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Plätterinnen

Ident. Nr.: NG 35/61

ObjID: obj:965476

Alte Nationalgalerie
Bild

Details (Expert)

Beteiligte
Heinrich Eduard Linde-Walther (1868 - 1939),
Maler*in
Datierung
um 1900
Systematik/Art
Provenienz
Wilhelm Weick, Berlin,
1961
Material / Technik
Öl auf Leinwand
Abmessungen
Höhe x Breite: 59,5 x 80,5 cm
Erwerbung
1961 Ankauf von Wilhelm Weick, Berlin, mit Mitteln der Stiftung Zeiss-Ikon-AG, Stuttgart
Permalink
https://id.smb.museum/object/965476

Objektbeschreibung

In gesteigerter Nahsicht und reduziertem Kolorit ist eine Gruppe bügelnder Mädchen wie in einer Momentaufnahme erfaßt. Entscheidende Anregungen für das Motiv dürfte Heinrich Eduard Linde-Walther, der Bruder des Sammlers und Edvard-Munch-Förderers Max Linde, von Max Liebermann empfangen haben. Das Thema arbeitender Frauen beschäftigte Linde-Walther mehrfach: Bereits 1898 hatte er im Pariser Salon du Champ de Mars mit dem in Schwerin gemalten Bild »Wäscherinnen« (ehemals Sammlung Stern, Berlin, Verbleib unbekannt) reüssiert und war wegen und mit diesem Bild 1899 von Liebermann juryfrei zur ersten Ausstellung der neugegründeten Berliner Secession eingeladen worden. Dort zeigte er das Bild »Plätterinnen« erstmals im Jahr 1900 und erneut, allerdings im heutigen Zuschnitt, 1912. Vermutlich zur zweiten Ausstellung kürzte er das ursprüngliche Hochformat um das untere Drittel ein und signierte das Bild neu. Weitere Darstellungen desselben Themenkreises folgten nach 1900 unter anderem mit den Bildern »In der Tabakfabrik von Sevilla« (1906, Verbleib unbekannt), »Wäscherinnen in der Bretagne« (1912, Verbleib unbekannt) und »Beim Wäscheaufhängen« (Museum Charlottenburg, Kriegsverlust). | Regina Freyberger

Letzte Aktualisierung: 28.08.2026

Kontakt

Einrichtung:

Alte Nationalgalerie

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Tänzerin

Tänzerin

In der Ausstellung der Berliner Secession 1912 erzielte Kolbe seinen größten Erfolg: Er zeigte die Statue, die sein bekanntestes Werk werden sollte: die „Tänzerin“. Traditionell wird die Figur auf 1912 datiert; sie war jedoch schon 1911 in Arbeit. Nachdem die geplante Erwerbung durch das Städelsche Kunstinstitut in Frankfurt am Main gescheitert war, wurde in der Sachverständigenkommission der Nationalgalerie ein Ankauf erwogen. Benötigt wurde dafür die Zustimmung des Kaiserhauses. Ludwig Justi, der Direktor des Museums, argumentierte: „Die hier neu vorgeschlagene Figur der Tänzerin ist wohl das reizendste Werk, das Kolbe bisher gemacht hat. Prinz August Wilhelm meinte, daß S. M. gegen ihre Erwerbung nichts haben könne“ (Brief vom 8.8.1912, SMB-ZA, I/NG 465). Der Ankauf konnte 1912 getätigt werden; dabei wurde festgelegt, dass die Figur ein Unikat bleiben müsse. Sie wurde zu einem ikonischen Kunstwerk der Nationalgalerie. Die „Tänzerin“ erscheint auf den ersten Blick symmetrisch aufgebaut. Doch alle Körperteile sind leicht aus der geometrischen Anlage heraus verschoben und erwecken so den Eindruck von Lebendigkeit. Die Kunstkritik bejubelte „diesen in sanften Rhythmen schwebenden Jungmädchenkörper“ (Paul Westheim, in: Frankfurter Zeitung, 27.4.1912, Zeitungsausschnitt im Archiv Georg Kolbe Museum, Berlin). Verschiedene Legenden wurden über das Modell für die Statue erzählt; am überzeugendsten ist, dass es sich um Charlotte Kaprolat, die spätere Gattin von Max Pechstein, handelte. | Ursel Berger

