Carceri d´invenzione: Porta ciclopica sormontata da ruota

Carceri d'Invenzione: Arcata ornata da conchiglia

Die 16 Blätter umfassende Folge der Carceri D’Invenzione Di G. Battista Piranesi Archit[etto] Vene[ziano] gehört zu den be-rühmtesten Werken Giovanni Battista Pira-nesis. In Venedig geboren und zum Archi-tekten ausgebildet, wechselte der Künstler bald das Fach und den Ort: Das Bauen auf Papier, die Inszenierung von Veduten, das Erfinden gänzlich imaginärer, fantastischer Raumwelten, aber auch die archäologische Recherche sowie die theoretische, historische und technische Reflexion über die Baukunst nahmen sein ganzes Schaffen in Rom ein, wo er sich 1747 als Zeichner, Radierer und Schrift-steller niederließ. Der Titel Carceri D’Invenzione bleibt rätselhaft. Geht es um ›erfundene Gefäng-nisse‹ oder um ›Gefängnisse der Fantasie‹? Das Wortspiel umfasst die Auslotung der Be-dingungen der Vorstellungskraft und zugleich die Möglichkeit ihrer Entgrenzung. Faktisch rekurrieren die unwirklichen Darstellungen auf Bilder eines der wenigen Gesellschaftsbe-reiche, in denen Karzer architekturen eine tragende Rolle spielten: der Theater- und Opernbühne. Während die Erstauflage der Carceri (in 14 Blättern erschienen 1749/50) noch mit weniger Bildinventar, leichterem Linienspiel und helleren Flächen von der ve-nezianischen Art eines Canaletto oder Giovanni Battista Tiepolo geprägt ist, füllen, verdunkeln und verschachteln sich die Bilder in der Edition von 1761. Die Folge gilt traditionell – besonders bei den Dichtern und Denkern des Surrealis-mus – als Vorbote einer antiklassischen, psy-chisch unterlegten und bildformal innovativen Moderne. |Heinrich Schulze

Carceri d'Invenzione: Strumenti di tortura

Die 16 Blätter umfassende Folge der Carceri D’Invenzione Di G. Battista Piranesi Archit[etto] Vene[ziano] gehört zu den be-rühmtesten Werken Giovanni Battista Pira-nesis. In Venedig geboren und zum Archi-tekten ausgebildet, wechselte der Künstler bald das Fach und den Ort: Das Bauen auf Papier, die Inszenierung von Veduten, das Erfinden gänzlich imaginärer, fantastischer Raumwelten, aber auch die archäologische Recherche sowie die theoretische, historische und technische Reflexion über die Baukunst nahmen sein ganzes Schaffen in Rom ein, wo er sich 1747 als Zeichner, Radierer und Schrift-steller niederließ. Der Titel Carceri D’Invenzione bleibt rätselhaft. Geht es um ›erfundene Gefäng-nisse‹ oder um ›Gefängnisse der Fantasie‹? Das Wortspiel umfasst die Auslotung der Be-dingungen der Vorstellungskraft und zugleich die Möglichkeit ihrer Entgrenzung. Faktisch rekurrieren die unwirklichen Darstellungen auf Bilder eines der wenigen Gesellschaftsbe-reiche, in denen Karzer architekturen eine tragende Rolle spielten: der Theater- und Opernbühne. Während die Erstauflage der Carceri (in 14 Blättern erschienen 1749/50) noch mit weniger Bildinventar, leichterem Linienspiel und helleren Flächen von der ve-nezianischen Art eines Canaletto oder Giovanni Battista Tiepolo geprägt ist, füllen, verdunkeln und verschachteln sich die Bilder in der Edition von 1761. Die Folge gilt traditionell – besonders bei den Dichtern und Denkern des Surrealis-mus – als Vorbote einer antiklassischen, psy-chisch unterlegten und bildformal innovativen Moderne. |Heinrich Schulze

