewässers aufragen, so gruppieren sich davor sechs Personen paarweise um einen wiederum genau in der Mitte stehenden Tisch. Das Paar hinter diesem dekorativen, die Bildachse betonenden Möbel mit oktogonaler Platte, auf der eine feine Glasschale mit Naschwerk steht, ist dem Betrachter frontal zugewandt. Der Mann blickt ihn zudem aus runden Augen direkt und herausfordernd an, während er mit zärtlicher Geste ein kokett lächelndes Mädchen mit Weinglas an sich zieht. Die beiden seitlichen Figurenpaare wenden sich in Körperhaltung und mit Blicken zwar dem Bildzentrum zu, das ausgestreckte Bein des fast in Schräglage auf dem Stuhle lümmelnden Kavaliers rechts markiert mit dem bis an den unteren Bildrand reichenden Schuh jedoch ostentativ nochmals die Bildachse. Zugleich strebt die jeweils äußere Figur – rechts eine junge Magd mit Zinnschüssel, links ein Kavalier mit großem Federhut – aus dem Raume heraus. In der ursprünglichen Fassung hatte die Zinnschüssel der Magd rechts ihr Äquivalent in einem Tongefäß, in das der Mann links urinierte – den Vorgang schirmte er diskret mit der rechten Hand ab.

Einer der Vorbesitzer des Bildes muss dieses Detail als peinlich empfunden haben. Er ließ es so übermalen, dass die gewölbte Hand des Mannes auf einer Stuhllehne ruhte, mit der der unbekannte Restaurator das unziemliche Gefäß einfach übermalt hatte. Eine erhaltene Fotografie des Vorbesitzers gibt den originalen, bei einer späteren Restaurierung wiederhergestellten Zustand wieder. Zugleich zeigt es eine weitere, die Komposition entstellende Übermalung vermutlich des 19. Jahrhunderts. Offenbar erschien dem damaligen Eigentümer das an der Rückwand
des Zimmers hängende Landschaftsbild als zu dominant, so dass er es um das rechte Drittel verkleinern ließ. Auch »bereinigte« er den Dielenboden, indem er die dort verstreuten Austernschalen durch Übermalung unsichtbar machte. Diese Art von restauratorischer Willkür an alten Bildern kam häufiger vor. In diesem Fall
waren die vermeintlichen Korrekturen bereits vor dem Ankauf des Werks durch die Berliner Gemäldegalerie wieder rückgängig gemacht worden.

Noch 1912 konnte Wilhelm von Bode seine intuitive Zuschreibung an Buytewech nicht untermauern, weil Tafelbilder des Malers kaum bekannt waren. Das Berliner Werk aus der Spätzeit wurde daher lange Zeit Dirk Hals zugeschrieben. Buytewech, von Zeitgenossen »de gheestige Willem« genannt, war in der Tat vor allem ein Meister der grafischen Künste. Bis heute sind lediglich acht Gemälde von seiner Hand nachgewiesen. Irene Geismeier | 200 Meisterwerke der europäischen Malerei - Gemäldegalerie Berlin, 2019
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Through movements, looks and the absence of distance in the foreground, the viewer is drawn directly into this merry company, animated by sensual pleasures. A corpulent elderly man with a violin generates an exuberance that is almost audible. The remains of a meal, shells scattered on the floor, wine jugs on the wall and above all the dandyish clothing of the young men and their provocative postures point to the dissipated life of the wealthy class in Holland that was often castigated in the moralising literature of the time. The subject of the “merry company”, as propagated in Dutch painting of the early 17th century, always included an element of moral instruction. Buytewech’s composition is notable for its positively mathematical symmetry. A wide-format landscape painting – a picture in the picture – hangs at the exact centre of the back wall of the room. Corresponding to three groups of trees that rise on the banks of a body of water, six persons are grouped in pairs in front of the painting around a table, which in turn stands precisely in the middle. The couple behind this decorative, octagonal-topped piece of furniture, which emphasises the axis of the scene and on which stands a fine glass bowl with snacks, frontally faces the viewer. Moreover, the man directs a challenging gaze through round eyes straight at the beholder, while drawing towards him with a tender gesture a coquettishly smiling girl who holds a wine glass. Through their posture and looks, the two pairs of figures at the side turn to the centre of the picture, but the outstretched leg of the cavalier on the right, who is lolling almost diagonally on the chair, ostentatiously re-emphasises the axis of the painting with a shoe that reaches to the lower edge of the scene. At the same time, the persons on the outside – a young maid with a pewter bowl on the right, a cavalier with a large feathered hat on the left – are making to leave the room. In the original version, the maid’s pewter bowl on the right had a counterpart, an earthenware vessel into which the man on the left was urinating, while discreetly shielding this action with his right hand.