Lustiges Jagen bei Roßbach

Lustiges Jagen bei Roßbach

Zwei Reiter der preußischen Kavallerie preschen mit gezücktem Degen hinter einem Paukenschläger der französischen Armee her, einem prächtig gekleideten Soldaten dunkler Hautfarbe, und treiben den Verzweifelten geradewegs auf den Betrachter zu. Der Reiz des Bildes liegt in der rasant inszenierten Dynamik. Gleichzeitig steht die Darstellung, wie die Wegbeschilderung im Hintergrund deutlich macht, in engem Zusammenhang mit der Schlacht bei Roßbach, bei der Friedrich der Große 1757 die französischen Truppen schlug. Noch bis weit ins 19. Jahrhundert hinein wurde das gesamtstrategisch wenig bedeutende Gefecht als Wendepunkt im Siebenjährigen Krieg gefeiert, stärkte es doch das deutsche Nationalbewußtsein entscheidend. Camphausens Komposition ist daher auch von einem durchaus aggressiven Nationalismus getragen, in dessen verzerrtes Feindbild das ›unheldenhafte‹ Verhalten des pompös ausstaffierten Franzosen paßt. | Regina Freyberger

Bildnis des Generals der Infanterie Graf von Werder

Bildnis des Generals der Infanterie Graf von Werder

General August Graf von Werder (1808–1887) befehligte im Deutsch-Französischen Krieg von 1870/71 die Belagerung der Festung Straßburg, die im September 1870 kapitulierte. Den großen Vorstoß der französischen Ostarmee gegen Belfort konnte er in der Schlacht an der Lisaine vom 15. bis 17. Januar 1871 abwehren. Auf diese beiden Ereignisse nehmen im Porträt das »Straßburg« betitelte Buch und der dargestellte Situationsplan von Belfort Bezug. Rechts oben ist das Wappen der 1879 geadelten Familie zu sehen.Der General ist als Ritter des Ordens Pour le Mérite der Kriegsklasse für die Bildnissammlung der Nationalgalerie gemalt. Eine Kopfstudie als Sepiafederzeichnung, damals im Besitz des Sohnes Hans Kolitz, befand sich auf der Gedächtnisausstellung in Kassel 1957 (Kat.-Nr. 185; Verbleib unbekannt). | Angelika Wesenberg

Ceres für Brunnen in Oppeln (Fragment)

Ceres für Brunnen in Oppeln (Fragment)

Die fragmentarisch erhaltene Plastik einer Frau mit Kind ist Teil einer lebensgroßen Standfigur für Gomanskys vielfiguren Ceres-Brunnen im polnischen Opole (Oppeln). An dem durch das preußische Kultusministerium im Jahr 1900 ausgeschriebenen Wettbewerb hatten sich 72 Bildhauer beteiligt, Gomansky kam mit seinem zunächst vorgestellten Sirenen-Brunnen in die nähere Auswahl von zehn Künstlern. Der endgültige Entwurf sah auf einem erhöhten, mit Weintrauben ornamentierten und einst von einem floralen Baldachin überfangenen Mittelpodest die Figur einer stehenden Ceres vor, der römischen Göttin der Fruchtbarkeit. Die jugendliche, in ein voluminös fallendes Gewand gekleidete Frau hält eine Spindel sowie ein Kind im Arm. Als Symbol tugendhaften Fleißes nimmt das Attribut der Spindel zusammen mit dem Säugling Bezug auf die heute wieder hergestellte Inschrift am Beckenrand: „Des Bürgers Treu mit Fleiß gepaart – ein Jungborn guter deutscher Art“. Der Ceres-Brunnen, der neben der Standfigur auch noch die drei lagernden Gestalten Proserpina, Neptun und Herkules von Gomansky zeigt, gilt als ein Hauptwerk des Bildhauers. Die mit 1,45 Meter im Inventar der Modell- und Abgusssammlung notierte Größe sowie der Hinweis auf die „Hauptfigur von einem Brunnen“ (SMB-ZA, I/NG 1022) deuten darauf hin, dass sich einst die vollständige Figur im Bestand der Nationalgalerie befand. | Yvette Deseyve