Carceri d'Invenzione: Gruppo di prigionieri sotto un grande arco

Die 16 Blätter umfassende Folge der Carceri D’Invenzione Di G. Battista Piranesi Archit[etto] Vene[ziano] gehört zu den be-rühmtesten Werken Giovanni Battista Pira-nesis. In Venedig geboren und zum Archi-tekten ausgebildet, wechselte der Künstler bald das Fach und den Ort: Das Bauen auf Papier, die Inszenierung von Veduten, das Erfinden gänzlich imaginärer, fantastischer Raumwelten, aber auch die archäologische Recherche sowie die theoretische, historische und technische Reflexion über die Baukunst nahmen sein ganzes Schaffen in Rom ein, wo er sich 1747 als Zeichner, Radierer und Schrift-steller niederließ. Der Titel Carceri D’Invenzione bleibt rätselhaft. Geht es um ›erfundene Gefäng-nisse‹ oder um ›Gefängnisse der Fantasie‹? Das Wortspiel umfasst die Auslotung der Be-dingungen der Vorstellungskraft und zugleich die Möglichkeit ihrer Entgrenzung. Faktisch rekurrieren die unwirklichen Darstellungen auf Bilder eines der wenigen Gesellschaftsbe-reiche, in denen Karzer architekturen eine tragende Rolle spielten: der Theater- und Opernbühne. Während die Erstauflage der Carceri (in 14 Blättern erschienen 1749/50) noch mit weniger Bildinventar, leichterem Linienspiel und helleren Flächen von der ve-nezianischen Art eines Canaletto oder Giovanni Battista Tiepolo geprägt ist, füllen, verdunkeln und verschachteln sich die Bilder in der Edition von 1761. Die Folge gilt traditionell – besonders bei den Dichtern und Denkern des Surrealis-mus – als Vorbote einer antiklassischen, psy-chisch unterlegten und bildformal innovativen Moderne. |Heinrich Schulze

Carceri d´invenzione: Pilastro con catene e due busti nelle nicchie

Die 16 Blätter umfassende Folge der Carceri D’Invenzione Di G. Battista Piranesi Archit[etto] Vene[ziano] gehört zu den be-rühmtesten Werken Giovanni Battista Pira-nesis. In Venedig geboren und zum Archi-tekten ausgebildet, wechselte der Künstler bald das Fach und den Ort: Das Bauen auf Papier, die Inszenierung von Veduten, das Erfinden gänzlich imaginärer, fantastischer Raumwelten, aber auch die archäologische Recherche sowie die theoretische, historische und technische Reflexion über die Baukunst nahmen sein ganzes Schaffen in Rom ein, wo er sich 1747 als Zeichner, Radierer und Schrift-steller niederließ. Der Titel Carceri D’Invenzione bleibt rätselhaft. Geht es um ›erfundene Gefäng-nisse‹ oder um ›Gefängnisse der Fantasie‹? Das Wortspiel umfasst die Auslotung der Be-dingungen der Vorstellungskraft und zugleich die Möglichkeit ihrer Entgrenzung. Faktisch rekurrieren die unwirklichen Darstellungen auf Bilder eines der wenigen Gesellschaftsbe-reiche, in denen Karzer architekturen eine tragende Rolle spielten: der Theater- und Opernbühne. Während die Erstauflage der Carceri (in 14 Blättern erschienen 1749/50) noch mit weniger Bildinventar, leichterem Linienspiel und helleren Flächen von der ve-nezianischen Art eines Canaletto oder Giovanni Battista Tiepolo geprägt ist, füllen, verdunkeln und verschachteln sich die Bilder in der Edition von 1761. Die Folge gilt traditionell – besonders bei den Dichtern und Denkern des Surrealis-mus – als Vorbote einer antiklassischen, psy-chisch unterlegten und bildformal innovativen Moderne. |Heinrich Schulze

Carceri d'Invenzione: Scale, arcate e capriate

Die 16 Blätter umfassende Folge der Carceri D’Invenzione Di G. Battista Piranesi Archit[etto] Vene[ziano] gehört zu den be-rühmtesten Werken Giovanni Battista Pira-nesis. In Venedig geboren und zum Archi-tekten ausgebildet, wechselte der Künstler bald das Fach und den Ort: Das Bauen auf Papier, die Inszenierung von Veduten, das Erfinden gänzlich imaginärer, fantastischer Raumwelten, aber auch die archäologische Recherche sowie die theoretische, historische und technische Reflexion über die Baukunst nahmen sein ganzes Schaffen in Rom ein, wo er sich 1747 als Zeichner, Radierer und Schrift-steller niederließ. Der Titel Carceri D’Invenzione bleibt rätselhaft. Geht es um ›erfundene Gefäng-nisse‹ oder um ›Gefängnisse der Fantasie‹? Das Wortspiel umfasst die Auslotung der Be-dingungen der Vorstellungskraft und zugleich die Möglichkeit ihrer Entgrenzung. Faktisch rekurrieren die unwirklichen Darstellungen auf Bilder eines der wenigen Gesellschaftsbe-reiche, in denen Karzer architekturen eine tragende Rolle spielten: der Theater- und Opernbühne. Während die Erstauflage der Carceri (in 14 Blättern erschienen 1749/50) noch mit weniger Bildinventar, leichterem Linienspiel und helleren Flächen von der ve-nezianischen Art eines Canaletto oder Giovanni Battista Tiepolo geprägt ist, füllen, verdunkeln und verschachteln sich die Bilder in der Edition von 1761. Die Folge gilt traditionell – besonders bei den Dichtern und Denkern des Surrealis-mus – als Vorbote einer antiklassischen, psy-chisch unterlegten und bildformal innovativen Moderne. |Heinrich Schulze

