Ruhende russische Bäuerin

Tod und Mädchen

Koenigs kleinformatige Bronze „Tod und Mädchen“ spiegelt die komplexe Auseinandersetzung des Künstlers mit Grundthemen, zu denen Paarbeziehungen sowie die Vergänglichkeit zählten. Zwei abstrahiert dargestellte Figuren stehen eng beieinander auf einer quadratischen Plinthe. Links befindet sich eine Frau, deren langgezogene Gliedmaßen eine Linie bilden. Mit ihren kegelförmigen Armen versucht sie, ihren Körper zu verdecken, der jedoch von dem hinter ihr stehenden, skeletthaften Mann kraftvoll umfasst wird. Der darin personifizierte Tod reißt das Mädchen durch die Berührung ihrer Scham aus dem Leben. Ihre Gegenwehr und Angst äußern sich in der verschränkten Körperhaltung. In seiner Formensprache orientierte sich Koenig an Künstlern wie Alberto Giacometti und Wilhelm Lehmbruck. Von ihnen übernahm er das Stilmittel der überlangen Proportionen. Der Werktitel verweist auf ein seit dem 16. Jahrhundert immer wieder aufgegriffenes Motiv, das im Zusammenhang mit dem christlichen Bild vom Totentanz steht. Es thematisiert die komplexe Verbindung von Leben und Tod und zugleich den Kampf der Geschlechter. Dargestellt ist nicht nur die vergebliche Abwehr des Todes, sondern auch des männlichen Übergriffs, was das Ungleichgewicht zwischen den Geschlechtern verbildlicht. | Stefanie Meisgeier

Zwei V (Paolo und Francesca)

Die Bronze „Zwei V“ ist Teil einer umfassenden Werkreihe, die eine Weiterentwicklung von „Paolo und Francesca“ (1958; Standort/WVZ?) aus Koenigs Frühwerk darstellt.Auf einer langgezogenen Plinthe ruht ein Kubus, der als Sockel für eine instabil wirkende Konstruktion geometrischer Formen dient. Zwei Rundstäbe balancieren auf einer Kugel, an ihren Enden befindet sich jeweils eine Halbkugel. Diese sind so übereinandergelegt, dass sie sich beinahe vereinen. Das Material der Bronze ist in seiner Stabilität ein Gegenpol zu der fragilen Konstruktion. In reduzierter Formensprache stellt die Skulptur zwei Menschen dar, deren Bewegung ihnen eine besondere Dynamik verleiht. Koenig griff hier ein im 19. Jahrhundert beliebtes Thema aus dem „Inferno“ von Dante Alighieris „Göttlicher Komödie“ aus dem 14. Jahrhundert auf. Zudem inspirierte ihn eine Fotografie von Auguste Rodins Gruppe „Le Baiser“ (um 1882) zu dem Werk. Die Erzählung von Francesca da Rimini, die mit ihrem Schwager Paolo Ehebruch begangen haben soll und schließlich von ihrem Ehemann ermordet wurde, bearbeitete er in seiner Werkserie in drei Schritten: den Beginn der Liebe, die düstere Andeutung des Ausgangs ihrer Geschichte und schließlich das folgenschwere Ende. „Zwei V“ ist in die zweite Phase einzuordnen, denn es deutet die innige Verbindung der Liebenden an, die wie einander küssend auf einer Kugel balancieren. Diese ist jedoch bereits an den Rand der Plinthe gerollt und scheint kurz vor dem Sturz in den Abgrund. | Stefanie Meisgeier

Reklamefigur für den Reifenhersteller Pneumatik Harburg-Wien an der AVUS-Rennbahn, Berlin

Moden-Plastik, Modell B

Entwurf einer Tankstelle in Halle an der Saale

Wasserspiel für den Wintergarten im Haus Goldstein

Moden-Plastik, Modell D (Rock-Plastik „Lillian“)

Vor seinem Studium der Bildhauerei hatte sich Belling in einer Lehre zum Kunsthandwerker die Technik des Kaschierens angeeignet, bei der mehrere Lagen von Papier- oder Pappmaché durch Leim verbunden werden. Nach dem Krieg beauftragte die Erdmannsdorfer Büstenfabrik den Künstler mit dem Entwurf von Schaufensterfiguren als moderne Alternative zu den aus Wachs gefertigten, naturalistischen Puppen. Belling entwickelte ein vollkommen neuartiges Konzept, indem er die Körper stark abstrahierte, metallisch lackieren ließ und damit Stilelemente des Art déco vorwegnahm. Als „Konfektionsbüste für Schaustellungszwecke“ wurde seine erste Schöpfung im Oktober 1921 patentiert und im Dezember desselben Jahres als „Moden-Plastik“ im Berliner Hotel Esplanade der Öffentlichkeit vorgestellt. Die Figuren waren ein sensationeller Erfolg. Anschließend erweiterte Belling seine Produktpalette, sodass im Katalog der Erdmannsdorfer Büstenfabrik 1924 auch das dreiviertelhohe „Modell D“ zur Präsentation von Röcken und Miederwaren als „Rock-Plastik“ in zwei Ausführungen angeboten wurde: bronziert in mattem Goldton oder blattvergoldet. Der wie eine abstrakte Skulptur anmutende Körper verengt sich unterhalb der Hüften kegelfömig und ist mit dem runden Holzsockel über zwei pagodenartige Rundstufen mit aufgesetzter Kugel verbunden. So scheint die Figur elegant und fast schwerelos zu balancieren. Das Exemplar der Nationalgalerie zeigt auf dem konkav gewölbten oberen Abschluss in Schreibschrift den Namen „Lillian“. Bislang konnte nicht geklärt werden, ob er eine Modefirma oder eine Produktlinie bezeichnet und wann er aufgetragen wurde. | Dieter Scholz