Louis Cassirer auf dem Totenbett

Louis Cassirer auf dem Totenbett

Das Totenbildnis zeigt Louis Cassirer, einen aus Breslau stammenden Unternehmer aus der weit verzweigten jüdischen Familie Cassirer, deren Mitglieder die deutsche Geistes-, Kultur- und Wirtschaftsgeschichte über Jahrzehnte hinweg wesentlich mitprägen sollten. Louis Cassirer war seit den 1880er Jahren in Berlin tätig und gehörte zu den Gründern der Kabelwerke Dr. Cassirer & Co. Mit seinen unternehmerischen Aktivitäten schuf er wichtige Grundlagen für den wirtschaftlichen Erfolg der nachfolgenden Generationen. Er war Vater von sechs Kindern, darunter der Kunsthändler Paul Cassirer sowie Else Cassirer, die später ihren Vetter Bruno Cassirer heiratete. Max Slevogt hielt den Verstorbenen unmittelbar nach seinem Tod in der Ölskizze fest. Lange galt das Gemälde irrtümlich als Bildnis von Julius Cassirer, dem Vater des Verlegers Bruno Cassirer. Eine Notiz in Slevogts privatem Bilderverzeichnis aus dem Jahr 1904, die das Werk als „Porträtskizze nach Cassirer auf dem Totenbette“ und mit dem Vermerk „an Frau Bruno Cassirer“ ausweist, ermöglichte eine neue Datierung und die korrekte Identifizierung (AK Porträts!, GG Berlin 2026, Kat. 33.2). | Josephine Klinger

Frauen aus Albano

Frauen aus Albano

Frühzeitig entwickelte Heinrich August Riedel, der in München studiert hatte, ein besonderes Interesse für kräftiges Kolorit und effektvolle Beleuchtung. Ab 1828 hielt er sich mehrfach in Italien auf, 1832 ließ er sich dauerhaft in Rom nieder. Ähnlich wie bei dem Schweizer Maler Léopold Robert gehörten volkstümliche Genreszenen, vor allem weibliche Figuren in italienischen Kostümen, zu seinen bevorzugten Motiven. Zwei junge Frauen, gekleidet in der Tracht der Bewohner Albanos, stehen im Abendlicht auf einer Gartenterrasse. Eine von ihnen reicht eine Rose über die Brüstung; vom Geliebten ist nur die empfangende Hand zu sehen. Die andere blickt sich um, als fürchte sie, überrascht zu werden. Riedel hat die kostbar wirkenden Stofflichkeiten der Tracht ins Licht gesetzt. Lokalfarben wie Lachsrot, Rosa, Gelb und Weiß entfalten ihre Leuchtkraft vor grünbraunem Blattwerk. Der Künstler war mit seinen Kompositionen erfolgreich, oft schuf er mehrere Fassungen. Eine frühere, leicht abweichende Version von 1836 befindet sich in der Hamburger Kunsthalle. Von C. Wildt ist eine Lithographie überliefert. Der Sammler Wagener besaß von Riedel neben diesem Werk außerdem das Gemälde »Badende Mädchen« (1841, Kriegsverlust), von dem aufgrund vielfacher Nachfrage ebenfalls Wiederholungen entstanden. | Birgit Verwiebe