Erotique voilée

In einer Fotofolge ließ Man Ray im Winter 1933/34 die gerade 20 Jahre alte Künstlerin Meret Oppenheim zusammen mit dem mit einem falschen Bart verkleideten Maler und Grafiker Louis Marcoussis ein ritualisiertes Schauspiel der Fesselung, Beschmutzung und Reinigung an dessen Druckerpresse aufführen. In der berühmtesten Aufnahme der Serie aber steht Meret Oppenheim ganz allein und vollständig entblößt hinter dem großen Schwungrad der Presse, deren gekurvte Speichen ihre Brust und Scham verdecken und zugleich betonen. Die Reproduktionsmaschine mit ihren gusseisernen Bögen und den Bedrohung andeutenden Zahnrädern ist als klassisches Modell einer Junggesellenmaschine eingeführt; sie zwingt die Frau in ihr unerbittliches Mahlwerk. Ein Rätsel bleibt: Verfolgen wir hier, wie es die niedergeschlagenen Augenlider von Meret Oppenheim andeuten, einen Traum oder verlassen wir uns auf die von Man Ray beschworene Kraft und Autorität der Fotografie, die »dem in jedem wirklich lebendigen und fühlenden Menschen existierenden Geist der Revolte seine künstlerische, dauerhafte Stimme« verleiht? | Lutz Derenthal

Ein Genist aus Schweigen

Diese Darstellung, mit der Altenbourg wiederum das Kopfmotiv aufgegriffen hat, steht in einer langen Reihe von Köpfen, die 1985 zuvor und auch danach entstanden, sich jedoch in keinem Fall auf das Bildnis einer konkreten Person beziehen. Vielmehr werden mentale Befindlichkeiten, wird Meditatives aufgerufen, wie etwa hier, bei dem „Genist aus Schweigen“, bei dem der Künstler seine zeichnerischen Mittel mit äußerster Reduktion eingesetzt hat. Die mit der Pitt-Kreide erzielte, samtschwarze Flächigkeit der linken Gesichtshälfte kontrastiert mit der offenen Gesichtsfläche rechts, in die ganz sparsam lediglich die Sinnesorgane eingetragen sind. Anders als bei dem „Schreienden“ von 1949 (SSG 1) ist der Mund kaum wahrnehmbar, sind die Sinne nach innen gekehrt. Die frühen, in der Folge des Kriegserlebnisses entstandenen Zeichnungen mit ihrem virulenten Geschehen und den dichten Strukturen bezeichnete Altenbourg als „Gefechtsfelder". Sein „Schreiender“ ist verletzt und empört. Jetzt, mehr als drei Jahrzehnte später – vier Jahre vor dem Tod des Künstlers –, ist seine Sprache immer sublimer geworden. Seine Lebenserfahrung mit den fortwährenden Verletzungen und Demütigungen von Seiten der offiziellen Kulturbehörden der DDR haben ihn zu einem völligen Rückzug auf sich selbst bewogen. Seinem Naturell und der Verantwortung für seine Kunst gemäß hätte er aber wohl auch in einem anderen Gesellschaftssystem ein Leben in Zurückgezogenheit geführt. Das Schweigen hat einen hohen Stellenwert in vielen Religionen, besonders in der christlichen Mystik und im „Schweigen Buddhas“. Immer ist es mit dem Streben nach Konzentration, Reinheit und Wesentlichkeit verbunden, was auch für die Darstellungen des tiefreligiösen Altenbourg zutrifft. Das Genist aus Schweigen spielt im Titel vermutlich auf den Nestbau in der Vogelwelt an. Der lockere, nicht fest zu umreißende Aufbau solcher ‘Geniste’ kam dabei wohl seiner Vorliebe für das Ungefähre, nicht konkret Greifbare der Erscheinungswelt entgegen. | Anita Beloubek-Hammer

