Singende französische Mädchen

Allgäuer Tal

Nur die Wintermonate verbrachte Heckel nach Kriegsende noch in Berlin, um Organisatorisches zu regeln. Ansonsten lebte er zurückgezogen in seinem Bauernhaus an der Flensburger Förde oder unternahm im Frühjahr und Herbst ausgedehnte Reisen durch ganz Europa. So wanderte er im Frühjahr 1921 vom Allgäu bis an den Bodensee und entdeckte dabei erstmals die Welt der Berge. Heckels Farbgebung hatte sich nach den Erfahrungen des Ersten Weltkriegs gemäßigt, sie war zurückgenommen und fast aquarellhaft zart geworden. Mit dem nun matten, gedämpften Kolorit verbildlichte er seine gewandelte Empfindung der Welt: Die vitale Aufbruchsstimmung der Jugend ist dem Ausdruck einer gereiften und abgeklärten Persönlichkeit gewichen. Gerade in Heckels Landschaften lässt sich eine verstärkte Verinnerlichung feststellen, die die Landschaft als symbolhaften Ausdruck einer romantisch zu nennenden Innenschau inszeniert. In der Erhabenheit der majestätischen Wucht des Bergmassivs vermittelt sich die Ewigkeit der Schöpfung, in welcher der Mensch eine nur untergeordnete Rolle spielt. Die kompositorische Idee des Gemäldes erscheint erstmals auf einer mit Tusche und Wachskreide gezeichneten Postkarte Heckels an den befreundeten Künstler Franz Radziwill (Privatbesitz; vgl. 100 Jahre Künstlerort Dangast, Ausst.-Kat. Franz-Radziwill-Haus, Dangast, 2008, Abb. S. 135). | Janina Dahlmanns

Femme couchée au bouquet

Das malerische Experimentieren mit der menschlichen Anatomie ist ein zentrales Thema in Picassos Œuvre. Bei „Femme couchée au bouquet“ (Liegende Frau mit Strauß) kombinierte er mehrere formale Elemente aus seinem Repertoire: Zum einen setzen sich viele Partien des Körpers aus Dreiecken und Kreissegmenten in Grautönen zusammen, Zitate seiner um 1910 entstandenen kubistischen Porträts. Zum anderen knüpft Picasso an andere seiner Figurendarstellungen an, bei denen er Teile der Anatomie ausklappt. Hier ist es die rechte Gesäßhälfte. Schließlich erinnert die gesamte Komposition, insbesondere durch die ungleich langen, nach links ausgestreckten Beine und die hinter dem zum rechten Bildrand liegenden Kopf verschränkten Arme, an den im Museum Berggruen verwahrten „Grand nu couché“ (Großen Liegenden Akt) von 1942 (NG MB 73/2000), ein Gemälde mit nahezu identischen Maßen und ähnlich uneinheitlichem Farbauftrag. Im vorliegenden Werk fällt kompositorisch das eigentümliche Gleichgewicht vom Bein des Tischchens und der am entgegengesetzten Ende der Tischplatte stehenden Blumen auf, deren Umrisse wie ein Echo auf Silhouette und räumliche Ausrichtung der Frau wirken. | Gabriel Montua