Deutschordensritter als Krankenpfleger in Jerusalem

Deutschordensritter als Krankenpfleger in Jerusalem

Die in Westpreußen gelegene mittelalterliche Marienburg wurde zu Beginn des 19. Jahrhunderts zum nationalen Monument erklärt. Seit 1309 war die Burg Hauptsitz des 1190 gegründeten Deutschen Ritterordens gewesen. Im 15. Jahrhundert, mit der Schlacht bei Tannenberg, begann der Niedergang des Ordens, und die Burg verfiel. Ihre Restaurierung wurde ab 1815 durch Kronprinz Friedrich Wilhelm (IV.) nachdrücklich betrieben, Karl Friedrich Schinkel betreute von Berlin aus die Arbeiten. 1818 entstand der Plan zu farbigen Glasfenstern im Sommerremter, einem quadratischen Refektorium mit Mittelsäule im Hochmeisterpalast. Carl Wilhelm Kolbe und Karl Wilhelm Wach wurden mit Entwürfen betraut. Die Glasfenster mit Szenen aus der Geschichte des Deutschen Ordens sollten dessen historische Bedeutung für die Entwicklung Preußens veranschaulichen. Der Kronprinz übernahm die Finanzierung, ausgeführt wurden die Glasbilder von 1821 bis 1827 in Berlin von Heinrich Müller. Seit 1828 waren sie eine Zierde der Marienburg, 1944 fielen sie dem Krieg zum Opfer. Kolbe schuf für den Kronprinzen nach seinen Fenster-Entwürfen mehrere Ölgemälde (Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, Potsdam). Der Begründer der Nationalgalerie Joachim Heinrich Wilhelm Wagener erwarb ebenfalls zwei Ölfassungen: »Einzug des Hochmeisters Siegfried von Feuchtwangen mit seinen Rittern in die Marienburg« (Inv.-Nr. W.S. 117) und »Deutschordensritter als Krankenpfleger in Jerusalem«. Die letztgenannte Darstellung thematisiert die Gründungszeit des Ritterordens, der Ende des 12. Jahrhunderts aus einem Feldhospital vor der belagerten Hafenstadt Akkon hervorging. Kolbes Bild zeigt den Hochmeister Otto von Karpin, der, eine Fackel haltend, einen Verwundeten empfängt. Weitere Verletzte werden die Treppe hinauf ins Spital gebracht. Im Hintergrund orientalische, vom Mond beschienene Architektur. | Birgit Verwiebe

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten

Ruhe auf der Flucht nach Ägypten

Zwischen 1863 und 1867 weilte Albert Hertel zu Studienzwecken in Italien. In Rom schloß er sich Heinrich Franz-Dreber an und übernahm von ihm das genaue Studium der Natur, das seitdem die wichtigste Grundlage seiner Kunst war – auch wenn er die Landschaften seiner Bilder mit malerisch-dichterischen Ideen und Figuren aus der Mythologie oder christlichen Heilsgeschichte verband. Obgleich Hertel seit 1877 mit Gustave Courbet befreundet und zeit seines Lebens überzeugter Pleinairist war, beugte er sich in den monumentalen Auftragsarbeiten deutlich dem damaligen Kunstgeschmack und setzte auf effektvolle Kompositionen und Landschaften.Das biblische Bildthema der Ruhe auf der Flucht beschäftigte Hertel mehrfach, zuerst 1881 in deutlich kleinerem Breitformat (77 × 132 cm) für das Museum der Schlesischen Künste in Breslau. Hier wie dort verlegte Hertel die Szene in die südlichen Voralpen, wählte für Breslau allerdings eine deutlich idyllischere Landschaft mit Bach, schattenspendenden Bäumen und blühendem Oleander. Die spätere Komposition, zu der sich eine vorbereitende Federzeichnung in Privatbesitz erhalten hat (vgl. I. Hertel, Albert Hertel, Heidelberg 1981, S. 164, Nr. 94), wird dagegen von den in die Höhe ragenden Felsen dominiert. Eine Engelsgestalt am Abgrund ist mit dem weisenden Arm in Richtung Himmel gleichzeitig Heilsverkünder wie Schutzpatron. | Regina Freyberger

