Et les femmes volcaniques relèvent et agitent, d'un air menaçant, la partie postérieure de leur corps

Sainte femme dans une barque

Schifffahrt und Schiffbruch sind dramatische Themen, die in der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts immer wiederkehren. Stets ging es um die Begegnung von Marinemalerei und Historie, um einen Wendepunkt im gefahrvollen Geschehen, um die künstlerische Darstellung des kollektiven Dramas der extrem lebensbedrohlichen Situation auf dem Meere – und zugleich um die unterschiedlichen gestischen, mimischen und malerischen Möglichkeiten, Regung, Rührung, Apathie, Agonie, Ergriffenheit angesichts des drohenden Untergangs auszudrücken. Redon lässt alle Dramen hinter sich, zeigt die Errettung durch Beten als eine Macht des Glaubens oder allgemeiner: der Spiritualität, der individuellen Gefasstheit in todgeweihter Einsamkeit. Halluzinatorisch anmutendes Licht scheint am blauen Himmel auf, die kalten Blautöne verstärken den Eindruck von Verlorenheit in nächtlicher Stunde. Redon formuliert gleichwohl ein Paradox, das seiner eigenen Lebenshaltung entsprungen sein dürfte: Er zeigt Geborgenheit in Einsamkeit. | Bernhard Maaz

Apparition

1959/60 beschäftigte sich Thomkins verstärkt mit dem von ihm entwickelten Verfahren der Rollage. Diese von ihrem Charakter her als Monotypie zu bezeichnende Technik (es entsteht nur ein einziger Abdruck), die nicht mit dem gleichnamigen Collage-Verfahren der streifenförmigen Montage zerschnittener Bildvorlagen zu verwechseln ist, besteht darin, dass eine Gummiwalze mit einer Mischung aus Farbe und Leim bestrichen und anschließend auf ein Blatt Papier abgerollt wird. Der noch feuchte Abdruck wird dann sofort mit Spachteln und Hölzchen weiterbearbeitet. Auf diese Weise taucht in „Apparition“, dem Titel entsprechend, aus dem Dunkel der Farbfläche eine Figur auf – gekennzeichnet durch Kopf, Hände und Füße. Dadurch, dass die schwarze Farbe in dem Bereich, an dem der Rumpf der Figur anzunehmen wäre, dünn aufgetragen bzw. durchlässig ist, entsteht der ‘magische’ Eindruck eines Röntgenbildes. Auch stellen sich Assoziationen an das berühmte Turiner Leichentuch ein. Zudem spielt der Titel an auf parapsychologische Phänomene wie Toten- oder Geistererscheinungen, wie sie etwa auch Yves Tanguy interessiert hatten. | Andreas Schalhorn

Ohne Titel

Les fillettes de Poinas

Ohne Titel (La poupée)

Ohne Titel (Bern, Blick auf den Rosengarten)

Als Paul Klee im Juli 1897 in der Umgebung seiner Heimatstadt Bern einen bebauten Hang über der Aare zeichnete, war er 18 Jahre alt und hatte angefangen – wie er in seinem Tagebuch rückblickend bekannte –, sich „als Landschafter zu fühlen“. Nachdem er zunächst vor allem Kalenderblätter und Zeitschriftenillustrationen kopiert hatte, zeichnete er nun vermehrt nach der Natur. Die anfängliche Steifheit der Wiedergabe wich atmosphärischer Dichte und die Blätter gaben neben der Topografie auch Wetterlagen und Stimmungen anschaulich wieder. Die linear umrissenen Dreiecke, Quadrate und Rechtecke der Häuser und Türme sind eingebettet in weich schraffierte Hangwiesen und Bäume. Ein dramatisch dunkler Himmel lichtet sich zum Horizont, links unten bleibt der Fluss ausgespart, in die Bildecke gegenüber setzte der junge Zeichner schwungvoll seine Initialen. Die Zahl 294 fügte er im Februar 1911 hinzu, als er einen Katalog seiner Arbeiten anlegte und Werknummern vergab. | Dieter Scholz

La mort de Sapho

Sappho lebte im 7. Jahrhundert v. Chr. auf der griechischen Insel Lesbos. Sie gilt als die erste weibliche Dichterin. Der Legende nach stürzte sie sich unglücklicher Liebe zu Phaon wegen vom leukidischen Felsen. Gustave Moreau malte sie in mehreren Versionen und verwandelte die Gestalt in ein Bild poetischer Selbstverlorenheit und künstlerischer Isolation. In ein blutrotes, knöchellanges Gewand gehüllt, das die Gestalt umfließt, liegt die Dichterin am Gestade: zu schön, um tot zu sein, zu matt, um noch zu leben. Tod und Verklärung begegnen einander in dieser entrückten Szenerie. Der steil abfallende Fels sowie das verdüsterte, die untergehende und rot verschleierte Sonne nur mühsam spiegelnde Wasser ergeben im Verbund mit einem weißen Vogel eine schwermütige Landschaft. Ist es eine Möwe, wie man glaubt, und damit nur ein Vogel des Strandes, oder handelt es sich um einen Nacht- und Todesvogel, was ganz in der Tradition romantischer Motivwelten seit Caspar David Friedrich stünde? Moreau lässt das offen; er lässt vieles in seinen oft antikisierenden Werken ganz im Schwebend-Unbestimmten, was ihn zu einer Vaterfigur der Symbolisten wie der Surrealisten werden ließ. | Bernhard Maaz