Atelierecke

Spielten Stillleben in Strempels Schaffen bis 1945 eine eher untergeordnete Rolle, so widmete er sich dieser Gattung nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges umso häufiger. Dazu zählen auch Torsi und Atelierbilder, die er in den späten 1940er-Jahren vermehrt malte (vgl. WVZ Saure 1992, 711). Der gezeigte Ausschnitt der „Atelierecke“ scheint weniger arrangiert als unaufgeräumt und zugestellt: Achtlos zurückgelassene Tücher hängen an den Möbeln, eine Stellwand (möglicherweise mit einem Spiegel) steht ohne Effekt halb im Raum, Rahmen und Hocker wirken irgendwie verstaut. Blickfang auf einem schiefen Tisch sind ein weißer Frauentorso, ein leerer Krug und eine Rolle sowie auf dem Boden ein roter Kegel. Tatsächlich ist das alles kaum zufällig: Strempel griff immer wieder Formen und Stile anderer Kunstepochen auf. In der Inszenierung des Zimmers setzte er eine am Kubismus geschulte Bildsprache ein, die im Kontrast steht zu dem antikisierten Körperfragment. Möglicherwiese stand Pablo Picasso Pate, der diese stilistischen Gegensätze bereits zusammengeführt hatte. Ob Strempel hier das klassische Thema von Maler und Modell aufgreift, ob er sich dabei auf das Pygmalion-Motiv bezieht oder im Torso metaphorisch die versehrte deutsche Gegenwart der Nachkriegszeit ausdrückt (vgl. WVZ Saure 1992, S. 92), die Deutung ist den Betrachter*innen überlassen. Das Gemälde bildet ein schönes Gegenstück zu seiner Arbeit „Im Atelier“ (A IV 549), das – anders als hier – der Maler und seine Modelle bevölkern. | Sven Haase

Stillleben mit Clivia

Lategahn studierte von 1901 bis 1909 in Berlin. Ab 1911 trat er mit Stillleben, Porträts und Landschaftsansichten aus Berlin und Brandenburg hervor. Seine Spur lässt sich allerdings kaum verfolgen, denn nur äußerst wenige Arbeiten von ihm sind bekannt. Das „Stillleben mit Clivia“ gelangte erst nach dem Tod des Künstlers in die Nationalgalerie. Es gibt die Pflanze naturgetreu wieder: die orangefarbenen Blüten, das Gelb des Blütenstaubs, die gebogenen Blätter, dazu den Kalkrand um den Blumentopf und die Feuchtigkeit darunter. Links unten liegt ein wenig sorgsam behandeltes Taschenbuch. Den Hintergrund bildet eine alte, abgenutzte Tischdecke oder Plane, die ebenfalls sehr naturalistisch dargestellt ist. Aufgrund von Schäden wurde die Bildoberfläche mit hellen Streifen befestigt. | Emily Joyce Evans

Stillleben mit roten Rüben Verso: Landschaft (Skizze)

Le Parc St. Maur (L'avenue Médici)

Der 1883 geborene Utrillo war der Sohn von Suzanne Valadon, einem bekannten Modell der Impressionisten und selbst Künstlerin. Maurice saß seinerseits häufig Modell für seine Mutter; sie war es auch, die ihn zu eigenen künstlerischen Arbeiten anregte. Diese entstanden zu Beginn des 20. Jahrhunderts und waren impressionistisch geprägt, was angesichts seiner Herkunft nicht verwundert. Finden sich in seinen künstlerischen Anfängen auch Landschaften, wandte sich Utrillo um 1908 nahezu ausschließlich städtischen und architektonischen Darstellungen zu. Die Persistenz, mit der er dabei immer wieder um dieselben Themen kreiste, darf wohl getrost als Obsession bezeichnet werden, die auch in der enormen, sich steigernden Produktivität aufscheint. Oft malte Utrillo kurz hintereinander dasselbe Motiv nahezu identisch; anders als die nuancierten Serien der Impressionisten gewinnen diese Wiederholungen dem Motiv nur selten neue Facetten ab. Lediglich im künstlerischen Ausdruck erlaubte sich Utrillo schnelle Wechsel zwischen linear scharf und impressionistisch weich erfassten Szenerien. 1920 begann sein Aufstieg zum gefeierten Künstler; wenige Jahre später wurden seine Werke auch in Deutschland vermehrt rezipiert und für Sammlungen angekauft. Oskar Schürer versuchte sich in der Zeitschrift „Die Kunst für Alle“ an einer Erklärung für das gesteigerte Interesse an einem Maler, der vor seiner Entdeckung bereits 15 Jahre lang tätig gewesen war, und benannte gleichzeitig die dem Œuvre immanente Problematik: Utrillos „heutiges Schaffen“ äußere sich „in unerschöpflicher Produktion, in fast manischer Malwut […]. Noch rauscht eine Vielfalt durch diese immer gleichen Motive der Straßen und Mauern […], daß der Gedanke drohender Monotonie nicht aufkommt“ (Oskar Schürer, Maurice Utrillo, in Die Kunst für Alle, 42. Jg. [1927/1928], S. 160). | Katharina Wippermann