Wallfahrer an der Kapelle

Wallfahrer an der Kapelle

Mit Ludwig Knaus bereiste Hubert Salentin 1853 den Schwarzwald und studierte dort eingehend die Landbevölkerung, ihre Trachten und Physiognomien. Noch viele Jahre später griff er in seinen Genrebildern auf einzelne dieser Motive zurück. Auch das 1870 entstandene Bild »Wallfahrer an der Kapelle« dürfte aus verschiedenen dieser Studien zusammengesetzt sein. Entsprechend der künstlerischen Vorstellungen seines Lehrers Wilhelm Schadow an der Düsseldorfer Akademie ging es Salentin dabei weniger um ein realistisches als um ein idealisiertes Bild bäuerlichen Alltags: So wird die Frömmigkeit der einfachen Leute als erstrebenswertes Vorbild eines gottesfürchtigen Lebens vorgestellt. Die Trachtenelemente – mittig sieht man ein junges Mädchen mit dem im 19. Jahrhundert ikonisch gewordenen Schwarzwälder Bollenhut – bereichern als Lokalkolorit die Szene und bezeugen das seit dem frühen 19. Jahrhundert zunehmende Interesse am »heimischen Volkstum« (Adolf Rosenberg, Aus der Düsseldorfer Malerschule, Leipzig 1889, S. 38). | Regina Freyberger

Büßende Magdalena

Büßende Magdalena

Der »Legenda Aurea« zufolge lebte Maria Magdalena die letzten dreißig Jahre ihres Lebens als Büßerin in einer Höhle in Südfrankreich. Bei ihrer künstlerischen Darstellung entstand um 1630 der seither gebräuchliche Typus der Vanitas-Meditation: das Bild der reuigen Sünderin in einer Höhle bei Wasser und Brot, mit dem symbolischen Totenkopf in der Nähe und einem selbstgefertigten Kreuz in den Händen. Das von Natale Schiavoni in Venedig gemalte Bild knüpft an diese Tradition an, wobei auch bei ihm – wie häufig bei einschlägigen Themen der Barockzeit – der religiöse Inhalt hinter der Freude an der Darstellung der sparsam bekleideten Sünderin zurücktritt. Wegen seiner anmutigen Frauenbildnisse wurde Schiavoni auch »il pittore delle grazie« genannt (La Moda, 5. Jg., 1840, H. 4, S. 163). Der Sammler Wagener hatte 1853 Oberitalien bereist; möglicherweise fand bei dieser Gelegenheit der Ankauf des Bildes statt. Eine frühere Version war auf der Wiener Kunstausstellung 1832 zu sehen und gelangte ins Kunsthistorische Museum in Wien, eine weitere Fassung aus dem Spätwerk Schiavonis befand sich in der Sammlung Galvagni, Wien (vermutlich zuletzt versteigert bei Sotheby’s London, Auktion vom 31.10.1996, Los 142). | Angelika Wesenberg

Männliches Bildnis

Männliches Bildnis

Dieses Bildnis eines unbekannten Mannes stammt aus dem Nachlaß Jakob Philipp Hackerts und war ihm früher zugeschrieben worden, gilt inzwischen aber als das Werk eines Unbekannten. Es handelt sich um eine Kopie nach dem »Porträt eines jungen Mannes« von Johann Ulrich Mayr (1630–1704), das im 18. Jahrhundert für ein Werk Rembrandts gehalten wurde (Musée des Beaux-Arts, Orléans). Das Gemälde wurde von Nikolaus Mosmann radiert (vgl. Le siècle de Rembrandt, Ausst.-Kat., Paris 1970, Kat.-Nr. 17). | Claude Keisch

Erntefestzug (Kopie nach Karl Friedrich Schinkel)