Narcisse fossile

„Wenn dieser Kopf zerspringt /wenn dieser Kopf zerplatzt /wenn dieser Kopf aufbricht /wird er zur Blume werden /ein neuer Narziß“ – diese letzten Zeilen eines Gedichtes, das Dalí 1937 verfasste, könnten das vorliegende Blatt aus demselben Jahr beschreiben. Über die runde Form des Gegenstandes in der Hand im Vordergrund und den Totenkopf wird diagonal der Bezug zur versteinerten Hand mit Samen hergestellt. Für Dalí, der sich intensiv mit der Psychoanalyse beschäftigt hatte, war das Thema des Narzissmus – übertriebene Selbsteinschätzung und der große Wunsch nach Bewunderung – von besonderer Bedeutung. Die Studie ist im Zusammenhang mit dem Gemälde „Metamorphose des Narziß“ (1937) entstanden, das erste, das ganz und gar durch die Anwendung der paranoisch-kritischen Methode geschaffen wurde. Das Werk zeigt, wie im Mythos geschildert, den sich im Wasser betrachtenden Narziss, nur dass dieser mit einer versteinerten Hand dargestellt ist, die zwischen Daumen und Zeigefinger ein Ei hält, aus dem eine Narzisse wächst. Die Verdoppelung des Ichs scheint bei Dalí auch eine Auseinandersetzung mit seinem Trauma, der Ersatz des neun Monate vor seiner eigenen Geburt verstorbenen Bruders zu sein, dessen Vornamen er trug. Nach Ovids „Metamorphosen“ wurde Narziss, weil er die Liebe Echos nicht erwiderte, von Nemesis verflucht, sein eigenes Spiegelbild unstillbar zu lieben. Als der See, in dessen Oberfläche er sich spiegelte, durch ein hinabfallendes Blatt in Bewegung geriet, glaubte der sein nun verzerrtes Antlitz betrachtende Narziss, er sei hässlich geworden,und starb. Nach seinem Tode wurde er in eine Narzisse verwandelt. Das Gemälde wie das Gedicht Dalís verweisen auf den Kreislauf von Tod, Auflösung und Wiedergeburt, der in der Zeichnung durch den diagonalen Aufbau ebenfalls angedeutet wird. | Silke Krohn

La famille de Quasimodo

Sein frühes Interesse für die moderne Kunst veranlasst Christian d’Orgeix 1946, nach Paris zu ziehen, dort entdeckt er die Werke der Surrealisten, insbesondere die von Max Ernst, Francis Picabia und WOLS. Sicher ist es der Kontakt zu den Surrealisten, der ihn dazu führt, aus automatischem Zeichnen und Malen seine Werke zu entwickeln. In seinem Œuvre verdichten sich frei schwebende Linien immer wieder zu figürlichen Formationen, indem sie in Astlöcher münden, in haarige oder spinnwebenartige Verspannungen austreiben oder Knochen, Gelenke oder Muskelpartien umschreiben. Anthropomorphe Erscheinungen wie in „La famille de Quasimodo“ (Quasimodos Familie) sind ein durchgängiges Motiv. Hier wird das missgestaltete Gesicht eines Geschöpfs schemenhaft von weiteren Köpfen umgeben, von rechts schiebt sich horizontal ein Frauenkörper hinein und verbindet sich mit dessen Körper. Der Titel spielt auf die gleichnamige literarische Figur aus Victor Hugos „Nôtre-Dame de Paris“ (Der Glöckner von Notre-Dame, 1831) an. Er bindet das albtraumartige Geschöpf an die literarische Gestalt, hinter deren körperliche Deformation sich ein schlichtes, aber gutherziges Gemüt verbirgt. Quasimodo, einst ein Findelkind, das vom Domprobst der Kathedrale aufgezogen wurde, wird wegen seiner Häßlichkeit von den Menschen verabscheut. In einem Interview sagte d'Orgeix: „Ich bin für die Gnade, ich bin für die Unordnung, ich bin für alles, was die Leute nicht mögen.“ | Melanie Franke