Femme devant un buste à tiroirs

Die erotische Grundstimmung der Zeichnung entbehrt nicht einer bedrohlichen Spannung. Gerade vom Diwan aufgeschreckt, wendet sich eine Frau im Abendkleid der Schubladenbüste zu, gleichzeitig wird sie von hinten von knochigen Händen umschlungen. Das Sofa mit dem Körperabdruck ist ein Möbelentwurf aus Dalís Pariser Anfangszeit, als er zum Gelderwerb neue Design-Ideen entwickelte, darunter Möbel aus Bakelit, die nach dem Körperabdruck der Käufer geformt wurden. Dalí vereinte in dieser durchgearbeiteten Zeichnung mehrere Motive, die auch in anderen seiner Bildkontexte begegnen. Schubladen spielen eine bedeutende Rolle; er variierte das Motiv in Zeichnungen, Gemälden und Objekten, in denen Körper mit mehreren unterschiedlich weit geöffneten Schubladen vorkommen. In Anlehnung an die Psychoanalyse Sigmund Freuds stehen die geöffneten Schubladen für das Unbewusste, für Erinnerungen, versteckte Gefühle und unterdrückte Sexualität. Eine Zweitfassung der Bleistiftzeichnung in Tusche entstand im selben Jahr. | Silke Krohn

Ohne Titel

Mädchenkopf

Pour Madame Edwarda

Weib u. Tier

Eine weibliche Aktfigur, die wie eine Skulptur aus einem Steinblock herauswächst, lockt ein gazellenartiges Tier mit einer Blume. Das Tier erhebt sich auf den Hinterläufen und macht so ‘Männchen’. Laut Klee symbolisiert es „das Tier im Menschen (im Manne)“. Während in der ersten, im Juli 1903 entstandenen Fassung der Radierung ein geifernder Köter das Geschlecht einer hilflos gestikulierenden Frau beschnüffelt, ist das Verhältnis in der zweiten Fassung, die vom November 1904 datiert, ausgeglichener. Das Tier ist schlanker und mit einem Bockshorn ausgestattet, die Frau steht zwar abgewandt, doch wendet sie Kopf und Arm dem Tier zu. „In Beziehung auf die Psychologie der Handlung steht die Arbeit jetzt insofern höher“, erläuterte Klee seiner Verlobten Lily, „als das Weib sich nicht mehr passiv verhält, das heißt erschrickt, sondern seinen Trieb, zu coquettieren, auch im Moment der brutalen Entscheidung nicht lassen kann.“ Für den satirischen Kommentar auf das Verhältnis der Geschlechter zueinander verwendete Klee verschiedene Motive aus der Kunstgeschichte. Die Frauenfigur geht auf eine antike Statue des Praxiteles zurück, wobei Klee das Venus-pudica- Motiv des Verhüllens der Scham zu einem „Venus- Koketterie-Motiv“ (Gregor Wedekind) des Enthüllens macht. Die sexuell aufgeladene Beziehung zwischen Frau und Tier ist der Grafik des 19. Jahrhunderts entlehnt und begegnet dort unter anderem bei Max Klinger und Félicien Rops. Der zeichnerische Stil, den Klee 1919 rückblickend als „gotisch-klassisch“ bezeichnete, verweist auf die Grafik des 15. Jahrhunderts, vermittelt durch den Einfluss Ferdinand Hodlers, was insbesondere die monumentale Isolierung der Figuren vor dem schwarzen Aquatinta-Hintergrund betrifft. Klee nutzt die groteske bis hässliche Abweichung von der klassischen Form, um die Fragwürdigkeit gesellschaftlicher Ideal- und Rollenbilder wie etwa der reinen und keuschen Frau oder des Edelmannes zu demonstrieren. Die zweite Fassung der Darstellung nahm Klee als Nummer 1 in seinen elf Radierungen umfassenden Zyklus „Inventionen“ auf, mit dem er sich als Grafiker etablieren wollte. | Dieter Scholz