Farbige Formen

Das Haus Nummer 15 des Herkulesufers am Berliner Landwehrkanal, heute eine Freifläche zwischen Bauhaus-Archiv und der Villa von der Heydt, gehörte in den frühen 1920er-Jahren zu den Fixpunkten der Berliner Avantgarden. Regelmäßig kamen Künstler wie László Moholy-Nagy, El Lissitzky und Arthur Segal in Buchholz’ dort gelegenem Atelier zusammen. Dieser hatte 1922 damit begonnen, seinen im vierten Stock befindlichen Arbeitsraum nach konstruktivistischen Prinzipien umzugestalten. Gründerzeitliche Elemente wie Bogenfenster und Kachelofen verschwanden hinter Einbauten, die Wände wurden in geometrisch geformte, farbige Flächen unterteilt. Plastische Körper, darunter eine weiße Kugel und goldene Quader, sorgten für eine spannungsreiche Balance. Vor dem Hintergrund dieser innenarchitektonischen Gestaltung entstanden 1922 drei kleinformatige Gemälde auf Glas, die verdeutlichen, dass Buchholz das Quadrat und den Kreis als zentrale Pole seiner Kompositionen begriffen hat. Das Werk „Farbige Formen“ widmete er noch im selben Jahr seinem Freund Arthur Segal, dessen Malerei wesentlich von der prismatischen Zerlegung der Farben, also vom Zusammenhang zwischen Farbe und Licht, ausging – das Geschenk eines durchscheinenden Bildes auf Glas lag hier nahe. Als Segal 1933 zunächst nach Mallorca emigrierte, gab er Buchholz das fragile Werk vermutlich zurück, weshalb dieser es 1953 an die West-Berliner „Galerie des 20. Jahrhunderts“ verkaufen konnte, über die es schließlich in die Sammlung der Nationalgalerie gelangte. | Nina Schallenberg

Bild 56 (Holländische Mühle)

Als eine der ersten Frauen hatte Heemskerck von 1897 bis 1901 die Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag besucht. Nach einjährigem Studienaufenthalt in Paris kehrte sie 1905 in die Niederlande zurück, lernte den Kreis um Piet Mondrian kennen, wandte sich der Anthroposophie zu und ließ sich ab 1913 durch Herwarth Walden und dessen Berliner Galerie Der Sturm vertreten. Im September 1916 begegnete sie dem Medizinstudenten und späteren Psychiater Frederik Willem Zeylmans van Emmichoven. Nach intensiven Gesprächen notierte dieser im Januar 1917 zu ihrem „Bild 56“: „Gedanken über die Arbeit, die Ruhelosigkeit des Geistes. Als Hauptmotiv eine Mühle, einfach, kraftvoll aufgebaut. Die Flügel scheinbar still, darunter jedoch kräftige Kreisbögen, schwarz und orangefarben, die durch ihre wiederholte, abwechselnde Erscheinung Gedanken an unermüdliche Arbeit, an das Durchschwingen der Mühlenflügel hervorrufen. Rund um all dies in Rot und Grün das Spiel der menschlichen Emotionen und der Leidenschaft inmitten des unaufhaltsam fortströmenden Lebens. Zwischen all dem steigt die Mühle empor – in hellem Violett – als Symbol des Wertes der Arbeit, der heiligen und erlösenden Aufgabe der Menschheit. Über den Hintergrund spannt sich schwarz und drohend ein Brückenbogen, dazwischen weisen schlanke, dunkle Spitzen nach oben. Eine Darstellung der aufsteigenden Kraft der ruhelosen Arbeit, und des Glücks und der Ruhe, die sie – vollbracht – gewährt“ (zit. nach Jacoba van Heemskerck, 1876–1923. Eine expressionistische Künstlerin, Ausst.-Kat., Berlin [West]/Stuttgart/Den Haag, 1983, S. 27). | Dieter Scholz