Ohne Titel

Diese feine Federzeichnung auf grünem Papier ist eine Art surrealistisches Pendant zu Albrecht Dürers Rasenstück. Genau beobachtete, präzise Formen, die jedoch außerhalb der künstlerischen Vorstellungswelt keine sachlich eindeutig identifizierbare Entsprechung finden, wäre da nicht der Kopffüßler – ein Wesen ohne Rumpf, dessen Kopf gleich auf den Füßen steht –, der im Profil mit geschlossenen Augen etwas rechts vom Bildmittelpunkt das Geschehen um sich herum zu träumen scheint. Geht er im Durcheinander unter? Vielleicht nicht, denn die Komposition besitzt Struktur durch eine horizontale Achse, an der entlang vertikal vegetabile und einige ansatzweise gegenständliche Elemente gruppiert sind. Kurze Striche und Punkte rhythmisieren das Geschehen, in dem immer wieder lesbare Zeichen erkennbar werden wie etwa Häuser oder Kleidung. Es geht etwas eminent Organisches von den hier festgehaltenen Gebilden aus, in der linken oberen Ecke recken sich handähnliche Formen um eine Art Trommel, hinter dem Kopf mit den geschlossenen Augen ersteht ein skulptural anmutendes Gebilde. „Sehen heißt, die Augen schließen“ ein Leitsatz WOLS’, der auch aus diesem Werk zu sprechen scheint. | Kristina Lowis

Formen

Schon während Bellmers Gefangenschaft im Internierungslager Les Milles bei Aix-en-Provence ab September 1939 und besonders während seiner rastlosen Reisen in den letzten Kriegsjahren durch den Süden Frankreichs taucht verstärkt das Motiv der Ziegelmauer auf. Die Mauer wird zum Symbol der Enge, wie sie Bellmer in der Gefangenschaft empfunden haben muss. Als Raumbeschreibung ist sie oft mit Durchbrüchen, die ins Nichts führen, versehen oder formt sich zum Körperpanzer. In „Formes“ beschreibt der Mauerverband einen gleichmäßig strukturierten, ebenmäßig braun-grauen Bildraum, der in seiner Geschlossenheit Bedrängnis schafft. In ihm sind zwei abstrakte Formen zentral platziert: Die hintere Form ist größer und erinnert in ihrer ausladenden, fließend-organischen Formation an das Verfahren der Décalcomanie. Nur wenige Stellen wurden mit Deckweiß gehöht, sie wirken wie Tropfen von zuviel Farbe, die stehen geblieben sind. Kontrastierend dazu befindet sich im Vordergrund ein von Löchern zerfressener, kantig-geometrischer Körper, welcher zu Teilen in plissierten Kegeln ausläuft. Die bei Bellmer immer wiederkehrenden Motive „Wurmstich“ und „Plissee“ ermöglichen Blicke auf das Innere, das sich im Zustand der Auflösung zu befinden scheint. Ohne anthropomorph zu gestalten, kehrt Bellmer das traditionelle Bild vom Weiblichen und Männlichen um, die organisch-weibliche Form dominiert deutlich den männlich-geometrischen Körper. | Melanie Franke/Nadine Ott

Kassandra

Das Bewusstsein eines sich unaufhaltsam nähernden Unheils prägte das gesamte Werk Richard Oelzes. Von 1933 bis 1936 lebte der deutsche Künstler in Paris, wo er einen lockeren Kontakt zu den Surrealisten pflegte und auch an einigen ihrer Ausstellungen teilnahm. In Paris entstand auch eine Serie von Frauengestalten aus Literatur und Mythologie, die in pflanzliche Formen übergehen. In der Metamorphose begriffen, ist der Blick der trojanischen Seherin Kassandra am Betrachter vorbei in die Ferne gerichtet. Das starre Gesicht steht im Gegensatz zu den wuchernden Pflanzenformen. Die mattroten, filigranen Pflanzen über den angedeuteten Armen, die in der Geste des Nichthandelns verharren, betonen den großen, schweigenden Mund. Die schöne Kassandra war von Apoll mit der Gabe der Weissagung bedacht und später, als sie sein Liebeswerben zurückwies, verflucht worden, auf dass niemand ihre warnenden Rufe erhöre. Der sensible Umgang mit Farbe sollte bezeichnend für Oelzes weiteres Werk werden. Aus dem dunklen Grund des Kartons wurden die Formen mit weißer Kreide herausgearbeitet. Die Verschmelzungen unterstreichen die Verwandlung. Die Figur ist im Bild isoliert und aus dem Kontext der Mythologie herausgelöst, dennoch ist das Unheil, das sie erkennen kann, spürbar. | Silke Krohn

Le gué avec petits cavaliers

Für Nichts!