A previous owner of the painting must have found this detail embarrassing and had it painted over so that the curved hand of the man rested on the back of a chair, with which the unknown restorer simply overpainted the offending vessel. A surviving photograph belonging to the previous owner shows the original version, which was re-instituted in a later restoration. It also shows a further over-painting, probably dating from the 19th century that disfigured the composition. The landscape painting hanging on the back wall of the room clearly seemed too dominant to the owner at that time, who had it reduced in size by one third on the right. This owner also “cleaned up” the wooden floor, making the oyster shells scattered across the boards invisible through overpainting. This arbitrary way of restoring old paintings was a common occurrence. In this case, the supposed corrections had already been reversed when the work was purchased by the Berlin Gemäldegalerie.

In 1912, Wilhelm von Bode was not yet able to provide evidence for his intuitive attribution to Buytewech, as panel paintings by this artist were almost unknown. This late work in Berlin was therefore long attributed to Dirk Hals. Buytewech, called “de gheestige Willem” (witty Willem) by contemporaries, was indeed primarily a master of graphic arts. To this day no more than eight paintings by his hand have been identified. Although Buytewech lived in Haarlem only from 1612 to 1617, the manifold artistic impulses of this city, which was provincial in comparison to Amsterdam, had a lasting influence on him. This work was not painted until later, after the artist returned to his home town of Rotterdam. Irene Geismeier | 200 Masterpieces of European Painting - Gemäldegalerie Berlin, 2019

Letzte Aktualisierung: 30.03.2026

Kontakt

Einrichtung:

Gemäldegalerie

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Bildnis eines jungen Mannes

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Versonnen blickt der dunkelhaarige junge Mann nach rechts in die Ferne. Von seinem schwarzen Gewand hebt sich ein kostbarer, weißer Spitzenkragen ab, auf den sein langes Haar fällt. Maratti präsentiert den Dargestellten hier schlicht und unprätentiös, zugleich jedoch sehr würdevoll und elegant. Durch eine Inschrift auf der Rückseite sind uns heute Entstehungsjahr und -ort des Gemäldes bekannt, sowie das Alter des Dargestellten. Als er sich 1663 in Rom porträtieren ließ, war er 24 Jahre und drei Monate alt. Maratti gehörte zu den begehrtesten Malern in Rom und arbeitete für die höchsten gesellschaftlichen Kreise, u.a. auch für Papst Clemens IX., dessen von Maratti geschaffenes Bildnis heute zu den bedeutendsten Porträts des 17. Jahrhunderts zählt.| Britta BodeSIGNATUR / INSCHRIFT: Auf der Doublierleinwand Transkription (des 19. Jh.) einer alten Inschrift: AETATIS VAE XXIV / ET III MENS / IN ROMA 1663 / C.M.F.___________________________________________________________________________With a pensive gaze, a dark-haired young man looks to the right into the distance. His long hair falls on the sumptuous, white lace collar that stands out against his black garment. Maratti presents the portrayed modestly and unpretentiously, yet also elegantly and dignified. An inscription on the back tells us the year and place of creation, as well as the age of the portrayed. In 1663, when he was painted in Rome, he was 24 years and three-months-old. Maratti was one of the most sought after artists in Rome and worked for the social elite, including Pope Clemens IX, whose portrait is considered one of the most important paintings of the 17th century.| Britta Bode