Schwarzer in der Métro

In Eislers Metrowagen stehen und sitzen Menschen; sie lesen oder schauen ihr Gegenüber an. „Schwarzer in Pariser Metro“ ist typisch für Eislers Werk, denn zum einen interessierte er sich für Darstellungen einzelner Menschen und von (anonymen) Menschenmassen. Zum anderen ist der Raum wie oft in seinem Œuvre in klassischer Perspektive und mit Standpunkt leicht seitlich der Mitte dargestellt. Rechts im Vordergrund steht ein Mann mit dunkler Hautfarbe, als Einziger etwas getrennt von den anderen Personen. Er ist in sich gekehrt oder schaut vielleicht auch auf die Mitfahrenden – Eislers etwas grob und breit wirkende, geschwungene Pinselstriche lassen wenige Details erkennen. Zum Erwerb des Bildes für die Nationalgalerie in Ost-Berlin kam es, weil der Österreicher Eisler seit einer Ausstellung seiner Werke 1985 in Ost-Berlin mit der Nationalgalerie in Kontakt stand. Ursprünglich hatte man über ein Porträt des marxistischen Philosophen Georg Lukács aus dem Jahr 1970 gesprochen, das der Künstler aber anderweitig verkaufte. Warum als Ersatz gerade dieses erworben wurde, geht aus der Korrespondenz nicht hervor (SMB-ZA, II A/NG 287). Es erschien offenbar wichtig, eines von Eislers Bildern zu besitzen, dem Sohn des Komponisten Hanns Eisler, der lange in Berlin gelebt hatte (siehe Inv.-Nr. B III 8). | Emily Joyce Evans

Familie am Tisch (Studie)

„Familie am Tisch“ gehört zu einer Gruppe von Ölstudien, die der Vorbereitung des Gemäldes „Familie“ von 1967 dienten. Gezeigt wird eine Szene in einer bürgerlichen Kleinfamilie: Der Mann liest Zeitung, die Frau und das Kind sitzen in stiller Eintracht auf einem Sofa, das an den Stil der Gründerzeit erinnert. Auf dem Tisch stehen ein bunter Blumenstrauß und ein Kaffeegedeck mit Torte. Trotz des lebendigen Pinselstriches und der teils kräftigen Farben strahlt das Bild eine saturierte Alltäglichkeit aus. Das fertige Bild wurde 1967 sehr prominent auf der „6. Kunstausstellung der DDR“ in Dresden präsentiert und zeitgleich im Magazin „Bildende Kunst“, dem Zentralorgan des Verbandes der bildenden Künstler, farbig abgebildet. Beides belegt den Erfolg Brendels und seine wichtige Position im Gefüge der ersten Riege der Maler der DDR. 1967 ist auch das Jahr, in dem er in das Präsidium des VBK aufgenommen wurde. Seit 1950 verfolgte er zudem eine Karriere an der Hochschule für bildende und angewandte Kunst in Berlin-Weißensee, die 1969 mit seiner Ernennung zum Professor ihren vorläufigen Höhepunkt erreichte. | Sabrina Kotzian