Man mag bei dem von Kubin verehrten Francisco de Goya kein unmittelbares Vorbildmotiv finden, gleichwohl erinnert das Blatt „Für Nichts!“ an dessen „Desastres“, in denen Folterszenen unter anderem das Erhängen, Ziehen und Quetschen von Menschen zeigen. In der bis 1904 häufig verwendeten Spritztechnik zeichnet Kubin eine in ein dämmriges Licht getauchte, bodenlose menschliche Erfahrung – die eines bis zum Zerreißen Gequältseins. Das von glühendem Schmerz bis in die Formlosigkeit verzerrte Gesicht des Gepeinigten und die gegen den Himmel gerichtete, offene Mundhöhle erinnern an Vergils Beschreibung der Todesangst des Laokoon: „Noch zu den Sternen erhebt er den Wehruf, schauerlich gellend / Wie der getroffene Stier aufbrüllt, der wund vom Altare flieht […]“. Was jedes Reflexionsvermögen und jede Sprache raubt, kommt hier in einem unartikulierten Schrei zum Ausdruck. Bei Kubin richtet er sich jedoch nicht gegen die Sterne, sondern verhallt ungehört in der Einsamkeit und gähnenden Leere der vegetationslosen Landschaft. Obgleich die Verursacher der Folter mit den beiden am Tau ziehenden Männern, dem Stier im Vordergrund und dem Reitenden mit Hut sichtbar werden, bleibt unklar, für welche Qualen sie sinnbildlich stehen. Der Titel „Für Nichts!“ verweist auf die brutale Grundlosigkeit des Erlittenen. Ist es der befremdlich kultisch wirkende Mann vorn rechts im Bild, der die eigentlichen Fäden in der Hand hat? Kubins umfangreiche Schriften bieten für das Dargestellte keine eindeutige Exegese. Das Blatt kann jedoch als Parabel einer unerbittlichen Wahrheit menschlichen Daseins gelesen werden, die reale menschliche Leiden bis ins Ungeheuerliche steigert. Gezeigt wird der gespaltene Mensch, das bis zur Höllenpein Zerrissensein, ein Abgrund der Seele. Es scheint hier nur eine letzte tröstliche Einsicht zu bleiben: Auch unendlicher Schmerz ist unabdingbar Teil der Conditio humana. | Luisa Fink

Ohne Titel

Der Tscheche František Kupka lebte seit 1896 in Paris, wo er seinen Lebensunterhalt vor allem mit Beiträgen für satirische Zeitschriften verdiente; seit 1900 kamen Buchillustrationen dazu. Laut Beschriftung ist dieses Blatt eine Illustration zu dem 1909 erschienenen Gedichtband „La négresse blonde“ (Die blonde Negerin) von Georges Fourest, eine tatsächlich illustrierte Ausgabe von František Kupka ist jedoch nicht bekannt. Kupka geht sehr frei mit den Sprachbildern des Dichters um, auf deren Variationsbreite und Vielzahl die übereinandergestellten Gemälde im Vordergrund verweisen. Fast scheint es so, als übertrage Kupka die Stilmittel von Fourest – Disharmonie, unerwartete Wendungen und derben schwarzen Humor – in seine Illustration. Mag das Oberteil des Skeletts auch an einen Matrosen, den typischen Bordellbesucher, denken lassen, verraten die Haartolle, das Monokel, die Zigarette im Mundwinkel, der wohlgenährte Bauch der Knochenfigur, die behandschuhte Hand und insbesondere die lässige, selbstbewusste Haltung einen Mann der Bourgeoisie, jener Bürgerschicht, die Fourest in vielen seiner Gedichte satirisch betrachtete, der er aber selbst angehörte. Möglich ist, dass Kupka in seinem Aquarell auf den Lebensstil des Dichters anspielt. Der Pantoffel, in der Ikonografie oft Symbol der Weiberherrschaft, stellt im Zusammenhang mit der betont herausgestellten männlichen Potenz ein weiteres ironisches Moment dar. Der Fötus ist ein Zitat aus Kupkas 1900 entstandenem symbolistischem Zyklus „Les Nénuphars“ (Lebensanfang). Auf dem hier gezeigten Blatt wird der Embryo von Absinth, erkennbar an Löffel und Zuckerstück, dem „Getränk der Künstler und Literaten“ im Paris der Jahrhundertwende, genährt. Inspiriert durch Georges Fourests literarisches Werk zeigt František Kupka einen sarkastischen Lebenszyklus seiner Zeit. | Silke Krohn