Die Kreuzigung Christi

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Gerard David stammte aus den nördlichen Niederlanden, dem holländischen Oudewater. Einflüsse von Geertgen tot Sint Jans in seinen frühen Werken deuten darauf hin, daß er seine erste Ausbildung in Haarlem erhalten hat. 1484 war er nach Brügge ausgewandert, der Stadt, in der Memling als führender Meister tätig war. Hier wurde er als Mitglied und schließlich als leitender Künstler der Malerzunft vom Magistrat der Stadt mit Aufträgen bedacht. In Brügge entstanden seine Hauptwerke. Hier lebte und arbeitete er, von kurzen Unterbrechungen abgesehen, bis zu seinem Tode. Für einige Zeit scheint er sich in Antwerpen aufgehalten zu haben. Darauf deutet eine Eintragung in den Registern der Antwerpener Malergilde hin, die für das Jahr 1515 die Aufnahme eines »Gheraet van Brugghe, scildere« vermeldet. Brügge hatte damals seine führende Rolle als Hafenstadt durch die Versandung des Swijn, seiner Verbindung zum Meer, eingebüßt, während Antwerpen seinen Rang als neues Handelszentrum auszubauen begann und damit zahlreichen Künstlern neue Verdienstmöglichkeiten eröffnete. Es ist denkbar, daß sich Gerard David den neuen Gegebenheiten auf Dauer nicht mehr an - passen wollte und deshalb nach Brügge zurückkehrte, wo er als der letzte herausragende Vertreter der traditionsreichen Malerei dieser Stadt großes Ansehen genoß. Das Schaffen Davids schlägt eine Brücke zwischen den niederländischen Meistern des 15. Jahrhunderts und den neuen Bestrebungen der Renaissance. Seine Werke zeichnen sich durch eine stille Monumentalität und eine klare Anordnung der plastisch wiedergegebenen Bildfiguren aus, die auf neuartige Weise mit dem sie umgebenden Raum verbunden sind. In dieser Hinsicht bezeichnet die Kunst Davids eine entscheidende Etappe auf dem Weg zu einer einheitlichen malerischen Gestaltung des Bildraumes. Die Darstellung des Christus am Kreuz stammt aus der Spätzeit des Künstlers. Das Kolorit, in dem grüne und blaue Farbklänge dominieren, ist eigentümlich kühl und verhalten, dabei in den nuancenreichen Abstufungen dennoch von höchster Subtilität. Dieser konsequenten Vereinheitlichung der Farbgebung, von der eine starke atmosphärische Wirkung ausgeht, entspricht eine gleichermaßen prägnante wie durch seine Schlichtheit ergreifende Schilderung des Bildgeschehens. Auf der Höhe Golgathas erhebt sich das Kreuz Christi, dessen Querbalken in die Tiefe weisen. Mit geöffneten Augen blickt der Gekreuzigte auf die Leidtragenden zu seinen Füßen herab, auf Maria Magdalena nahe dem Kreuzesstamm, auf Maria, die von Johannes gestützt wird, und auf Maria Salome und Maria Jacobi. Mit den Worten »mulier ecce filius tuus« (Weib, siehe, das ist dein Sohn; Johannes 19, 26) empfiehlt er seine Mutter der Fürsorge seines Lieblingsjüngers. Die verhaltene Trauer der Angehörigen scheint sich auf den Hauptmann und seine Soldaten übertragen zu haben, die still zur Seite getreten sind und sich beraten. Im Hintergrund erkennt man Kriegsknechte, die Golgatha bereits verlassen haben und Jerusalem zustreben. Daran zeigt sich, daß kein bestimmter Augenblick des Geschehens gestaltet ist, sondern daß es dem Künstler darauf ankam, uns dessen zeitlose Bedeutung vor Augen zu führen, wie er es wenig später in dem eindrucksvollen Golgathabild (Genua, Palazzo Bianco) in äußerster Reduktion des Themas getan hat. Der Eindruck der Zeitlosigkeit des Geschehens in unserem Bild verstärkt sich angesichts der weiten Landschaft mit den im blauen Licht des Abends verdämmernden Bergkuppen. Svea Janzen | 200 Meisterwerke der europäischen Malerei - Gemäldegalerie Berlin, 2010SIGNATUR / INSCHRIFT: mulier ecce filius tuus_______________________________________________________________Gerard David was born in the Dutch city of Oudewater. In 1484 he moved to Brugge where, with a few interruptions, he lived and worked until his death. David’s work forms a link between the 15th-century Netherlandish masters and the new line taken in the Renaissance. His works have a quiet monumental quality and a clear arrangement of figures, who relate in an innovative way to the space that surrounds them. In this respect David’s work represents a crucial stage on the way towards uniform painterly control over the pictorial space. This scene of Christ on the Cross dates from the artist’s late period. The colouring, dominated by notes of green and blue, is strangely cool and reticent, although extremely refined in its nuanced gradations. The events of the picture are portrayed both succinctly and plainly, corresponding with the consistently uniform colouring, which creates a strongly atmospheric effect. | Prestel Museum Guides - Gemäldegalerie Berlin, 2012