Der Blinde

Dieses Porträt ist eines der zahlreichen Bildnisse, die Quevedo von Angehörigen der spanischen Exilgemeinde anfertigte, die in den 1960er-Jahren in Dresden lebten. Wie die Künstlerin, die 1952 mit 14 Jahren vor dem Franco-Regime aus Spanien geflohen war, hatten diese Männer und Frauen in der DDR eine neue Heimat gefunden, aber ihre Wurzeln nicht vergessen. „Der Blinde“ entstand während Quevedos Zeit als Meisterschülerin an der Akademie der Künste in Berlin. Das Gemälde zeigt einen kurzhaarigen Mann mit dunkler Brille, gemalt in der düsteren, fast monochromen Farbpalette, für die Quevedo später bekannt wurde; nur ein Hauch von Dunkelrot in seinem Hemd durchbricht das schwarz-weiße Farbschema. Die Malerin stellte den Mann in mehreren Werken dar. Dieses ist eine Vorstudie für das vieldiskutierte Bild „30 Jahre Exil“ (1971; Städtische Kunstsammlungen Chemnitz), in dem sein Gesicht nahezu unverändert in der linken oberen Ecke zu erkennen ist. Auf der 7. „Kunstausstellung der DDR“ in Dresden gezeigt, markiert das Bild Quevedos Durchbruch als Malerin im selben Jahr, in dem sie auch ihr Studium in Berlin abschloss. | April Eisman

Figur Nr. 34

Invasion

Richter gehörte zur Film-Avantgarde der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Zuvor hatte sich der von der Malerei kommende Künstler 1916 der Dada-Bewegung angeschlossen. Unter dem Einfluss des Konstruktivismus entwickelte er zusammen mit dem Schweden Viking Eggeling ab 1919 erste Ideen zum abstrakten Film. Hierfür fertigte Richter lange, horizontale Rollenbilder an, auf denen er die zeitliche Bewegung von Formen mithilfe der Malerei dynamisch darzustellen versuchte. Diese Experimente mündeten schließlich in „Rhythmus 21“ (1921), ein Schlüsselwerk des abstrakten Films. Ab 1933 floh Richter quer durch Europa, bis ihm 1941 die Emigration in die USA gelang. Nach 15-jähriger Pause von der Malerei entstanden ab 1943 drei Rollenbilder zum Krieg und zur Befreiung von der Naziherrschaft, in denen Richter Collagetechnik und konstruktivistische Bildsprache miteinander verband. „Momentum of Invasion“ konzipierte er zunächst als rein abstraktes Rollenbild. Zu einem späteren Zeitpunkt kürzte er nicht nur den Titel auf „Invasion“, sondern fügte Schlagzeilen, Nachrichten, Fotos und Landkarten ein, die den Kriegsverlauf von der Landung der Alliierten in Frankreich über die Überquerung des Rheins durch US-amerikanische Truppen bis zur Kapitulation der Wehrmacht am 8. Mai 1945 nachzeichnen. Kompositorisch versinnbildlichte Richter die Gefechte durch horizontal voranstrebende und vertikal dagegenhaltende geometrische Elemente. Als Zeichen der Hoffnung steht ganz links ein kleines rotes Kreissegment, das immer weiter anwächst. Wahrscheinlich begann der Künstler das Bild 1944. 1946 stellte er es zum ersten Mal aus. Zu diesem Zeitpunkt waren die Zeitungsausschnitte noch nicht eingeklebt. Es trug den Titel „Momentum of Invasion“, war auf 1945/1946 datiert und noch nicht signiert. Wann genau die Collageelemente und die Signatur samt Datierung angebracht wurden, lässt sich nicht ermitteln. In den Katalogen von 1959 ist die Arbeit noch ohne Zeitungsschnipsel reproduziert, trägt den Titel „Dynamische Entwicklung in 3 Sätzen“ und ist mit 1944/1945 datiert. Im italienischen Katalog von 1962 ist sie ebenfalls uncollagiert und unsigniert abgedruckt und wird als „Invasione“ bezeichnet. Die Jahreszahl lautet hier ebenfalls 1944/1945. Richter muss das Bild irgendwann zwischen 1962 und seinem Tod 1976 in den heutigen Zustand gebracht haben. Vermutlich hat er das Jahr 1945 gewählt, um damit auf das Ende des Krieges zu verweisen. | Sven Beckstette