Ohne Titel

Mit seinen zarten, biomorphen Liniengeflechten ist das 1945 entstandene, unbetitelte Aquarell typisch für die frühen Zeichnungen des Künstlers. Gleichzeitig weist die Strukturierung des Bildes durch parallel verlaufende vertikale Farbflächen bereits die malerischen Grundprinzipien von Newmans reifem Œuvre voraus. Die im vorliegenden Blatt noch ungenau erscheinenden schlierenhaften Farbfelder wandelten sich im Verlauf der weiteren Werkentwicklung zu monochromen Flächen, die durch dünne kontrastierende Farblinien unterbrochen werden. Diese „Zips“ setzte Newman nicht etwa zu einer Teilung des Bildformats, sondern zur Vereinheitlichung eines Farbfeldes ein. Bereits in den Jahren 1946 bis 1949 führte er in großformatigen Gemälden die Reduktion von Form und Farbe auf diese Weise ins Extrem und blieb jenem Stil bis zu seinem Tod treu (vgl. sein spätes Gemälde „Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue IV“, 1969/1970, NG 5/82). | Irina Hiebert Grun

No. 8 (Figures in Archaic Sea)

Ohne Titel

Icarus

Gefühlsflattern

Omen

Ohne Titel

Der Autodidakt Pousette-Dart gehörte zu den jüngsten Malern jener Strömung, die später als abstrakter Expressionismus bekannt wurde. 1937 war er nach New York gezogen, wo er bald als Assistent des Bildhauers Paul Manship arbeitete. Seine eigenen abstrahierenden Arbeiten dieser Zeit sind geprägt von starken Farben, organischen Formen und kultisch anmutenden Zeichen. Die Grundlage seiner Kompositionen bildet häufig ein schwarzes geometrisches Raster wie auf dem kleinformatigen Blatt „Ohne Titel“ (B UHP 135/13). Darin orientieren sich die dargestellten Formen und Farben an dem Netz, sie visualisieren Gefühle, Träume und Erinnerungen, womit sie, nach Pousette-Dart, weniger persönliche Erfahrungen zum Ausdruck bringen als vielmehr auf das Universelle und Kosmische verweisen. Auch der Kreis als Symbol des Himmlischen ist ein wiederkehrendes Moment in den Arbeiten des Künstlers. Auf der „Der Kreis“ benannten Gouache (B UHP 136/13) erscheinen gleich mehrere davon in verschiedenen Größen. Auch sie sind, ebenso wie die anderen organischen Strukturen, die das Bild bestimmen, in einem Gitternetz verankert. Pousette-Dart selbst sagte zu seinen Werken aus den 1940er-Jahren: „Ich versuche die spirituelle Natur des Universums auszudrücken. Malerei ist für mich Gleichgewicht der Kräfte und Vollständigkeit des Lebens. Sie ist geheimnisvoll und übersinnlich, jedoch greifbar und wirklich“ (zit. nach Richard Pousette-Dart, Ausst.-Kat., New York, 1947, o. S.). | Maike Steinkamp

Ohne Titel

Auf einer gold-beigefarbenen Fläche bilden schwarze Linien ein rasterförmiges Muster. Die dadurch entstehenden Kästchen sind mit verschiedenen Zeichen und Symbolen gefüllt: In der linken Bildecke befindet sich eine Kreisform, in der rechten ein stilisiertes Gesicht. Darüber hinaus integrierte Gottlieb verschiedene abstrakte Zeichen und Striche, die sich, je nach Abstand, zu unterschiedlichen Gebilden formen. Die Stärke des Tuscheauftrags variiert, sodass das Bild etwas Verschwommenes, Unkenntliches und Mysteriöses erhält. Das Bild ist ein Rätsel. Es regt dazu an, über das Gesehene nachzudenken, die Symbole zu entschlüsseln und einen eigenen Zugang zur Sphäre des Geheimnisvollen und Unergründlichen zu finden. Wesentlich beeinflusst wurde Gottlieb durch die Auseinandersetzung mit der Malerei von Paul Klee, der Kunst und Zeichensprache der indigenen Menschen Nordamerikas, dem Zen-Buddhismus und Carl Gustav Jungs Theorie vom kollektiven Unbewussten. Ab 1940 entstanden die sogenannten Pictographs, zu denen auch die vorliegende Arbeit gehört: Die vom Surrealismus inspirierten Raster sind ein Versuch, die Realität verschlüsselt auszudrücken. 1942 fand die erste Einzelausstellung mit Pictographs in der Artists Gallery, New York, statt. Gottlieb arbeitete bis ins Jahr 1951 an der Werkgruppe. | Eva Keller