Der Engel weckt den Propheten Elias in der Wüste

Der Engel weckt den Propheten Elias in der Wüste

Das kleine Täfelchen zeigt den Propheten Elias eingeschlafen unter einem Baum. Die Darstellung bezieht sich auf eine in der Bibel erzählte Episode, in der die Flucht des Elias vor der ihm angedrohten Rache für die Ermordung der Propheten des Baal geschildert wird (1. Könige 19,1–8). Ein Engel hat sich über Elias gebeugt. Er versucht, ihn mit einer zarten Berührung an der Schulter zu wecken. Mit dem Zeigefinger seiner Rechten weist er auf einen Laib Brot und einen mit Wasser gefüllten Krug, die neben der herabgesunkenen Hand des Propheten stehen. Alle drei Elemente sind in helles Licht getaucht. Das rosafarbene Gewand des Engels, die blonden Haare seines gesenkten Hauptes sowie die weit ausladenden Flügel mit den schwarzen und weißen Federn sind mit pastos aufgetragenen Pinselstrichen ausgeführt. Die Rinde des kräftigen, die linke Bildhälfte begrenzenden Baumes und das Gestrüpp am Boden sind mit dicken Farbtupfern modelliert.Maltechnische Untersuchungen haben gezeigt, dass sich inmitten des Baumstammes einst ein Schlüsselloch befand. In der Röntgenaufnahme sind an der rechten Seite der Tafel zudem zwei Scharniere zu erkennen. Die Ausführung auf Holz und das kleine Format sind demzufolge auf die Funktion des Gemäldes als Türchen zurückzuführen. Da die im Alten Testament geschilderte Speisung des Propheten Elias mit Wasser und Brot eine häufig verwendete Präfiguration für das Abendmahl darstellt, fungierte die Tafel mit großer Wahrscheinlichkeit als Verschluss eines Tabernakels, das zur Aufbewahrung der Hostien und des Abendmahlkelchs diente. In Spanien sind derartige mit bildlichen Darstellungen versehene Türchen in zahlreichen Predellenzonen von Altarretabeln des 17. Jahrhunderts nachweisbar. Zudem lassen die Röntgenaufnahmen darauf schließen, dass die Tafel einst einige Zentimeter höher war und ein länglicheres Format aufwies.Auf Grund der überaus lockeren, an die venezianische Malerei erinnernden Malweise wurde das Bild, das vormals als Werk Domenico Fettis galt, von Giuseppe Fiocco in das Oeuvre von Francesco Maffei eingeordnet. 1970 wurde es von José Roge lío Buendía auf Grund stilistischer Erwägungen schließlich dem in Madrid tätigen Maler Juan Antonio de Frías y Escalante zugeschrieben. Bei dem abgebildeten Tonkrug handelt es sich seiner Meinung nach zudem um ein Modell, wie es in dem bei Madrid gelegenen Städtchen Talavera de la Reina produziert wird. Für eine Verbindung des Gemäldes mit Spanien spricht ferner die Existenz einer vorbereitenden Zeichnung in der Nationalbibliothek in Madrid, die die zentralen Elemente der Komposition wiedergibt, sowie die Provenienz aus der Sammlung Suermondt, zu der zahlreiche Werke zählten, die der preußische Offizier Andreas von Schepeler während seiner Tätigkeit in Madrid zwischen 1815 und 1823 erworben hatte.Von 1667 bis 1668 hatte Escalante einen 18 Leinwandgemälde umfassenden Zyklus mit alttestamentlichen Präfigurationen der Eucharistie für die Ausstattung der Sakristei des im 19. Jahrhundert zerstörten Convento de la Merced Calzada in Madrid ausgeführt, darunter auch eine Darstellung von Elias und dem Engel, die heute im Museo del Prado aufbewahrt wird. Auch wenn sich Paola Rossi 1991 nochmals für eine Zuschreibung des Berliner Bildes an Francesco Maffei aussprach, so machen die genannten Argumente dennoch plausibel, dass das Gemälde erstens von Escalante geschaffen wurde und zweitens zur Ausstattung des genannten Konvents gehörte, der sich ehemals auf dem heute nach Tirso de Molina benannten Platz in Madrid befand. Vor der Feier des Abendmahls hatte es den Priestern dort bei der Entnahme der Hostien und des Weines die heilsgeschichtliche Erfüllung der Ankündigungen des Alten Testamentes ins Bewusstsein gerufen.