Stillleben

Irritierend ist die Ähnlichkeit dieses 1908 entstandenen Stilllebens mit einem Stillleben von Henri Matisse aus dem Jahre 1910 (Pinakothek der Moderne, München). Beide Bilder zeugen von einem lebhaften Geben und Nehmen sowie von der Rolle Purrmanns bei der Vermittlung der Kunst des Franzosen in Deutschland. 1905 war Purrmann nach Paris gegangen. Hier hatte er sich dem Kreis der Künstler im Café du Dôme angeschlossen. Im selben Jahr entdeckte er die Werke von André Derain und Henri Matisse im Pariser Herbstsalon, wo die umstrittenen Künstler ihren Spottnamen „fauves“ (Wilde) erhielten. Bald lernte er Matisse auch persönlich kennen. Es entstand der Plan einer Académie Matisse, die unter der organisatorischen Leitung Purrmanns 1908 öffnete. Im Atelier der Académie malte er sein Stillleben, das in Komposition und Farbgebung dem späteren Stillleben des Lehrers so verwandt scheint, wozu die schräg von links unten nach rechts oben gleich einer Gebärde drapierte Stoffbahn mit dem gleichen Muster, blaue Ranken auf Weiß, nicht unwesentlich beiträgt. Während jedoch Matisse’ Stillleben von Primärfarben bestimmt wird, ist Purrmanns Gemälde nicht nur konventioneller aufgebaut, sondern auch farblich matter. Im Sommer 1908 reiste Matisse in Begleitung Purrmanns erstmals nach Deutschland. 1910 besuchten sie gemeinsam Hugo von Tschudi, den Direktor der Pinakothek in München. Dieser hatte, vermittelt durch Purrmann, Matisse im Jahr zuvor in Paris kennengelernt und war auch in dessen Atelier gewesen. Gefallen hatten ihm zwei Stillleben, die jedoch bereits vergeben waren. So malte Matisse ein neues, in der zuvor dem Schüler vermittelten Manier. | Angelika Wesenberg

Früchtestillleben mit Buch

Bereits in den späten 1910er-Jahren war Weiß zu einem gefragten Künstler in Berlin geworden. Neben seiner Arbeit an der Unterrichtsanstalt des Kunstgewerbemuseums, die 1924 mit der Akademischen Hochschule für die bildenden Künste fusionierte, setzte er buchkünstlerische Projekte um und nahm Aufträge für Wanddekorationen wie auch für die Gestaltung von Vasen und Tellern an. Als Maler hatte er ebenfalls Erfolg. Seit 1907 war er Mitglied der Berliner Secession, 1922 wurde er in die Akademie der Künste aufgenommen. Neben Genredarstellungen und Porträts schuf Weiß auch in dieser späteren Werkperiode zahlreiche Stillleben. Eine Auseinandersetzung mit spezifischen Themen seiner Zeit gab es in seinen Arbeiten indes nicht. Charakteristisch für seine Bilder aus jenen Jahren, so auch für das „Stillleben mit Maiglöckchen“ oder das „Tulpenstillleben“ (NG 67/81 [07] und [13]), sind die erdige, oft dunkle Farbauswahl sowie eine stärkere Präzision und Schärfe in der Ausführung als zuvor (vgl. etwa das „Blumenstillleben mit Apfel“, NG 67/81 [09]), die auf eine Beschäftigung mit den Bildern der Neuen Sachlichkeit schließen lassen. Weitere Stillleben Weiß’ in der Sammlung der Nationalgalerie führen unterschiedliche Varianten vor Augen, in denen der Maler die Ausdrucksmöglichkeiten der Gattung erprobte (vgl. NG 67/81 [03], [12], [13] sowie NG 104/81). | Maike Steinkamp