Erntefestzug (Kopie nach Karl Friedrich Schinkel)

So großes Gewicht legte der Sammler Joachim Heinrich Wilhelm Wagener in den Jahren nach 1815 auf den Maler Karl Friedrich Schinkel, daß er auch Kopien von dessen nicht mehr erreichbaren Bildern – in diesem Fall bei Johann Friedrich Bonte – in Auftrag gab. Das Original »Erntefestzug« (Verbleib unbekannt) hatte Schinkel für den Staatskanzler und Fürsten Karl August von Hardenberg (1750–1822) gemalt, dessen Schloß und Kirche in Neuhardenberg (bis 1814 Quilitz) er bald darauf umbauen sollte. Morgenstimmung herrscht um das kolossale Standbild der Fortuna publica (auch Ceres genannt) und um die gewaltige Eiche, die allein, im Gegenlicht, die Mitte einnimmt. Der Hintergrund ist beherrscht von den lückenhaften Mauern einer Burgruine im rosigen Licht – dem in der Nähe Göttingens gelegenen Stammsitz der Freiherren von Hardenberg. Von dorther nähern sich Bauern in beschwingtem Schritt mit den Produkten ihrer Arbeit. Die Bildidee erschließt sich aber erst durch die an der Spitze des Zuges geführte Adlerstandarte mit den königlichen Initialen: Der Sieg über Napoleon und das Glück der Landleute sind gleichermaßen den preußischen Reformen zu verdanken, an deren Konzept und Durchsetzung Hardenberg nach dem Freiherrn vom Stein den Hauptanteil hatte und zu denen auch die Bauernbefreiung gehörte. | Claude Keisch

Februarmorgen (Die Furt)

Februarmorgen (Die Furt)

Der belgische Maler, auch Aquarellist und Pastellmaler Emile Claus erfuhr seine erste Ausbildung bis 1874 an der Kunstakademie in Antwerpen. In den nächsten fünfzehn Jahren folgte er verschiedenen Vorbildern, er schuf zahlreiche stimmungshafte Bilder, zumeist mit anekdotischen Szenen aus dem ländlichen Raum. Erst nach mehreren Aufenthalten in Paris ab 1889 und der Begegnung mit Henri Le Sidaner und den französischen Impressionisten fand Emile Claus zu seiner ganz eigenen, charakteristischen Malweise. Die Palette hellte sich entschieden auf, häufig erinnern seine Bilder sogar an Pastellmalerei. Claus wurde zum Begründer des belgischen Luminismus, einer Variante des Nachimpressionismus. Die Faktur mit den deutlich sichtbaren Pinselstrichen ist spätimpressionistisch, in der Wahl der Motive wie in der Vorliebe für deren mehrfache Wiederholung bei wechselndem Licht ist Emile Claus aber deutlich von Monet beeinflußt. Doch bleiben seine Darstellungen auch jetzt anekdotischer und realistischer, wie die vorliegende Landschaft mit dem Gänsemarsch zum Fluß Leie (Lys) zeigt.Emile Claus hatte sich 1883 in Astene, heute ein Stadtteil von Deinze, südwestlich von Gent niedergelassen. Bei Astene fand er die meisten seiner Motive. Die nüchterne, etwas harte Helligkeit vieler seiner Bilder paßt hier gut zur dargestellten Wintersonne. Zumeist ist das Bild »Februar« betitelt, auf der Internationalen Kunstausstellung in Dresden 1897 war es unter dem Titel »Novembermorgen« ausgestellt (Kat.-Nr. 95). »Sein Impressionismus ist freilich ein wenig Konvention, aber er sieht mit Maleraugen«, urteilte Hans Rosenhagen anläßlich einer Ausstellung bei Paul Cassirer in Berlin (Die Kunst für Alle, 18. Jg., 1903, H. 4, S. 94). Bilder von Emile Claus fanden kurzzeitig international Erfolg, er nahm sowohl an der Pariser Weltausstellung 1900 teil, aber auch häufig an den Ausstellungen der Münchner und der Berliner Secession. – Emile Claus hat nachdrücklich den Impressionismus in die flämische Malerei eingeführt. Auch als schon andere Stile führend geworden waren, gehörte er noch zu den geschätzten, modernen Malern Flanderns. | Angelika Wesenberg