| Sven Jakstat___________________________________________________________________________________________________This small panel depicts the Prophet Elijah sleeping under a tree. The scene refers to the Bible’s story of Elijah’s flight from retribution for his killing of Baal’s prophets (1 Kings 19:1–8). An angel bends over Elijah and tries to wake him by gently laying a hand on his shoulder. With the finger of his right hand the angel points to a loaf of bread and a water-filled jug next to the Prophet’s limp hand. All three elements are suffused in bright light. The angel’s rose-coloured robe, the blond hair on his lowered head, and the white feathers of his wings are executed in pastose brushstrokes. The bark of the massive tree and undergrowth bounding the left-hand side of the composition are modelled with thick dabs of paint.Scientific examinations showed that there was once a keyhole in the middle of the tree trunk. X-ray images also revealed two hinges attached to the right end of the panel. These combined with the wooden support medium and the painting’s small format indicate that the work once served as a small door. As the story of Elijah being given bread and water was often used in art to prefigure the Eucharist, it is highly likely that this panel once served as the door covering of a tabernacle where the host and Communion chalice were kept. Numerous examples of such decorated doors in the predella areas of seventeenth-century altarpieces have been found in Spain. Furthermore, the X-ray images indicate that the panel was once several centimetres longer and more elongated in shape.The extremely flowing style of painting, reminiscent of Venetian works, led Giuseppe Fiocco to attribute the painting – previously believed to be by Domenico Fetti – to Francesco Maffei. Stylistic considerations finally led José Rogelío Buendía in 1970 to ascribe it to the Madrid painter Juan Antonio de Frias y Escalante. In Buendía’s opinion, the ceramic jug seen in the painting is based on the types of jugs produced in the town of Talavera de la Reina near Madrid. Further evidence of the work’s Spanish provenance is offered by a preliminary drawing in the National Library in Madrid, which displays the same central elements that appear in the painting, as well as its provenance from the Suermondt Collection, which included numerous works acquired by the Prussian officer Andreas von Schepeler while he was stationed in Madrid between 1815 and 1823.From 1667 to 1668, Escalante completed a cycle of eighteen paintings on canvas with Old-Testament prefigurements of the Eucharist for the sacristy of the now destroyed Convento de la Merced Calzada in Madrid, including a painting depicting the angel and Elijah today held by the Museo del Prado. Even though Paola Rossi once again insisted in 1991 that the Berlin painting should be attributed to Francesco Maffei, the arguments given above make a plausible case both that the painting was made by Escalante and that it belonged to the convent, once located on the square now named for Tirso de Molina. The painting served to remind priests of the salvific fulfilment of the Old Testament’s prophecies when they went to remove the host and wine before distributing Holy Communion.| Sven Jakstat