Modemadonna

Abgegriffen und zerknittert, erscheint die „Mode-Madonna“ auf den ersten Blick wie ein oft betrachtetes und berührtes Ikonenbildchen. Bei genauerem Hinsehen entpuppt sie sich jedoch als eine der „Merz“zeichnungen Kurt Schwitters. Eine schwarz-weiße gedruckte Mariendarstellung hat der Künstler auf ein farbiges Etikett geklebt. Nachträglich hinzufügte Rillen bilden – einem Heiligenschein gleich – einen Halbkreis um den Kopf der Muttergottes. Unter ihr lassen sich die Worte „Manoli“ und „Diva“ entziffern, die sich unten im Rahmen wiederholen. Kurt Schwitters war selbst in der Werbung tätig und schätzte die wechselseitige Einflussnahme von Kunst und Reklame. Daher verwendete er kaum zufällig ein Zigarettenetikett der Marke „Diva“ der Berliner Firma Manoli, welche in ihrer Reklame das Bild der mondänen Frau prägte. Schwitters spielt hier auf das Rollenverständnis der Frau der 1920er Jahre zwischen Modernität und Mütterlichkeit an. Die Frauen konnten nun der Passivität entfliehen, seit 1919 durften sie wählen und sich an der Universität habilitieren. Erstmals rauchten Frauen. Besonders in Berlin zeigte sich die neue Freiheit auch in der Mode: Bubikopf, Hosen und vor allem die Zigarettenspitze waren Kennzeichen der weiblichen Emanzipation, die gerade erst begonnen hatte. Die Geburtenrate hingegen war stark rückläufig, daher wählte Schwitters für seine Ikone eine Maria ohne Jesuskind. Das Blatt stammt aus dem Besitz von Hannah Höch, der einzigen Frau unter den Berliner Dadaisten, mit der Kurt Schwitters eng befreundet war und deren poetisch-skurrile Collagen seiner eigenen Arbeit sehr nahestehen. | Silke Krohn

bebende Kapelle

Im Herbst 1924 reiste Klee über Genua und Neapel nach Sizilien und machte auf der Rückreise in Rom und Mailand Station. Im Rahmen dieser Reise besichtigte er zahlreiche Hinterlassenschaften der Antike ebenso wie die wichtigsten Zeugnisse der christlichen Baukultur. Die dominierende Stellung der katholischen Kirche wurde in vergleichender Perspektive stark relativiert. Der Spannung zwischen den religiösen Systemen verlieh Klee Ausdruck in der Darstellung einer Kapelle, die sich unter dem Ansturm zweier bedrängender Kräfte angstvoll krümmt. Von links drängt eine archaische, mit einem Doppelauge im Profil gezeigte, dynamisch ausschreitende Gestalt mit einem Pfeil heran, der auf das Dach der Kapelle zielt. Von rechts naht ein Geschoss, das ebenso eine Samenkapsel wie ein außerirdisches Flugobjekt sein könnte. Sein spitzer Stachel richtet sich auf das Turmkreuz der Kapelle. Beide Angreifer sind in der Bewegungsrichtung von einem energetischen Rot umglüht. Das starre theologische Gebäude erbebt unter dem Ansturm der Kräfte aus Natur und Leben. Stark bewegt ist auch der farbige Aquarellgrund, auf den Klee das Blatt mit der gezeichneten Komposition legte und das auf der Rückseite eingeschwärzte Motiv durchpauste. Das „Ölfarbezeichnung“ genannte Verfahren hatte Klee bereits zu Beginn des Jahres 1919 entwickelt. | Dieter Scholz

Disparate Puntual

Die zwischen 1815 und 1824 entstandenen Radierungen der „Disparates“ ( Torheiten) bilden den letzten Zyklus Francisco de Goyas. 1819 hatte Goya sich aufgrund der anhaltenden politischen Unruhen zwischen Monarchisten und Liberalen in sein Landhaus zurückgezogen und seine berühmten „Pinturas negras“ (Schwarze Bilder) auf die Wände seines Hauses gemalt. In ihnen zeigt er seine düstere Fantasie, die bedrückenden Zeitumstände und die verdorbenen Menschen ohne Moral. Zeitgleich dazu entstanden die Darstellungen der menschlichen Torheiten, in denen sich diese pessimistische Weltansicht und Hoffnungslosigkeit widerspiegeln. Zu seinen Lebzeiten wurden lediglich Probedrucke dieser Blätter angefertigt, erst 1864 wurden die Radierungen unter dem Titel „Los proverbios“ (Die Redensarten) erstmals veröffentlicht. Da die Darstellungen weit über Kommentar oder Sprichwort hinausgehen, ist die Folge heute unter dem Titel „Disparates“ bekannt, einem Titel, den Goya auch auf einigen seiner Probedrucke selbst vermerkt hatte. Sie gehören zu den rätselhaftesten, am schwierigsten zu deutenden Werken des Künstlers. Goya scheint mit dieser Folge der surrealistischen Kunst des 20. Jahrhunderts näher zu sein als seiner eigenen Epoche. In dem Blatt „Präzise Torheit“ bildet der Zirkus den Schauplatz einer eigenartigen Szene: Die hell hervorgehobene Artistin balanciert auf dem Rücken eines Pferdes, das seinerseits auf einem Seil steht. Dabei bleibt unklar, ob die Hufen des Pferdes bereits den Boden berühren. Das Publlikum im Dunkeln verfolgt die Darbietung mit geschlossenen Augen, möglicherweise schläft es sogar. Handelt es sich um eine Satire über die Leichtgläubigkeit des Volkes? Oder illustriert der Balanceakt das Gleichgewicht zwischen Leidenschaften und weiblicher Tugend? | Melanie Wilken