Rückkehr von der Kirchweih

Rückkehr von der Kirchweih

In seiner späten Schaffensphase widmete sich Ferdinand Georg Waldmüller verstärkt Darstellungen ländlichen Volkslebens, gelegentlich mit sozialkritischer Aussage. Seine häufig aus dem Wiener Umland stammenden Modelle wie Dorfkinder, Mägde, Burschen und Bauern studierte er genauestens. In »Rückkehr von der Kirchweih« treffen Besucher eines Kirchweihfestes mit dem Reisewagen auf einem typisch niederösterreichischen Bauernhof ein. Während einige der Ankömmlinge noch im Begriff sind, aus der Kutsche zu steigen, spannt ein Knecht bereits die Pferde aus. Mitgebrachte Geschenke werden verteilt und bewundert. Im vom Sonnenlicht hell beleuchteten Zentrum des Bildes laufen drei blonde Kinder direkt auf den Betrachter zu und präsentieren ihre Lebkuchen. Besonderes Augenmerk richtet sich auf die Bauerntochter im Vordergrund rechts. Sie trägt einen Kranz Rosen im Haar und hat auf dem Fest offensichtlich von ihrem zukünftigen Ehemann ein rotes Tuch als Brautgeschenk erhalten. Stolz zeigt sie der Großmutter das Zeichen ihrer ehelichen Bestimmung. Die Freude der Auserkorenen, das Staunen der sie umringenden Kinder, von Magd und Knecht, hat der Künstler überzeugend zum Ausdruck gebracht. Die verschiedenen anekdotisch geschilderten, bewegungsreichen Szenen werden auf dem Dorfplatz wie auf einer Bühne zusammengeführt. Spannungsreich gliedert der Wechsel von grellen Sonnenpartien und langen Schatten das Geschehen und steigert die suggestive Wirkung der Komposition. | Birgit Verwiebe

Holländische Gesellschaft des 17. Jahrhunderts

Holländische Gesellschaft des 17. Jahrhunderts

Hendrik Leys, 1815 in Antwerpen geboren, orientierte sich hauptsächlich an holländischen Meistern des 17. Jahrhunderts wie Rembrandt, Pieter de Hooch und Gerard ter Borch. Mit seinen auf Farbwerte setzenden, dem Realismus verpflichteten Kompositionen wurde Leys zu einem der führenden Maler der modernen belgischen Kunst. In seinem Gemälde »Holländische Gesellschaft des 17. Jahrhunderts« ist ein reich ausgestatteter Innenraum zu sehen, in dem sich Männer und Frauen der wohlhabenden Oberschicht versammelt haben. Einer der Herren spielt Gitarre, ein Diener bringt eine Mahlzeit. Die größte Aufmerksamkeit gilt einer vor einem Spiegel stehenden Dame im weißen Seidenkleid. Die meisterhaft wiedergegebene kostbare Stofflichkeit läßt an Werke von Gerard ter Borch denken. Auf dem gekachelten Marmorfußboden liegt eine Weinranke. Funkelnde Gefäße und Spiegel geben Reflexe, spannungsreich hat Leys Hell-Dunkel-Kontraste zelebriert. Der Berliner Sammler Joachim Heinrich Wilhelm Wagener schätzte dessen Malerei, er besaß insgesamt drei Werke des Künstlers (W.S. 138–140; W.S. 139, »Dürer den Erasmus zeichnend«, zählt zu den Kriegsverlusten der Nationalgalerie, heute Eremitage, Sankt Petersburg). | Birgit Verwiebe